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La música en la Antigua Grecia o el Preámbulo de la Música Occidental La Música en Roma: Influencia de los Romanos en el desarrollo de la música occidental. Santa Cecilia: ¿Patrona de la Música y los Músicos?. Después de Constantino. Nuevos cambios a partir del Siglo III. El Siglo VIII. Pipino “El Breve” y Carlomagno. Otros avances musicales a partir del siglo VIII. La Música en la Civilización Occidental. La Música Medieval Las Escuelas Franco-flamencas. Los Meistersingers. La Chanson francesa Nuestra América y su Música Autóctona. La Música en Venezuela durante el Siglo XVI. La Música del Barroco al Clasicismo. El Concierto como Espectáculo Público y Negocio La Música en Venezuela durante el siglo XVII Aparición de la Orquesta. Los Grandes Violines y la Música Instrumental El Barroco Pleno. La Opera Francesa. La Opera Alemana. La Ópera Inglesa. La Zarzuela Española El Barroco en la Península Ibérica La Música en la Venezuela del siglo XVIII El Clasicisismo. Introducción y Antecedentes. Gluck: La Reforma de la ópera y su importancia. La Era de los Grandes Virtuosos y La Nueva Dirección Orquestal Venezuela y su música: siglo XIX e inicios del XX El Nacionalismo en la Música - Las Mujeres Compositoras El Renouveau dramático y sinfónico francés. Brahms, el Regreso al Sinfonismo y a la Música de Cámara Nuevas Tendencias.Principales tendencias musicales contemporáneas consecuencias del modernismo El Repertorio Litúrgico Católico en los inicios del siglo XX Algunos Hitos de la música en Norteamérica De Musicología. La Musicología Histórica. La Musicología Sistemática. La Musicología Aplicada |
Características estéticas del Barroco Musical El siglo XVII es el siglo del racionalismo analítico y de la especulación metafísica cuya raíz son las Reformas luterana y calvinista. El racionalismo luego, en el siglo XVIII llevará a la Ilustración, la cual pretende reunir todos los conocimientos científicos y hacerlos asequibles a los grandes públicos. Los escritores solían distinguir tres grandes estilos para la música: · Stylus ecclesiasticus (Da Chiesa) · Stylus cubicularis (Da Cámera) · Stylus Scenicus seu Theatralis Aún cuando los compositores y escritores estaban de acuerdo con esta clasificación, el pensamiento musical se enmarcaba en dos corrientes fundamentales: · La Escuela Especulativa, entre cuyos principales paladines figuran, el diplomático y compositor de las postrimerías del Barroco; natural de Castelfranco, Italia, Agostino Steffani (1654-1728); y el organista, sacerdote, teórico y compositor alemán, Andreas Werckmeister (1645-1706), quien además se hizo célebre por sus tratados para fomentar la temperación y afinación correcta de los instrumentos musicales. · La Escuela Pragmática, cuyos planteamientos se alinean en la dirección de atender al fenómeno del gusto (goût) y la aprobación del público. Encabezada por el director de música de la corte sajona Johann David Heinichen (1683-1729), alumno de Kuhnau en Leipzig y luego director de música del príncipe Leopoldo de Anhalt-Cöthen hasta 1717, cuando fue reemplazado por J.S. Bach. También milita en esta escuela el alsaciano clérigo, compositor y director de orquesta Sébastien de Brossard (c.1654-1730), cuya Biblioteca sirvió de base para la colección de música antigua de la Bibliothéque Nationale de París. En Francia, la Ilustración desemboca en la crítica de las instituciones, toma razgos de irreligión y conduce a la Revolución. En Alemania, en cambio, se define como movimiento literario y aristocrático que conduce al surgimiento del Clasicismo de Gotthold Ephraim Lessing (1729-81) y Federico Schiller (1759-1805). El Barroco, como hemos visto, comprende el gran período que se inicia hacia 1580, incluyendo el surgimiento de la Opera, la Cantata y el Oratorio (1600) y va aproximadamente, hasta 1759, luego de la muerte de J. S. Bach (1750) y de G. F. Hændel (1759). Se caracteriza por una estilística homogénea. Parte de un regreso a la homofonía (Opera) tras desechar las complicadas líneas melódicas de la polifonía renacentista, hasta lograr un equilibrio en las formas y esplendor de las arquitecturas sonoras, representado por la obra de Bach. Debido en parte al nuevo Humanismo, se da un nuevo protagonismo y fortaleza al texto. El Bajo Continuo, la Improvisación y la aparición de nuevas y bien construidas Formas Musicales, serán también una característica del período; a tal punto, que podemos afirmar que al desaparecer el Bajo Continuo surgirá el Clasicismo. Si el arte Barroco representa al hombre de su época, la Música Barroca representa sus afectos y sentimientos. Pero aún el hombre era concebido como miembro de un todo, no como individuo con libertad personal. La representación de los sentimientos humanos en la música barroca será pues estilizada y no personal. En el Barroco se renueva la antigua Teoría Pitagórica de las Esferas (Johannes Kepler, 1571-1630), en la cual se creía que los astros producían sonido de acuerdo a sus proporciones armónicas, también presentes en la música. En esta época, predomina la Música Práctica, aunque la Música Especulativa también adquiere importancia con las investigaciones sobre Astronomía, Matemática (Leibniz, 1712) y Acústica. El Barroco toma del Renacimiento el simbolismo sonoro y lo reconstruye. Finalmente, los instrumentos musicales también adquieren un mayor grado de desarrollo y perfeccionamiento. En sus inicios la música barroca coexiste con la polifonía antigua. Señala Ulrich Michels…si el Renacimiento era apolíneo en su claridad, orientada según la antigüedad clásica, el Barroco resulta dionisiaco en su impulso vitalista, antes de que el Clasicismo (1780) logre una síntesis de ambas tendencias. PRINCIPALES ORQUESTAS EUROPEAS DEL SIGLO XVIII Ya en el siglo XVIII, la Orquesta del siglo XVII se amplía y de manera casi invariable, esta integrada por una bastante completa sección de cuerdas con violines, violas, violonchelos y contrabajos, uno o dos claves, uno o dos fagotes, oboes, flautas y trompas; más tarde se añadieron trompetas y clarinetes, así como los timbales para la percusión. La Orquesta de la Corte de Federico Guillermo I de Prusia (rey de Prusia desde1713 a 1740), conocido como El Rey Sargento; contaba con once violines, dos violas, tres violonchelos, dos contrabajos, cuatro oboes, tres fagotes, dos trompetas, un par de timbales y clavecín. La Orquesta de la Opera de París (1713), tenía doce violines, siete violas, ocho violonchelos, cuatro flautas, cuatro oboes, dos timbales y clavecín. La Real Orquesta de Polonia en Drese (1719), contaba con 41 músicos: siete violines, cinco violas, cinco violonchelos, cinco contrabajos, dos flautas, cinco oboes, tres fagotes, dos trompetas, dos cornos, dos timbales, clavecín y dos laúdes. La Köthener Kapelle (1721) orquesta de cámara de Christian Ludwig, Margrave de Brandenburgo, dirigida por Juan Sebastian Bach, estaba integrada por dos cornos naturales (de caza), clarines, tres oboes barrocos, fagote, violino piccolo, dos voces de violines, viola, violonchelo, violone grosso y continuo; en ocasiones se le agregaban dos flautas transversas o Querflöte, flautas barrocas o dulces. La Orquesta de Federico II el Grande (hijo de Federico Guillermo I y rey de Prusia desde 1749 a 1786) tenía 41 músicos: doce violines, cuatro violas, tres violonchelos, tres contrabajos, cuatro flautas, cuatro oboes, dos fagotes, dos trompetas dos cornos, dos timbales, dos clavecines y un laúd. En 1787, esta orquesta de la Corte de Berlín contaba ya con 61 músicos, aún cuando no siempre participaban todos. Como nota curiosa y de acuerdo con nuestras investigaciones, vale la pena observar que para ese mismo año de 1782, la Orquesta de Mannheim (Jan Václav Stamic o Stamitz) contaba con 46 músicos; la Orquesta de Koblenz con 41; la de Dresden con 41; la de Berlín con 40; la de Ansbach con 37; la de Ratisbona con 35; la de Würtemberg con 35; la de Pressburg con 26; la de Kassel con 24; la de Mainz con 24; la de Esterhazy con 23; la de Schewedt con 23; la de Gotha con 22; la de Bamberg con 21; la de Bonn con 20; la de Viena con 19. Por estos años la Orquesta Real Cámara de Lisboa creada definitivamente, en 1764 bajo el reinado de D. José I, hijo y sucesor de D. João V y esposo de Dña. María Ana Victoria de Borbón, hermana de Carlos III de España; contaba con 51 músicos, cuya nómina estaba integrada por veinte violines, cuatro violas, cuatro violonchelos, cuatro contrabajos, tres oboes, dos flautas (u oboes adicionales), dos fagotes, tres trompas, dos trompetas, cuatro trompas o clarines, dos clavecines y dos timbalistas, lo cual la convertía en una de las mayores orquestas de corte alguna de su época. Hacia 1780 Francisco Xavier Bomtempo, primer oboísta de dicha orquesta planteó la modificación de su afinación con un La algo más elevado para lograr mayor brillo, adelantándose a la polémica que tal tema desataría posteriormente. En el año de su creación, esta agrupación presentó varias óperas, entre ellas, L´Arcadia in Brenta de João Cordeiro Da Silva (S.XVIII), Gli Orti Esperidi de Luciano Xavier dos Santos (1734-1808), L´Amore Contadino del milanés Giovanni Battista Lampugnani (1706-1781).
A la Orquesta Clásica utilizada por Johann Stamitz (Jan Václav Antonín Stamic) para sus Sinfonías, en Mannheim, la componían catorce violines, cuatro violas, cuatro violonchelos, dos contrabajos, dos flautas, dos oboes, dos clarinetes, dos fagotes, dos cornos naturales o trompas de caza que aún limitaban su uso ya que producían armónicos naturales (si bemol, do, re, mi bemol, fa y sol), dos clarines o trompetas que compartían las limitaciones de las trompas, y dos timbales.
Debemos comentar que, con respecto a la Trompa de caza o Corno natural, los instrumentistas hábiles podían lograr tonos adicionales con un adecuado uso de labios y lengua y con la introducción del puño derecho en el pabellón del instrumento. Los Clarines o Trompetas, de este período temprano del clasicismo, tenían también limitaciones ya que el invento y desarrollo de los pistones se produciría un poco más tarde. Franz Joseph Haydn utilizó en 1792, una Orquesta integrada por dieciséis violines, cuatro violas, tres violonchelos, cuatro contrabajos, dos flautas, dos oboes, dos clarinetes, dos fagotes, dos cornos y dos timbales. Un hecho verdaderamente trascendental ocurre hacia 1709, Bartolommeo Cristofori (1655-1730), inventa y desarrolla en Florencia, el primer mecanismo de un teclado diseñado para golpear las cuerdas mediante unos pequeños martillos llamados: martilletes. En 1711, se difunde y conoce el nuevo invento del florentino con el nombre de Pianoforte. (Nuestro actual PIANO), que revolucionará la música y la literatura musical para teclados y John S. Shore (c.1670-1752) inventa el Diapasón.
Música para los Príncipes Así también denomina el compositor francés y profesor de Historia de la Música, Jacques Chailley, el capítulo XIV de su obra 40.000 Ans de Musique y en él escribe: …si al comienzo la música tenía como destinatarios a los dioses, esta nueva etapa tenía como destinatarios a los príncipes, sus gustos, exigencias, diversiones y pasiones… Señala además, Chailley: …los príncipes y reyes se hacen divinizar: por lo tanto se les ofrece la música como a dioses. Pero son hombres y a medida que descienden de sus altares, otros hombres reclamarán a su vez una parte del divino festín. Esos falsos dioses que son los reyes habrán sido, en la historia, el primer público pasivo… Estas reflexiones denotan una característica importante dentro de la música Barroca, también del Clasicismo y hasta de tiempos que nos son más próximos; de hecho, al gran concertista de piano Alfredo Cortot, cierta vez una gran señora le contrató para que actuara en una velada privada. La dueña de la mansión convino en pagar los elevados honorarios del virtuoso y le expresó con orgullo:…Pero debo prevenirle que no deseo en modo alguno que usted se mezcle con mis invitados a lo cual replicó de inmediato Cortot, en tono displicente: ...Oh! Madame, en tal caso podéis pagarme unos cien francos menos… A pesar de los favores de que son colmados, los músicos seguirán siendo servidores durante mucho tiempo. Mozart se hará despedir de su dueño el Arzobispo Colloredo, en Salzburgo; y no menos célebre es el contrato que ligaba a Franz Joseph Haydn con la Casa del Príncipe Estherhazy. Más tarde, la aristocracia del dinero querrá también tener, los halagos del papel de mecenas tradicionalmente, reservado a la aristocracia de la sangre. Durante largos años, para los actores y músicos el objetivo que les ha sido reservado será el mismo: luego del homenaje a Dios, la diversión del Príncipe o los caprichos del Mecenas. Será un poco después, cuando aparecen las Grandes Salas de Conciertos y el Público.
Los Sopranistas o Castrati La idea de conseguir voces tan agudas como las de la mujer empleando individuos del sexo masculino nace del hecho de que estaba prohibido a las mujeres cantar en las iglesias. Las magníficas y cultivadas voces blancas de los niños cantores formados en la Schola Cantorum de las Catedrales, resultaban un excelente sustituto en muchos aspectos, pero adolecían de un grave inconveniente: cuando el niño estaba apenas completando su formación teórica musical y cantaba ya con seguridad y precisión, la adolescencia, ejercía su terrible acción de cambiarle la voz inutilizando al muchacho que no servía como soprano o contralto. A los candidatos escogidos, niños poseedores de voces privilegiadas se les practicaba una secreta y cruel operación quirúrgica, la cual se realizaba entre los diez y los catorce años. Después, eran sometidos a ocho o diez años de estudios para que llegaran a manifestarse debidamente como poseedores de una alta técnica vocal y un timbre de voz asexuada (Cfr. Franz Haböck, Die Kastraten und ihre Gesangkunst, Leipzig 1927). El primer Castrato famoso reseñado, aparece en el Coro de la Capilla Sixtina y fue Hieronimus Rossinus, en 1562. El Coro de la Capilla Real de Baviera hacia 1570 y bajo la dirección de Orlando de Lassus, contaba ya con seis Castrati. A partir de entonces se comenzó a imponer en casi toda Europa la moda de ese timbre de voz peculiar que unía al timbre y tesitura de la voz infantil las posibilidades y capacidades respiratorias del adulto. Ya hacia fines del siglo XVII, su éxito era tan grande que el número de Castrati se multiplicó de tal manera que dejó de ser accidental. Con el desarrollo de la Opera los cantantes comenzaron a parecer gente muy especial y ellos mismos creyeron que lo eran; algunos lo fueron, efectivamente. Por otra parte, al nacer la ópera, en Roma durante el siglo XVII, la autoridad papal, como señalamos, de Pablo V (1605-1621), Urbano VIII (1623-1644) e Inocencio X (1644-1655), prohibía a las mujeres exhibirse en Escena. Se les confiaba entonces indiferentemente, a los Castrati papeles femeninos o masculinos, de soprano o de contralto. En el reinado de D. José I de Portugal (1750-1777), era famoso en los teatros europeos y fue invitado por este rey, para participar en varias óperas de maestros italianos y portugueses, el famoso castrato italiano Gioacchino Conti, conocido popularmente, como Gizziello. Otro Soprano muy famoso fue Gasparo Pacchierotti (1744-1821), se presentó con éxitos en Venecia, Viena, Milán e Inglaterra. Durante los inicios del clasicismo el 5 de Octubre de 1762, Gluck presentó en Viena su primera versión de Orfeo y Eurídice, escrita especialmente para el castrato-contralto Gaetano Guadagni (¿1725-1792), quien ya era famoso desde su aparición en Parma, hacia 1747. El público de Francia no gustó de los castrados y para la presentación de dicha Ópera en París (1774), Gluck tuvo que adaptar el papel principal de Orfeo para que fuera interpretado por un tenor normal, Joseph Legros (1730-1793). J.J.Rousseau (a quien correspondió redactar el tomo sobre el saber Musical en la Enciclopedia), en su Dictionnaire de Musique, se refiere a los Castrati, de la siguiente manera, cito: Castrato: estos hombres, que cantan tan bien, pero sin expresión y sin calor, son en el teatro los más fastidiosos actores del mundo. Pierden su voz muy pronto y adquieren una gordura desagradable. Cuando hablan, pronuncian peor que los verdaderos hombres y hay incluso letras como la R, que no pueden pronunciar en absoluto... Carlo Broschi, cantante castrato y compositor, cuyo nombre famoso fue Farinelli (1705-1782), apareció por primera vez en Roma (1722) cuando ya había alcanzado alguna fama al sur de Italia. Desde 1737 se convierte en compañía inseparable de Felipe V y luego de Fernando VI de España, vivió en el ambiente de su Corte y promovió la creación del Teatro del Buen Retiro. El último de los Castrati famosos fue Giovanni Battista Velluti (1780-1861), el cual se retiró en Londres hacia 1829, con su voz en decadencia y una generosa pensión otorgada por los ingleses.
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