BRAHMS, EL REGRESO AL SINFONISMO

Y A LA MÚSICA DE CÁMARA

Tras la revolución musical de Ricardo Wagner, los países germánicos conocen, fuera del campo de la ópera, la actitud más reservada y más clásica de JOHANNES BRAHMS (1833-1897), nacido en Hamburgo; quien permanece fiel a los procedimientos de los primeros románticos de la escuela clásica  vienesa pero logra un punto de equilibrio entre esas fuentes más puras del clasicismo y el romanticismo, a pesar de la complejidad de su melodismo. Sin embargo, y sin romper del todo con la estructura formal clásica, ello no le impide innovar, sobre todo en el aspecto de su lenguaje, que será de mayores alcances, complejidades y dimensiones formales.

Con toda justicia se suele reconocer a Brahms como el sinfonista más grande desde Beethoven. Compuso cuatro importantes y densas Sinfonías: la N° 1 en do menor Op.68 (1876); la N°2 en re mayor Op.73 (1877); la 3ª Sinfonía en fa mayor Op.90 (1883), suele ser llamada la Heroica de Brahms; y la 4ª en mi menor Op.98 (1884-5).

Con ellas, esta forma musical recobra una gran vitalidad y fuerza. La grandeza en el desarrollo de sus ideas ha hecho de estas Sinfonías verdaderos monumentos orquestales. Su obra se caracteriza por un magnífico equilibrio entre la inspiración espontánea y la técnica racional de composición musical. Magistralmente, puede utilizar las herramientas formales del pasado: la sonata, el lied, las variaciones, el minueto o el scherzo; las revitaliza con su genio innovador y libertad creadora.

También sus Conciertos para piano, Op. 15 en Re menor y Op. 83 en Si bemol mayor; para violín Op. 77 en Re mayor; su Doble concierto para violín y violonchelo Op. 102 en La menor; sus célebres y conocidas Danzas Húngaras; sus Variaciones sobre un Tema de Haydn; su Overtura Trágica Op. 81; su maravilloso Ein Deutsches Réquiem, Op.45, para soprano, barítono, coro y orquesta; y su extensa producción de música vocal y de cámara, donde se cuentan sus Liebeslieder Waltzes, Op.52 y sus hermosas Serenatas Op.11 y Op.16; poseen una gran importancia y constituyen un invalorable legado musical que además, influyó en la obra de grandes maestros como Bruckner, Mahler y Reger.

Es muy importante recordar que, como bien señala Rafael Zayas: “El papel que jugó Brahms en su época fue de suma importancia pues mantuvo la tradición de la música de cámara en momentos donde la atención estaba orientada hacia el drama musical y los poemas sinfónicos”… Aún así, Brahms no estuvo solo en esta tarea pues muchos de sus amigos, pertenecientes a su circulo profesional, contribuyeron al ambiente musical con obras de cámara, las cuales eran ejecutadas en distintos conciertos privados y públicos, en ciudades donde la influencia política estaba del lado de estos conservadores, tales como los directores y compositores:

CARL REINECKE (1824-1910), nacido en Altona, Alemania; se estableció en Leipzig y allí dirigió el Gewandhaus e impartió clases en el Conservatorio. Compuso varias óperas, misas, cantatas y oberturas sinfónicas, además de tres conciertos para piano y orquesta,  conciertos para violín y violonchelo, cuartetos de cuerda, tríos, sonatas y mucha música de cámara.

BERNHARD SCHOLZ (1835-1916), natural de Mainz; después de ocupar varios cargos importantes en Munich y Hannover, trabajó en Berlín y Breslau; en 1883 sucedió a Joseph Joaquim Raff (1822-1882) como director del Conservatorio Hoch en Francfort. Compuso muchas obras que incluyen óperas,  conciertos, cuartetos y quintetos de cámara.

También, los austriacos:

OTTO DESSOF (1835-1892), quien además de componer varias obras de cámara se destacó como director de la Orquesta Filarmónica de Viena.

 ROBERT FUCHS (1847-1927), compositor nacido en Frauenthal; autor de una Sinfonía en Do mayor, misas, conciertos, Serenatas para cuerdas y cuartetos de cámara.

HEINRICH VON HORZOGENBERG (1843-1900), austriaco descendiente de una noble familia francesa y nacido en Graz, compositor de ocho sinfonías y muchas otras obras que incluyen música vocal, sonatas, tríos, cuartetos y quintetos de cámara.

En el caso de estos cinco compositores, al comenzar el siglo XX sus obras quedaron casi olvidadas. Con Brahms fue diferente. El aspecto serio y disciplinado con el cual, el compositor hamburgués utilizó el lenguaje musical tradicional y la calidad de las innovaciones que introdujo, hicieron que más tarde, compositores como Schönberg lo considerasen un verdadero progresista.

De hecho, la cualidad de Brahms para construir temas basándose en el principio de la developing variation, inmerso en la densidad temática unificadora y en su complejo esquema temático, representa probablemente el estado evolutivo entre: …la balanceada forma arquitectónica de finales del siglo XVIII y la estricta forma lógica de la teoría dodecafónica de Schönberg… Especialmente será la música de cámara la que se nutrirá de ese argumento.

EL POST-ROMANTICISMO

El romanticismo evoluciona rápidamente, a partir del mismo siglo XIX. Como ya lo hemos señalado cuando nos referíamos a sus antecedntes e inicios; se genera toda una gama de corrientes post-románticas con distintas variantes, y se prolongará en Europa hasta finales del siglo XIX e inicios del XX; asumiendo diversas facetas tales como el Naturalismo, el Verismo, el Realismo, el Realismo extremo (scapigliatura), el Decadentismo y el Neo-romanticismo, hasta llegar al Simbolismo e Impresionismo de 1874. Cada una de estas facetas expresadas a través de la literatura, la filosofía y las artes plásticas, afectará de alguna manera a los compositores y por supuesto, a sus obras.

NEO-ROMANTICISMO

Sus principales exponentes y figuras son: Antón Bruckner (1824-1896), Gustav Mahler (1860-1911) y Richard Strauss (1864-1949). Estas personalidades son bien diferentes entre sí pero todos con una fuerte influencia de Wagner y Brahms.

La característica principal del Neo-romanticismo será, tener como base el sustrato psicológico y el misticismo, los cuales animan las colosales obras de Mahler, también los poemas sinfónicos de Strauss y las largas sinfonías de Bruckner. 

ANTON BRUCKNER (1824-1896), músico autodidacta, compositor y organista austriaco; En 1851 comenzó a trabajar como organista en el Monasterio de San Florián, cerca de Ansfelden, su ciudad natal; y entre 1856 y 1868, en la Catedral de Linz. Durante su estancia en esta ciudad, estudió durante un breve período con el prestigioso maestro de contrapunto Simón Sechter (1788-1867) en Viena; además, compuso tres de sus más importantes obras corales: la Misa en re menor (1864), la Misa en mi menor para ocho voces y ensamble de vientos (1866), y la Misa en fa menor (1867). También es de este periodo su Primera Sinfonía en do menor (1866). Más tarde, en 1868, se establece en Viena, es nombrado organista de la corte y se le asigna vivienda en el Palacio Imperial.

Las grandes dimensiones que Beethoven y Schubert, luego Berlioz, Schumann y Liszt, imprimen a la estructura formal de la sonata y la sinfonía, sumadas a la enorme orquestación wagneriana, constituyen el punto de partida de la obra de Bruckner, quien sin embargo, desarrolla un sinfonismo profundamente personal, basado en la ampliación y extensión en la longitud y el material temático de la forma, la multiplicación de los temas o politematismo característico del neo-romanticismo; y el engrandecimiento de las instrumentaciones en un constante deseo de lograr mucha solemnidad que llega, en ocasiones, a la grandilocuencia.

Su orquestación se caracteriza por la definida alternancia de las distintas familias instrumentales; además, la homogeneidad de estilo y la orquestación en bloques compactos, generan una gran potencia sonora en sus obras sinfónicas. Admirador de la obra orquestal de Wagner,  aunque distante de la Joven Escuela Alemana; traslada la fuerza expresiva wagneriana y la une a la densidad y espiritualidad de organista, en el lenguaje de sus Sinfonías, las cuales con sus grandes dimensiones y diferentes masas sonoras, suelen repetir sus múltiples temas con muy variados colores orquestales más que transformarlos.

Sus once Sinfonías, si incluimos dos sin número, una de las cuales es una obra de estudio en Fa menor y la otra, llamada Die Nullte o Sinfonía N°0 en re menor; la 1ª en do menor (cuya 2ª. versión revisada en Linz es de 1866); la 2ª en do menor (1872); la 3ª en re menor (1877); la 4ª en mi bemol mayor o Romántica (de 1874 y revisión en 1880; más tarde, revisada de nuevo y presentada en Viena, el 20 de febrero de 1881, bajo la batuta de Hans Richter; y una nueva cuarta versión de 1886, presentada en New York, también bajo la dirección de Richter); la 5ª en si bemol mayor (1876); la 6ª en la mayor (1881); la 7ª en mi mayor (1883); la 8ª en do menor (1887 y revisión en 1890); y la 9ª en re menor (no concluida), la cual escribía cuando le sorprendió la muerte en 1896, son expresión del desarrollo de la Variación hasta los límites de lo gigantesco, como ocurría en la literatura con las obras y grandes series épicas de Romain Rolland* (1866-1944) y Marcel Proust (1871-1922).

...Misas sin palabras..., expresión del más profundo espíritu religioso..., así describió el gran director Wilhelm Furtwängler a las Sinfonías de Bruckner.

En palabras de W. Furtwängler: ...Bruckner aparece como un espíritu medieval en la época romántica... pues al mismo tiempo, Bruckner retoma el Motete* vocal e instrumental* y lo presenta con toda su intimidad y fuerza espiritual de los siglos anteriores pero revestido con impactantes armonías renovadoras; es muy famosa su serie de motetes que incluye un Ave María a siete voces (1861).

GUSTAV MAHLER (1860-1911) nació en Kalischt, Bohemia, el 7 de julio de1860 y murió en Viena el 18 de mayo de 1911; es el músico de más sentimiento interior de su generación y la intensidad de su sentimiento romántico se sublimiza de tal manera que rebasa los limites de la experiencia humana y terrena.

En su obra existe una clara tendencia a mantener las estructuras formales heredadas de la tradición, en especial, el cultivo de la sinfonía; aunque nunca vaciló en aportar nuevos elementos para sus grandes sinfonías. El mismo dijo: componer una sinfonía es construir un mundo con todos los medios técnicos disponibles. Por eso, en ellas coexisten y se acoplan formas musicales muy heterogéneas, cantata, breves esbozos de melodías populares con marchas y fanfarrias militares e idílicas melodías románticas y apasionadas, cual lied alemán; ideas triviales surgen a la par de sublimes planteamientos cargados de intensa emoción filosófica y trascendental.

Sin embargo, y a pesar del politematismo, el desarrollo de sus temas es de naturaleza clásica. Su música además,  es simultáneamente, una confesión de sus tormentos y conflictos internos y también, de sus anhelos espirituales hacia Dios, la naturaleza, la pureza y la belleza; por eso, las sonoridades de su orquestación y los resultados de su tratamiento armónico hacen que sus temas, se conviertan en angustiosas deformaciones más que en lógicas transformaciones sinfónicas. Su obra parece un adiós del hombre moderno al hermoso sueño del romanticismo.

Se dedicó casi exclusivamente a la creación de Lieder (p.e: los ciclos: Des Knaben Wunderhorn ó El Muchacho de la Trompa Mágica; Lieder eines fahrenden Gesellen, 1883-85; también, el ciclo de cinco canciones Kindertotenlieder, 1901-1904; y Das Lied von der Erde ó Sinfonía La Canción de la Tierra para tenor, alto o barítono y orquesta, 1908,) y diez (10) sinfonías una de ellas inconclusa.

Sinfonista intelectual y poderosamente ideológico, gran cantor de la nostalgia por la eternidad,  construye gigantescas sinfonías:

·         La 1ª en re mayor (1884-5) sobre el poema de Jean Paul (Jean Paul Friedrich Richter, 1763-1825) El Titán, aún cuando Mahler eliminó luego las alusiones a dicha obra poética;

·         La 2ª en do menor, considerada por Mahler como una secuela de la Primera, y llamada Resurrection, está escrita en cinco movimientos, le llevó siete años de trabajo la terminó en 1894 y tiene una duración aproximada de dos horas, agrega solos de contralto, soprano y coro;

·         La 3ª en re menor (1896), contiene 6 movimientos  e incluye un coro femenino y solo de contralto.

·         La 4ª en sol mayor (1900), vuelve a los cuatro movimientos usuales y tiene un solo de soprano.

·         La 5ª en do sostenido menor (1902), tiene cinco movimientos;

·         La 6ª en la menor (1904), es tal vez la menos conocida, su autor la llamó La Trágica, tiene cuatro movimiento y una densa orquestación en la cual aparecen novedosos recursos realistas de la época, como cencerros alpinos y un martillo;

·         La 7ª en mi menor (1905), tiene también, cinco movimientos;

·         La 8ª en mi bemol mayor (1908-9), es la llamada Sinfonía de los Mil. Mahler busca en la música un consuelo ante la pérdida de su hijo; además, ha renunciado a su cargo de Director; su salud está deteriorada y se entera de que a él le quedan pocos años de vida. La escribe para una orquesta de grandes dimensiones, 130 o más músicos, 8 solistas cantantes, un doble coro mixto y un coro infantil; su duración es de dos horas.

·         La 9ª en re menor (1909), el compositor nunca la escuchó ya que su estreno se realizó en junio de 1912, bajo la dirección de Bruno Walter, quien difundió la obra de Mahler. Está concebida en cuatro movimientos y su último movimiento es un Adagio que refleja gran tristeza.

·         La 10ª en fa sostenido menor, fa sostenido mayor, no pudo ser terminada.

Su Canción de la Tierra (Das Lied von der Erde), terminada en 1908, es una obra que se ubica entre un ciclo de canciones y una sinfonía, está integrada por 6 lieder interpretados por un tenor y una contralto, ligados por hermosas intervenciones de lenguaje sinfónico orquestal. Un curioso grupo de instrumentos completa la plantilla instrumental: tres flautas, flautín, tres oboes, de los cuales uno alterna con el corno inglés, cinco clarinetes, tres fagotes (uno alterna con contrafagote), cuatro cornos, tres trompetas, tres trombones, dos arpas, mandolina, celesta, glockenspiel o juego de campanas, gran sección de percusión y la masa de cuerdas.

En sus obras encontramos una elevada búsqueda del ideal con una profunda estructura psicológica y una instrumentación compleja y de mucho colorido; se percibe también, a veces, un impulso casi medieval y místico hacia Dios, un impulso que no conoce más que los extremos del júbilo y de la más profunda depresión, pero de vez en cuando entre los dos extremos aparece un mundo de espectros y muecas: en los Scherzos y Marchas, en las visiones de espíritus y en las siniestras explosiones de sonidos que parecen repercutir desde un universo trágico. (H.H Stuckenschmidt). En sus últimas sinfonías el compositor reemplaza su tendencia a la referencia folklórica característica por un expresionismo temático que le asemeja al Scriabin de los últimos años.

Entre los años 1885 y hasta su muerte, en 1911; se destaco como uno de los mejores directores de ópera y de orquesta de su época.

RICHARD STRAUSS (1864-1949) alemán, nacido en Munich; con gran sentido orquestal, tan original como fastuoso, combinó en sus Poemas Sinfónicos su elevada inspiración poética con una forma musical absoluta, él mismo se expresa: un programa poético bien puede motivar a nuevas construcciones formales, pero cuando la música no se desarrolla de un modo lógico por sí misma -es decir, cuando el programa tiene que cumplir funciones sustitutivas-, se convierte en música literaria…

Strauss, contribuye de manera definitiva a la renovación de la música, representando el espíritu del positivismo y del progreso. Conserva rasgos clásicos y modernos a la vez. Mezcla estilos y lo hace con maestría. Además, Strauss se destacó como uno de los magníficos y eficientes directores de orquesta de finales del siglo XIX e inicios del XX.

En sus óperas: Salomé (1905) y Electra (1909), abordó las preocupaciones psicológicas del cambio de siglo en el sonido de la orquesta enorme que expresa los sentimientos de protagonistas y alcanza la frontera de la atonalidad en la complejidad de su armonía e instrumentación.

Más tarde en su Suite Der Rosenkavalier (1911), se aleja de la atonalidad para producir un sonido voluptuoso pero funcional y hacer reaparecer la ópera cómica tradicional pero con una apariencia mutada; su partitura es rica en matices y su orquestación permite sostener, realzar y valorizar el trabajo de las voces.

Comenzó como sinfonista para luego producir sus obras más importantes dentro del género: Poemas Sinfónicos. En su creación musical sinfónica cronológicamente, podemos contar, entre otras obras: Cäcilie Op.27 N°2; Dueto-Concertino con clarinete y fagote solistas; Suite Op.4 en si bemol mayor; Serenade Op.7 en mi bemol mayor; Concierto para violín y orquesta en re mayor (1881); Concierto para corno y orquesta N°1 en mi bemol mayor Op.11 (1883); Sinfonía en fa menor Op.12 (1884); Aus Italien (De Italia), Fantasía Sinfónica Op.16 (1886), en cuatro movimientos; Macbeth, Poema Sinfónico Op.23 (1887), segunda versión, 1890; Don Juan, Poema Sinfónico Op.20 (1888); Tod und Verklärung (Muerte y Transfiguración), Poema Sinfónico Op.24 (1889); Till Eulenspiegels lustige Streiche (Las alegres travesuras del Till Eulenspiegel), Poema Sinfónico Op.28 (1895); Thus spake Zarathustra (Así hablaba Zarathustra), Poema Sinfónico Op.30 (1896); Don Quixote, Variaciones fantásticas Op.35 (1897) con solo de violonchelo y solo de viola; Ein Heldenleben (Una vida de héroe), Poema Sinfónico Op.40 (1898), escrito al ser designado Director de la Orquesta de la Opera Imperial de Berlín, y representa una suerte de irónica autobiografía. Symphonia Domestica Op.53 (1903); Preludio Festivo para gran orquesta y órgano (1913), compuesto para la inauguración del Konzerthaus de Viena. Eine Alpensinfonie (Sinfonía Alpina) Op.64 (1915); Parergon para la Sinfonía Doméstica para piano a una sola mano (izquierda) y orquesta (1925), escrito para el pianista austriaco Paul Wittgenstein; Himno Olímpico, para la inauguración de la Olimpíadas de Berlín (1935); Música Festiva para celebrar los 2600 años del Imperio de Japón (1940); Divertimento para pequeña orquesta según melodías de F. Couperin (1942); el mismo año escribe su Concierto para Corno y orquesta N°2 en mi bemol mayor (1942); Metamorphosen en mi bemol mayor, estudio para 23 cuerdas (1945); Concierto para Oboe y orquesta en re mayor (1946); Seis Canciones sobre poemas de Clemens von Brentano; y una Sinfonía para Vientos en mi bemol mayor (opus póstuma), entre otras.

En esta corriente neo-romántica merece especial mención, la obra de:

HUGO WOLF (1860-1903), austriaco, natural de Windischgätz, hoy Eslovenia; es uno de esos talentos especiales que logran conjugar el dominio del arte literario y musical; representa la culminación de la tendencia iniciada por Schubert, seguida por Schumann, Brahms, Mahler y Richard Strauss: el Desarrollo del Lied.

Wolf, es autor de una importante obra de música vocal (Lieder), excelentes ejemplos de descriptivismo musical, y la cual comprende más de 250 composiciones agrupadas en varios ciclos de novedosos lieder: Spanisches Liederbuch, Italienisches Liederbuch, Mörike Lieder (sobre 53 textos del poeta Eduard Mörike, 1804-1875); Eichendorff Lieder (sobre poemas de Joseph Carl Eichendorff, 1788-1857); Goethe Lieder (sobre textos de Johann Wolfgang Goethe, 1749-1832); también compuso la ópera Der Corregidor y el poema sinfónico Penthesilea (1883). Wolf fue gran seguidor de Wagner pero nunca su imitador.

Destaca también, el alemán MAX REGER (1873-1916), compositor, pianista, organista y director de orquesta en la Corte de Meiningen (1911-14), quien resucita y da nueva vigencia a la herencia polifónica barroca y preclásica con una visión renovadora, fusionando el contrapunto con una densa escritura armónica, fuerte cromatismo y enarmonías con  gran expresión y un ritmo tradicionales. Llega hasta los límites de la tonalidad en su Salmo 100 Op.106, para regresar a los cánones del clasicismo-romanticismo con sus Variaciones y fuga sobre un tema de la Flauta Mágica, Op.132 y Canciones Sacras Op.138.

No obstante, la tendencia por tomar el camino hacia nuevos y sorprendentes cambios, cobraba mayores fuerzas; y así vemos otros importantes compositores neo-románticos que buscan renovaciones dentro del tradicionalismo, son ellos:

El también alemán, natural de Halle, RICHARD HEINRICH STEIN (1882-1942), descendiente de una familia de músicos y constructores de pianos; fue uno de los primeros en completar un esquema para utilizar el sistema de cuartos de tono con su obra Piezas de Concierto en cuartos de tono para violonchelo y piano (1906).

Debemos recordar que en 1892, el músico y teórico G.A. BEHRENS-SENEGALDEN había patentado en Berlín un piano bicromático, de cuartos de tono. Y en la misma dirección, en 1924, la casa checa de AUGUST FÖRSTER, ubicada en Georgswalde, Bohemia; construyó un piano de cola de cuartos de tono, según diseño propio. Luego, el compositor francés de origen ruso IVAN VYSHNEGRADSKY (1893-1979), nacido en San Petersburgo y residenciado en París desde 1922. Se dedicó a investigar y desarrollar el concepto de bicromatismo y además, Fue constructor de su propio PIANO DOBLE MANUAL EN CUARTOS DE TONO, autor de una Teoría de la Armonía de cuartos de tono (1933) y autor de obras como Ditirambo y Preludio y Fuga, cuarteto de cuerda, obras para violín, clarinete y piano en cuartos de tono.

Y el italiano nacido en Empoli, FERRUCCIO BUSONI (1866-1924), niño prodigio, mencionado entre los más famosos pianistas de su tiempo; no vaciló en sugerir una expansión del sistema semitonal en su obra teórica: Esquema de una nueva estética de la música (1906). Pasó la mayor parte de su vida en Alemania, y creó una nueva manera estilística para el piano con sus transcripciones de obras de Bach y de Liszt.

Como conocedor y amante de la obra de J.S. Bach, se propuso resucitar el espíritu e ideal clásico dentro de las nuevas formas de expresión musical de la música moderna de su tiempo; por ello se interesó también, en conocer a  fondo la obra de Schönberg y Varèse.

Su producción musical, llena de gran inventiva y creatividad, comprende los más variados géneros, p.e. Concertino para clarinete y orquesta de cámara Op.48; Concierto para piano, coro masculino y orquesta Op.39; Divertimento para flauta y orquesta de cámara Op.52; Indianische Fantasie Op.44; Lustspiel Overture Op.38; Suite Turandot Op.41; Sonatina Seconda (1912), muy próxima a la atonalidad schoenbergiana;