El Jazz y el Rock

El Jazz, sus orígenes y desarrollo

        El  JAZZ, producto musical heterogéneo de la fusión de varios elementos muy singulares, surgió gracias a un conjunto de circunstancias sociales y musicales que concurrieron en una misma forma y momento para dar origen a un género musical que refleja, con mayor fidelidad que cualquier otro elemento, la vida norteamericana, la diversidad de tradiciones y formas de sentir de índole técnica o nacional que han sido entretejidas por la gente que integra la población de los Estados Unidos de Norteamérica.

Un factor fundamental en la creación del Jazz, fueron los negros que trabajaban en las poblaciones del sur de los Estados Unidos y estaban librándose de la esclavitud durante la segunda mitad del Siglo XIX. Ellos habían sido arrancados de su África natal, uno o dos siglos antes pero seguían conservando y enriqueciendo sus tradiciones y el legado melódico y rítmico de sus antepasados.

Este legado pasó de una generación a otra por medio de las canciones y cantos de trabajo y oración (Negro Songs), las cuales utilizaban y entonaban para comunicarse mientras trabajaban en los campos y también, durante el medio día de asueto que se les concedía los Domingos, para que se reunieran y compartieran en el campo abierto llamado Plaza Congo de New Orleans; allí cantaban y danzaban al ritmo de música producida con la ayuda de troncos o tallos de bambú, llamados Bambulas, con tambores construidos con troncos recubiertos por cueros de vaca y con algunos instrumentos de cuerdas construidos de manera artesanal.

Estos Cantos de Trabajo entonados durante la esclavitud, dieron lugar a dos géneros musicales: las canciones rituales y religiosas, llamadas Negro Spirituals y las canciones profanas denominadas Blues, muchas de ellas inspiradas en la música religiosa, adaptada a sus propios fines: funerales y otros acontecimientos pero con una especial estructura escalística constituída por dos tetracordes iguales y disjuntos, o sea que se utilizan indistintamente, uno u otro pero rara vez ambos juntos, característica de ascendencia netamente africana.

Cuando la Esclavitud fue abolida en 1863 por el Manifiesto de Emancipación del presidente Abraham Lincoln, los negros que vivían en New Orleans o sus alrededores, se encontraron ubicados en una maravillosa encrucijada cultural. La ciudad era extremadamente cosmopolita; tenía población francesa, inglesa, española y africana. Consecuentemente, se celebraban ritos religiosos católicos, protestantes y vudús. Había música variada y por doquier.

En el Teatro Francés de la Opera, se podía escuchar música clásica europea, óperas, ballets y bailes de música europea: cuadrillas, valses, polkas, etc. Las Bandas realizaban vistosos y frecuentes desfiles y se escuchaba música variada en los bares y calles. Toda esta música influyó inevitablemente en los cantos y géneros musicales cultivados por los negros.

En los años que siguieron a la Guerra Civil Norteamericana la cual terminó en 1865, se abrió un nuevo mundo musical para los negros libertos. Ya desde antes contaban con instrumentos pero la mayoría eran de cuerdas. Ahora podían utilizar instrumentos de viento de tipo profesional, pues los soldados-músicos de los ejércitos contendientes habían abandonado buena cantidad de trompetas y tambores en los campos de batalla.

Los negros aprendieron a tocar por sí mismos, ya que se les prohibía, impedía o dificultaba la asistencia a escuelas y conservatorios. Con tenacidad y creatividad lograron sus propios métodos heterodoxos para relacionar los sonidos de las cornetas y trompetas con sus inclinaciones vocales y sus necesidades musicales.

Empezaron a interpretar himnos y marchas religiosas, cantos de funerales y aires conocidos; pronto, trataron de emular la letra de sus canciones las cuales cantaban en sus mentes y las  intentaban reproducir con la corneta.

Este estilo de Cornetas Cantarinas dio a las marchas, himnos y cantos una sinuosidad o característica ondulatoria melódica que nunca habían poseído.

También le aportaron un acento melancólico muy especial que se convirtió en un estilo de interpretación peculiar, introduciendo nuevos intervalos.

Años más tarde, se agregó otro elemento importante para la formación del Jazz; se trata del  RAGTIME (ritmo sincopado). Este era un ritmo pianístico derivado de las marchas y de un género llamado Cakewald en el cual se combinaba el toque sincopado en la mano derecha y un golpeteo continuo con la izquierda.

Esta forma de hacer música se popularizó gracias a Los Pianistas de la Legua, que eran pianistas, negros casi todos, itinerantes, que iban de pueblo en pueblo haciendo actuaciones; ellos solían componer y tocar Rags para Piano entre estos, fue muy famoso el ragtime Maple Leaf Rag de SCOTT JOPLIN (1868-1917).

A fines del siglo XIX, muy pronto, se organizaron las principales orquestas o conjuntos de baile que tocaron este ritmo, etapa conocida como del Jazz Incipiente.

La primera Banda de Jazz importante, fue un conjunto dirigido por  BUDDY BOLDEN (1877-1931), trompetista y barbero al que se conoció entre 1885 y 1896 como El Rey de los Músicos de New Orleans, sucedido luego por JOE “KING” OLIVER (1885-1939). Otra figura de importancia fue el pianista JELLY ROLL MORTON (1890-1941).

Tanto estas Bandas como otras que surgieron inmediatamente tales como, la Banda Olympia, la Creole Band de Kid Ory y la Eagle Band, acostumbraban tocar improvisando.

Cada instrumento desempeñaba un papel definido:

ü        La Trompeta o Corneta, llevaba la melodía

ü        El Clarinete, danzaba alrededor de ella con variaciones y adornos

ü        El Trombón, daba soporte armónico en los bajos

ü        El Contrabajo, la Guitarra y el Banjo junto a los tambores, eran el vehículo armónico y rítmico sobre el cual marchaba la pieza musical.

No se utilizaba el piano porque no se adecuaba a las actuaciones en bailes abiertos, marchas, funerales y desfiles.

Las dos primeras etapas del Jazz van desde 1900 hasta 1917, sus orígenes, y desde 1917 hasta 1922, lo que conocemos como el Jazz Antiguo.

Luego sigue la etapa llamada Middle Jazz, época de los solistas y las nuevas bandas de blancos. Muy pronto los jóvenes músicos blancos también sintieron la fascinación de esta música y comenzaron a organizar orquestas. Pero tocaban en forma más apurada y espasmódica que los negros.

Surgió así el Jazz de Dixieland, el cual desde sus orígenes y hasta la Segunda Guerra Mundial fue la versión blanca de la música de los negros; a partir de esa época empezó a establecerse firmemente como un Estilo Interpretativo, tocado al igual por negros y blancos.

Hasta 1923 las Bandas de Jazz muy raras veces constaban de más de siete (7) músicos; los grupos mayores exigían la escritura de la música y esto se consideraba que destruiría la espontaneidad que era parte esencial del Jazz.

Fue el músico negro DON REDMAN (1900-1964), formado en Conservatorio, quien comenzó a poner en práctica una manera peculiar de escribir la música de jazz, la cual permitía las improvisaciones y actuaciones de solistas.

FLETCHER HENDERSON (1897-1952) y DON REDMAN con la ayuda del trompetista LOUIS ARMSTRONG (1901-2001) pudieron demostrar en 1924 que sí era posible interpretar jazz con orquestas grandes. A partir de allí, otros músicos se interesaron en la experiencia, de manera especial  el pianista y director DUKE ELLINGTON  (1899-1974) y su trompetista BUBBER MILEY (1903-1932).

En 1934 el trombonista TOMMY DORSEY  (1905-1956) y su hermano, el clarinetista y saxofonista  James “JIMMY” (1904-1957), formaron una orquesta que llego a lograr fama con la interpretación del Dixieland. Les siguió la Orquesta del Clarinetista y director BENNY GOODMAN (1909-1986). Y en 1935 COUNT BASIE (1904-1984) contrató varios músicos para hacer su propia orquesta.

Más tarde les siguió el legendario trombonista GLENN MILLER (1904-1944). Conocemos esta época como la Era del Swing. A partir de 1945, se inicia la época del Modern Jazz, la cual se divide en dos períodos: de 1945 hasta la muerte de CHARLIE PARKER (1920-1955) ocurrida en 1955; y de allí hasta nuestros días surgen muchos nombres de grandes instrumentistas e improvisadores que han determinado los más importantes avances estilísticos y conceptuales para el Jazz de nuestros tiempos; entre ellos, además de los ya mencionados, debemos recordar a Ferdinand Joseph “Jelly Roll” Morton (1885-1941), Earl Hines (1903-1983), Coleman Hawkins (1904-1969), Lester Young (1909-1959), Dizzy Gillespie (1917-1993), Miles Davis (1926-1991), John Coltrane (1926-1967), y Ornette Coleman (1930).

A partir de allí sigue una larga y hermosa historia que, con multitud de variantes, se extiende a muchos países y se prolonga en nuestros días.

EL ROCK

Esta  Sección ha sido elaborada con la colaboración  del Ing. Electrónico (USB) Gabriel Eduardo Pérez Tellería

Se puede decir que ES LA VOZ DE LA JUVENTUD DE NUESTRA ÉPOCA. Surge a partir de los Turbulentos años 50´ de la posguerra, cuando los jóvenes se dedican a demoler el repertorio meloso de los cantantes de moda de los 40´, para construir en su lugar un admirable mundo sonoro nuevo que volvía a descubrir el filón rico y vivo de la música folklórica y de los Blues negros, transformándolo con la tecnología sofisticada de los instrumentos electrónicos y proyectando el lamento rural al escenario de la neurosis urbana.

El término de ROCK & ROLL lo introduce el pionero disk-jockey norteamericano Allan Freed  (primero y destacado DJ de rock) al acuñar en su programa radial la expresión: Rock and roll – inspirándose a partir de la frase My Baby, She Rocks Me With a Steady Roll, nombre de un tradicional blues popularizado por Big Joe Turner, allá en 1922.

Los pioneros casuales de este nuevo estilo de hacer música son William John Clifton Haley (1925-1981) conocido como BILL HALEY y su grupo The Comets quienes, en 1954, popularizaron el tema Rock Around The Clock (Rock alrededor del reloj) que vino a cambiar totalmente los hábitos auditivos de los jóvenes en los Estados Unidos.

El tema fue elegido para la banda sonora en la presentación y créditos finales de The Blackboard Jungle, un film sobre delincuencia juvenil. La película, de una dureza considerable para aquellos momentos, se convirtió en objeto de culto desde el día de su estreno; en los cines los jóvenes causaban alborotos por sus bailes y sus muestras de rebeldía juvenil. A finales de 1955, las ventas totales de Bill Haley & his Comets para el sello disquero DECCA sumaban tres millones de ejemplares, fue su momento de gloria. Haley se convirtió así, en el primer rey del Rock and Roll.

En el nuevo Rock…Se sustituye la letra banal donde se enaltecía el amor vago e impalpable, por la letra que plantea y enfrenta la realidad física: calles pobladas de carros, gente, zapatos, hoteles, moteles, viaductos, bombas de gasolina, etc. En el amor entre dos almas entrarán también dos cuerpos y los amigos, las fiestas y otros temas que recibirán un trato más franco, directo y abierto...

BOB DYLAN (1941) lo plantea e inmediatamente los cuatro de Liverpool THE BEATLES, lo amplifican.

Los Beatles con su productor musical: el maestro Sir George Martin, conciben el primer grupo donde lo importante es el grupo, el todo; ya no son la Banda de Paul o la Banda de John, o la de George o Ringo… son ellos juntos Los Beatles.

La sociedad adulta no podía imaginar que aquellos ruidos formaban parte de la música.

Pero aún más, que en menos de diez años lograron crear una nueva cultura, trayendo consigo una visión social totalmente renovada y hasta traumática. 

La música ha sido el motor que impulsó tales transformaciones. Con Dylan y Lennon, el escocés nacido en Glasgow, DONOVAN (1946), ocupa el trono de los poetas del Rock.

La década de 1970 vió llegar además, el nuevo fenómeno de la OPERA ROCK; se trata de un argumento llevado a la escena con música rock. Son muestra de ello, las óperas Tommy (The Who) y en especial Jesus Christ Superstar del compositor Andrew Lloyd Weber (1948) uno de los más exitosos autores de óperas-rock y comedias musicales de nuestros tiempos.

Son muchos los creadores, artistas y grupos que a partir de entonces y hasta nuestros días, con distintas modalidades, variantes, nombres e idiomas, han cultivado y cultivan la música derivada del Rock en el mundo:

Elvis Presley, Tiny Tim, Joe Cocker, Sly y la Familia Stone, Alvin Lee y Ten Years After, Los Rolling Stones, The Who, Gentle Giant, Janis Joplin “la blanca que cantaba como una negra”, Génesis, Jefferson Airplane, Mick Jagger, Jethro Tull, Iron Butterfly, Johnny Mayall, Jimmy Hendrix, Cliff Richard, Eddy Mitchell, Dick Rivers, Johny Hallyday, Pink Floyd, Phish, Miguel Rios, SodaStereo, Tool, A perfect Circle, U2, The Police, The Doors, Metallica, Bond, Maná, Aditus, Amigos Invisibles, Gustavo Cerati, Enanitos Verdes, Fito Páez,...

Y una grande y muy extensa cantidad de individualidades y agrupaciones, algunas desaparecidas, otras aún existentes y muchas apenas nacientes en nuestros días.

Como vemos, el Rock ha evolucionado con el correr de los años abarcando un amplio panorama de sub-géneros que son diametralmente diferentes en su propuesta y su estética. Una descripción condensada de esta evolución, por décadas, sería mas o menos, como sigue:

Década de los 50'

Nace el Rock and Roll: Bill Haley, Chuck Berry, Little Richard, Jerry Lee Lewis, Elvis Presley, Buddy Holly, Ritchie Valens.

Década de los 60'

Comienza la denominada Invasión Británica: The Beatles, The Rolling Stones, The Who, The Kinks, Gerry and The Pacemakers, The Shadows, The Animals, The Birds, Cream , Donovan, The Yardbirds y muchos más.

En la segunda mitad de los 60 el Rock se comienza a dividir en subgéneros al hacerse mas diverso en su alcance.

Rock Psicodélico y subvariantes: Pink Floyd, Soft Machine, The Beatles (Sgt Peppers, Yellow Submarine), The Beach Boys (Pet Sounds), The Grateful Dead, Jefferson Airplane, The Velvet Underground, Jimmy Hendrix, The Doors, Frank Zappa. Los principales centros difusores de este tipo de música fueron Londres y San Francisco.

Soul: Otis Reading, Marvin Gaye, Aretha Franklin, James Brown y el roster de artistas del sello Motown en Detroit.

Folk-Rock: Bob Dylan (en sus comienzos), Joan Baez, Simon and Garfunkel, Don McLean.

Otros artistas de importancia: Santana, Joe Cocker, Janis Joplin, Procol Harum, The Moody Blues, John Mayall, Sly and The Family Stone, Crosby, Stills Nash & Young, Manfred Mann.

Década de los 70'

Se consolidan algunos grupos y artistas que venían de finales de los 60' como Led Zeppelin, Black Sabath y Deep Purple. La influencia de estos grupos desembocaría en el nacimiento de un nuevo genero en los 80': el Heavy Metal, con una serie de sub-variantes.

Se desarrollan más sub-géneros:

Rock Progresivo: King Crimson, Emerson Lake and Palmer, Yes, Pink Floyd (a partir de Ummagumma y Atom Heart Mother), Focus, Camel, Génesis, Gentle Giant, Jethro Tull, Van der Graaf Generator, Renaissance, Gryphon.

En Italia se crea un movimiento particularmente fuerte en esta línea: Premiatta Forneria Marconi, Banco del Mutuo Socorso, Le Orme, New Trolls, Il Rovescio Della Medaglia, Il Baletto Di Bronzo, Area y muchos más.

En Alemania las influencias del Rock Progresivo se filtran con una óptica particular, se mezclan con algo de Psicodelia y nace el Krautrock: Tangerine Dream, Faust, Can, Klaus Schultze, Kraftwerk, Ahs Ra Tempel, Amon Duul, Eloy, etc.

Nace el Punk, devolviendo el espíritu de rebeldía al rock: The Ramones, Sex Pistols, The Clash, The Stooges, The New York Dolls, The Buzzcocks.

De Jamaica salen el Ska y el Reggae: The Skatalites, Bob Marley and The Wailers, Black Uhuru, Burning Spears.

Aparece el Glam Rock: David Bowie, Marc Bolan & T. Rex, Roxy Music, Gary Glitter, Queen, Elton John (en sus comienzos).

Se populariza el Disco (70' y 80'): The Bee Gees, Donna Summer, KC and The Sunshine Band, Van Mc Coy, Chic, Sister Sledge.

A partir del LP Bitches Brew (1970) de Miles Davis, quien a partir del jazz, aporta una nueva visión del Rock, se crea el Jazz-Rock-Fusión, surgen así, Return to Forever de Chick Corea, Mahavishnu Orchestra, los novedosos trabajos del violinista Jean Luc Ponty, Weather Report.

En Europa destacan: Soft Machine (después del segundo disco), National Health, Bill Bruford, Allan Holdsworth, Michael Urbaniak, Terje Rypdal.

Otros artistas de importancia: Uriah Heep, Steely Dan, Brian Eno, Iggi Pop, Lou Reed, Vangelis, Jean Michel Jarre, Frank Zappa, Mike Oldfield, Grobschnitt, Peter Hammill, Supertramp.

Década de los 80'

Si bien el término Pop existe desde hace tiempo comienza a unificarse como un género aparte que incluye artistas como Madonna y Michael Jackson.

Nacen más subgéneros:

Gothic Rock: Bauhaus, The Cure, Siouxsie & the Banshees, Joy Division. Dead Can Dance

Aparece el New Wave: New Order, Blondie, The Police, Talking Heads, Gary Numan, Patti Smith, Elvis Costello, B-52's, The Cars, Duran Duran, Devo, Simple Minds, XTC.

Del New Wave se desprende el TecnoPop o SynthPop: Depeche Mode, Orquestral Manouvres in the Dark (OMD), Erasure, Human League, Soft Cell, Kraftwerk, Ultravox, Talk Talk, Japan.

Una variación adicional que se extiende hasta los 90' es el Industrial Rock: Throbbing Gristle, Cabaret Voltaire, Ministry, Front 242, Skinny Puppy, Nine Inch Nails.

Heavy Metal: Iron Maiden, Judas Priest, Metallica, Guns and Roses.

Rap/Hip-Hop: Afrika Bambaataa, Grandmaster Flash, Sugarhill Gang, Run DMC, Beastie Boys, Public Enemy.

Aparece MTV y se desencadena el movimiento de creación de videos para promocionar la música popular.

Aparece el formato CD (Compact Disc) como medio para difundir las grabaciones, poco a poco desparecen los demás medios (LP's, 45's, casettes).

Otros artistas de importancia: Bruce Springsteen, Sting, Peter Gabriel, Dire Straits, Pretenders, U2, UB40, Marillion, Prince, Swans, This Mortal Coil, James, Jesus and Mary Chain, Happy Mondays, Inspiral Carpets, Echo and The Bunnymen, The Smiths.

Década de los 90'

Una nueva generación produce la 2ª. Invasión Británica aparece entre finales de los 80 y comienzos de los 90': Oasis, Blur, Pulp, Radiohead, The Verve, Charlatans UK, Kula Shaker, Placebo, Suede, The Stone Roses, Supergrass, Elastica, Lush, Super Furry Animals, Primal Scream.

Mas Hip-Hop/Rap: Dr. Dre, Snoop Doggy Dogg, Puff Daddy, The Wu-Tang Clan, Busta Rhymes, Tupac Shakur, Notorious B.I.G.

Más Subgéneros:

Grunge (Deriva del Punk y el Heavy Metal, nace en Seatle a finales de los 80'): Nirvana, Sound Garden, Pearl Jam, Alice in Chains, The Smashing Pumkins, Stone Temple Pilots.

Se consolida el Rock Alternativo/Indie que venía de finales de los 80' en paralelo con el Grunge: R.E.M., Morrisey, Yo La Tengo, Phish, Morphine, Pixies, Cocteau Twins, Mercury Rev, Wilco, Ween, Weezer, Sonic Youth.

Surge Dance/Electronica y sub-géneros como: Trip hop, Tecno, House, Drum'and'bass, IDM: Richie Hawtin, Aphex Twin, Orbital, Underworld, Moby, The Orb, Future Sound Of London, Mouse On Mars, Portishead, Massive Attack, Everything But The Girl, Tricky, DJ Shadow, Plaid, Chemical Brothers, Autechre, Squarepusher, Matmos, Fennesz.

Los DJ's comienzan a ser artistas reconocidos: Paul Oakenfold, John Digweed.

Post-Rock: Slint, Gastr del Sol, Tortoise, UI, The Sea and Cake, Godspeed You Black Emperor, Do Make Say Think, Mogwai.

Otros artistas de importancia: My Bloody Valentine, Stereolab, Prodigy, Saint Etienne, Eminem, Bjork, Belle and Sebastian, Nick cave, PJ Harvey, Slowdive, Legendary Pink Dots, Air, Notwist, Kreidler, Lali Puna, Lamb, David Sylvian, Spiritualized.

El Milenio 2000'

De momento no se puede ver en retrospectiva pues la mayoría de los artistas relevantes siguen siendo los mismos que vienen desde los 90'. Aparece el formato Mp3 (entre otros formatos de este tipo) como una alternativa para distribuir las grabaciones de música por Internet.

Instrumentación del Rock

La base usual del Rock son las Guitarras eléctricas (de armonía y solista), Bajo eléctrico (base tonal) y Batería o Drums Set (Ritmo), aunque a lo largo de la historia ha habido variaciones importantes incorporando otros instrumentos como diferentes tipos de Teclados (convencionales y modernos), Ensambles de Instrumentos de cuerda, de viento y de percusión.

Así mismo, el desarrollo de los instrumentos ligados al Rock es una parte importante de la evolución musical del género.

A continuación, agregamos una breve enumeración de los efectos mas importantes en la Evolución de la Tecnología alrededor de los Instrumentos Musicales:

Guitarras Eléctricas:

Producen el sonido al hacer vibrar cuerdas de metal sobre un magneto o pickup que capta las vibraciones en el campo magnético y las convierte en pulsos eléctricos, equivalentes a las vibraciones, que son amplificados. El invento se atribuye a Adolph Rickenbacker.

Las primeras Guitarras eléctricas fueron fabricadas en la década de 1930. Los dos fabricantes mas importantes y que definieron el instrumento como lo conocemos hoy en día son Gibson (USA) y Fender (USA), aunque vale la pena mencionar tambien Rickenbacker (USA) y Grestch (USA). En particular se le debe a Rickenbaker la introducción de la Guitarra de 12 cuerdas. Recientemente, destaca también la empresa Ibanez (Japón).

La gran novedad introducida por lo músicos de Rock fue el uso de efectos para alterar el sonido producido por las guitarras, esto permitió que cada músico desarrollara una paleta de colores particular que usualmente podía modificar a voluntad durante la ejecución pues los efectos se activaban o desactivaban mediante el uso de pedales.

Entre los efectos mas comunes podemos destacar: distorsión, fuzz, chorus, reverb, phaser, flanger, delay, ecualización, wah-wah y compresión.

Bajos Eléctricos

Es el mismo concepto técnico de las Guitarras eléctricas. El fabricante dominante en ese renglón fue Fender, aunque debemos mencionar también a Gibson, Rickenbacker, Hohner (famoso por Paul McCartney) y más recientemente Ibanez.

Batería

Los principales fabricantes fueron (y siguen siendo) Ludwig, Grestsch, Remo (tambores) Paiste y Zidjian (platillos).

Por otra parte, si bien las Máquinas de ritmo o Drum machines existían desde los años 50', es a partir de los 70' cuando se empieza a popularizar su uso, en parte gracias a instrumentos programables fabricados por empresas como Roland (Japón, 1972) y Linn (USA,1979), en particular en los 80' los equipos fabricados por Roland (TR-808 y TR909) se hicieron muy populares y moldearon el sonido de la época.

Teclados

Los Instrumentos de teclado comenzaron a ganar relevancia en el Rock hacia la mitad de los 60' y desde entonces se han mantenido en constante evolución hasta nuestros días.

Los instrumentos de teclado que valdría la pena destacar históricamente por su uso en el Rock son:

1.        Pianos Acústicos

Pianos eléctricos: Fender Rhodes (USA, 1940) y Wurtlitzer (USA, 1950). Se basan en principios técnicos similares a los de las Guitarras eléctricas, empleando láminas metálicas de diferentes longitudes que son golpeadas por martillos, en lugar de cuerdas.

2.        Organos Eléctricos

Hammond (USA, 1935), se basa en principios similares al de la guitarra eléctrica, en este caso se trata de ruedas metálicas con diferente cantidad de dientes que giran cerca de un pickup que capta las variaciones del campo magnético y las amplifica, permitiendo emular el funcionamiento del antiguo órgano de tubos pues el sonido se crea al sumar varias frecuencias con sus armónicos.

En 1940 se inventan los Gabinetes de Cornetas Leslie (Leslie Speakers), que permiten aplicar efectos de trémolo al sonido del órgano mediante el uso de un sistema de altavoces que giran sobre un eje dentro del gabinete (una aplicación práctica de lo que en física se conoce como Efecto Doppler), estos gabinetes son usado con muchísima frecuencia por los intérpretes de órganos Hammond.

En los 60' tambien fueron muy populares los órganos fabricados por Farfisa (Italia, 1964) y Vox (UK, 1962), los cuales empleaban transitores en lugar de mecanismos electromagnéticos.

3.        Mellotron (1963)

Instrumento con un teclado de unas tres octavas que empleaba cintas magnétofónicas con grabaciones previas de instrumentos acústicos (flautas, cuerdas, voces, etc).

Cada tecla hacía pasar una cinta magnética por un cabezal que reproducía el sonido correspondiente a esa nota. Se considera el precusor del moderno Sampler.

Entre los artístas famosos que lo usaron se cuentan: The Beatles (Strawberry Fields Forever), The Moody Blues (Nights in White Satin) y King Crimson (In The Court Of The Crimson King). Este instrumento fue muy importante en el sonido característico del Rock Progresivo de los 70'.

4.        Hohner Clavinet (1971)

Especie de Clavecín eléctrico, en realidad técnicamente utiliza los mismo principios que las Guitarras eléctricas: cuerdas metálicas afinadas que se hacen vibrar sobre un pickup magnético, sólo que es ejecutado mediante un teclado. Hecho famoso por músicos como Stevie Wonder (Superstition) o Rick Wakeman.

5.        Sintezadores

Inicialmente monofónicos, se considera que nacieron como instrumentos de uso común a partir de los diseños de Robert Moog (1963). Empleaban al principio circuitos electrónicos similares a los que existían en los primeros radios (osciladores, filtros, etc). Tambien ARP (1964) fue otro fabricante relevante en los inicios.

Posteriormente, evolucionaron hacia modelos polifónicos, destacando los Prophet y los Oberheim (finales de los 70' comienzos de los 80'). Finalmente, los fabricantes japoneses dominaron el mercado al introducirse los primeros sintetizadores de tecnología digital: diversos modelos de Roland, Korg y Yamaha.

Hoy en día se ha vuelto a modelos con una arquitectura similar a la de los primeros sintetizadores analógicos pero empleando modelos digitales de cada componente, destacando además de las empresas mencionadas un fabricante de Suecia llamado Nord.

                 6.    Samplers

El Sampler es un instrumento que reproduce una grabación digital de un sonido al tocar cada tecla, calculando automáticamente el tono correcto mediante operaciones matemáticas. Este timbre puede ser modificado con filtros y otro tipo de efectos de modulación como en un sintetizador.

El primer Sampler comercial fue el Fairlight CMI (1979), luego vendría el Synclavier que evolucionó del modelo de sintetizador convencional a Sampler.

Estos instrumentos eran muy costosos y no estaban al alcance de todos los músicos, hasta que la empresa Ensoniq (USA) desarrollo el Mirage (1982), el primer sampler a precios accesibles.

De ahí en adelante, varios fabricantes han desarrollado samplers destacando los japoneses Akai, Roland y Yamaha. El sampler permite a los músicos reproducir cualquier tipo de instrumentos convencionales de una manera fiel, además de permitir crear nuevas sonoridades a partir de modificaciones creativas de esos timbres. Así mismo ha permitido el uso musical de sonidos grabados de una forma muy similar como los compositores de música concreta empleaban inicialmente los equipos de cinta magnética.

7.        Instrumentos Virtuales

Con el desarrollo de la capacidad de cómputo de los PC's convencionales algunos fabricantes empezaron a desarrollar a finales de los 90', programas de computación que reproducían modelos matemáticos digitales de instrumentos musicales.

De esta forma, en lugar de emplear un sintetizador digital o un sampler, que a fin de cuentas están fundamentados en los mismos elementos básicos que un PC (CPU, memoria, chips, etc), los músicos podían emplear un Computador corriendo uno o varios programas de instrumentos virtuales con un teclado conectado como interfase con el músico.

La ventaja estriba en que cambiando el software se cambia las características tímbricas del instrumento, permitiendo un flexibilidad inaudita a la hora de manipular sonidos para crear música.

Hoy en día existen samplers y sintetizadores que son programas de computación en lugar de instrumentos físicos que se pueden ejecutar conectando un teclado al PC.

Algunas empresas destacadas son Propellerheads (Suecia, www.propellerheads.se), Ableton (Alemania, www.ableton.com) y Native Instruments (Alemania, www.native-instruments.com), aunque hay miles de programas disponible en Internet  que cualquier persona puede emplear.