HACIA EL RENACIMIENTO

Desarrollo y Progresos

Como sabemos, el proceso evolutivo del pensamiento y las ideas, que generaron las Universidades, las cuales se convirtieron en la esencia del llamado Renacimiento; sumado al desarrollo tecnológico que el hombre aplicó desde el siglo XII, gracias a la rueda dentada, para hacer girar los enormes molinos de viento y para desarrollar también, la energía hidráulica; logrando además, mover los pesados engranajes de nuevas maquinarias que se utilizaron para muchas actividades, incluso para pulverizar y moldear los metales; fueron factores decisivos para impulsar radicales transformaciones y cambios socioeconómicos y culturales.

Tan sólo en los Países Bajos, se instalaron más de ocho mil molinos que se utilizaron para moler granos y bombear agua, lo cual permitió a esa región el desarrollo de nuevas y grandes extensiones de tierras de cultivo.

Por otra parte, el auge y mejoramiento constante que se aplicó a la tecnología naval y la navegación a vela impulsó y mejoró considerablemente, el transporte marítimo; sobre todo, cuando a partir del siglo XIII, hizo su aparición en el ámbito de la liga o hansa de las ciudades comerciales de Alemania del norte o Liga Hanseática (Lübeck, 1241), la rueda dentada movida exclusivamente por las velas.

Así mismo, en sus inicios, el siglo XIV vio aparecer la Carabela portuguesa, la cual, con sus tres mástiles de velas, sus varias cubiertas y su enorme casco, era capaz de mover a buena velocidad importantes cargas, equivalentes a su propio peso, cercano a las seiscientas o más toneladas, dando así, un interesante aporte y nuevo incentivo a las expediciones y descubrimientos.

Todo este panorama, nos explica el importante desarrollo adquirido por el comercio, el cual, a pesar de las plagas, epidemias y pestes que diezmaron la población de muchas ciudades europeas, no interrumpió el proceso de generación de riquezas y la aplicación de nuevas fuentes de energía para lograr el manejo de los metales y otros mecanismos que ahorraban y optimizaban el empleo tradicional de la mano de obra.

Ello, trajo además, el desarrollo de actividades económicas complementarias, tales como la contabilidad, la banca y los seguros. Así, se incrementaron los puestos de trabajo ligados a estas actividades, sobre todo en Venecia, Florencia, los Países Bajos, el valle del Rin, y el norte y centro de Italia.

A medida que se incrementaban y aumentaban las fortunas durante los siglos XIV y XV, surgía una nueva clase social de Condotieri, quienes las conseguían acumular y adicionalmente, se daban el gusto de convertirse en mecenas de la literatura y las artes. Podemos entender así, perfectamente, por qué se logra un importante nivel de producción artística, alrededor de los centros poblados que se encontraban en dichas regiones.

Además, a finales del siglo XIII e inicios del XIV, algunos compositores empezaron a escribir música más compleja y menos escolástica, utilizando para ello, mayor variedad de ritmos y diferentes líneas melódicas cantadas simultáneamente, emulando el arte de la música popular y trovadoresca.

A esta nueva manera de hacer música que representa una liberación del estilo, se le llamó: Ars Nova ó Nuevo Arte.

Estos cambios llegaron procedentes de Francia, los Países Bajos e Inglaterra y uno de sus pioneros e introductores, hacia 1316, fue el francés PHILIPPE DE VITRY (1291-1361), a quien nos referiremos más adelante. 

El Siglo XIV está signado desde sus comienzos por el reinado en Francia de Felipe IV de Valois, llamado El Hermoso (nieto de San Luis IX rey, e hijo y sucesor de Felipe III como rey, desde 1285 hasta 1314); las migraciones poblacionales hacia las grandes ciudades, el abandono del campo y las hambrunas, la pandemia conocida como Peste Negra (producida por el bacilo yersinia pestis, traído al Continente poco antes de la mitad del siglo por los navegantes genoveses) y, como consecuencia del desarrollo del comercio y de los monopolios, la Guerra de los Cien Años, Guerra de la Lana ó de Los Vinos, que ocupó buena parte de los siglos XIV y XV.

La excomunión del rey Felipe IV El Hermoso, y su permanente enfrentamiento con el Papa Bonifacio VIII (Papa de 1294-1303) acaparan también, la atención histórica.

Este rey, logró la eliminación de la orden de los Caballeros Templarios y la incautación de sus bienes; también, pretendió inútilmente hacer condenar al, ya difunto, pontífice que le había excomulgado, acusándole de impostor y hereje; sin embargo, ni el sucesor Nicolás Boccasini, Benedicto XI (1303-1304), ni luego, el arzobispo de Burdeos, Bertrand de Got, gascón de nacimiento, electo Papa con el nombre de Clemente V (1305-14), complacieron los deseos del rey.

En 1305, luego de su coronación como Papa en Lyón, Francia; Clemente V, ante los innumerables problemas que se manejaban en la corte francesa, sus carencias económicas y la necesidad de producir importantes reformas administrativas e institucionales con contundencia y sin intromisiones de las tradicionales familias italianas (Orsini y Colomna), dentro de la Santa Sede; así como la posterior agitación en la península itálica, decide el traslado de la Sede Pontificia a Francia. 

Como sabemos, inicialmente, el Papado se establece en Burdeos, luego se traslada a la Abadía de Cluny y en 1309, se instala en Avignón, ciudad sujeta en esa época a la jurisdicción del reino de Nápoles y muy próxima a las vías de comunicación con todo el Occidente europeo. 

El espíritu crítico y reformista comienza a sentirse de nuevo, dentro del mundo cristiano con las doctrinas del precursor de la Reforma, John Wiclef (1324-1384), quien negó la transubstanciación e hizo la traducción de la Biblia al inglés; Johann Eckhart (c.1260-1327), con sus ideas panteístas condenadas, en 1329, por el Papa Juan XXII; Johann de Ruysbroeck (1293-1381), teólogo místico flamenco; y Guillermo de Occam ú Ockham (c.1298-1349), defensor del nominalismo filosófico que negaba la existencia objetiva de los Universales y precursor del empirismo, que prescindía de la teoría del razonamiento.

En la música también se reflejarán las divergencias culturales y religiosas. Se producen reacciones frente a la proliferación de obras polifónicas y avances de la complejidad en la composición religiosa.

En 1324, Juan XXII (Jacques d`Euse, Papa de 1316 a 1334) prohíbe la polifonía en la liturgia y condena a los discípulos de las nuevas tendencias musicales del Ars Nova por: ...preferir inventar sus propias formas de cantar en vez de seguir haciéndolo a la vieja usanza. Y agregaba: ...el Oficio Divino se canta ahora con semibreves y blancas, y todas las composiciones están infectadas de esas notas de poco valor. Es más, truncan las melodías con hoquetus y las estropean con discantes...

Afortunadamente, esas y otras prohibiciones nunca se cumplieron rigurosamente, y la música religiosa (sistémica) continuó su proceso evolutivo hacia mayores complejidades.

Por otra parte, a partir de 1348, cuando apareció la Peste Negra que azotó a Europa, proliferaron las cofradías de la secta de los Flagelantes, fundada hacia 1260 en Perusa. Sus integrantes deambulaban de pueblo en pueblo auto flagelándose en público e implorando la redención de la mortal enfermedad.

Sus ritos solían acompañarlos con Himnos sencillos en idioma vulgar, cuyos modelos eran los Laudi italianos. Estas sectas fueron luego condenadas por el Concilio de Constanza (1414-18).

La Banda o Confrérie de Saint-Julien des Ménétriers de París, se convierte en una poderosa fraternidad y llega a tener además, su propio Hospital (hospedaje-clínica, característico de la época).

Estos grupos tocaban, además, en plazas y lugares públicos con el auspicio de reyes, duques y nobles para el esparcimiento de las comunidades.

El Siglo XIV, a pesar de las complicadas situaciones políticas, religiosas y económicas, aparece como una época de estabilización para el arte musical. La misma crisis religiosa permitió que la música se fuera liberando de los obstáculos y limitaciones del Canto Llano y lentamente, se tornó en Arte-Ciencia, gracias al aporte teórico y práctico de muchos compositores que fueron surgiendo.

La música instrumental de este siglo es preferiblemente bailable, de dimensiones modestas y con muchas improvisaciones según ciertos moldes tradicionales. La Estampie, continúa  siendo una de las danzas preferidas desde el siglo anterior.   

En este período también se hace frecuente el uso del Sistema de Fauxbourdon (“False bass". A system for making simple three part arrangements. Used by medieval composers from the European continent), llano o glosado, llamado así por los franceses; Falso Bordone o Falso Bajo, por los italianos; y Fabordón por los españoles; cuyo posible origen lo encontramos en el Gymel o Canto Gemelo inglés de los siglos X y XI, en el cual se cantaba a dos voces y la melodía de acompañamiento seguía al canto en intervalos de terceras paralelas, de allí el nombre de Gymel.

En el Fauxbourdon, al Cantus firmus, que aparece en el medio (Mene o Burden), se le acompaña por debajo con el Fauxbourdon ó Faburden como tercera voz o contra voz destinada al registro grave, y por encima, con el Treble o voz aguda, acompañando a la melodía mediante sus intervalos de terceras y sextas paralelas, muy usuales para acompañar la música popular occidental.

Pero la voz más grave o Fauxbourdon escrita no era el verdadero bajo, ya que se cantaba una octava más aguda. De allí el nombre Falso Bordón o Bajo que se le dio a esta manera de cantar a tres voces. Se establece así, entre las voces, una progresión de acordes de terceras y de sextas a tres partes que sólo al principio y al final de las frases cede al acorde fundamental.

El Fabordón constituye una de las formas musicales más cultivadas por los organistas españoles, aún en el siglo XVI.

Este Sistema de Fabordón sustituyó con ventajas al Organum de finales del siglo XII y siglo XIII, y prevaleció tanto en los países latinos como en Alemania. 

Como sabemos, aquella consistía en unas señales llamadas neumas, una especie de vírgulas o comas, apostrofes y zig-zagueos. Estos signos fueron sustituidos por puntos que luego se fueron Cuadrando y luego transformando, como lo hemos afirmado antes, en la Notación Diastemática y Proporcional.

EL TAMBOR EN EUROPA

Los Sarracenos –como genéricamente, se solía llamar a los musulmanes o muslims, durante las cruzadas-, importan el Tambor (Tabour) a Europa, y es llamado con la palabra francesa –debido a que el francés era el idioma oficial de las cortes- naccaire, por deformación del vocablo árabe naggara. Una vez allí, es adoptado por los españoles, portugueses, alemanes e ingleses.

El uso de Bandas de viento y percusión por parte de las cortes europeas, viene documentado desde muy remotos tiempos, incluso con argumentos tan interesantes como los que señalo a continuación:

Pedro I de Portugal (1356-1367)…proibiu todos os instrumentos músicos, menos as trombas, ou trombetas, porque o som estridente e rouco daquele instrumento de guerra era o único que deveria acender o ánimo guerreiro para as arremetidas dos combates, e sobretudo por ser aquele que deveria recordar o do instrumento fatídico que a tradição bíblica nos anuncia como sendo o sinal pavoroso do juizo final… 

Y el cronista Fernão Lopes relata que cierta noche, estando ya en el Palacio, el mismo rey D.Pedro I, de pronto exclamó: …Chamem os meus trombeteiros, os meus tocadores de longa. Acendam os cirios que quero ir dançar nas ruas da minha querida Lisboa...

Las crónicas de la época de D.João I Avis, de Portugal, hijo bastardo de D.Pedro I; se refieren a las ceremonias del casamiento del rey con Dña.Felipa de Lancaster, hija de D.John de Gante (Gaunt), Duque de Lancaster.

Estas ceremonias se realizaron en Portugal en el año 1387 y en ellas, la Banda tuvo especial actuación, como podemos leer: …o pequeño espaço que vai desde o paço do bispo D.Rodrigo até à Sé estava coalhado de povo em gala. Uma orquestra de trombetas e flautas tocava…

El rey Eduardo I (rey 1272-1307) de Inglaterra, se sirve de los especiales efectos de los tambores para realzar la gran fiesta que ofrece en Westminster Hall en 1306. Su hijo y sucesor, Eduardo II (rey 1307-27), continúa esa tradición y en 1310, designa al oriental Janino el Tamborilero como su Drummer o tamborilero particular.

En el siglo XIV, llega el Tambor a Francia con las tropas inglesas, cuando se produce la invasión de Eduardo III (rey desde 1327 hasta 1377) de Inglaterra a Calais en 1347. Quien hace su entrada triunfal con: ...a foison de trompettes, tabours, naccaires et buccines.

Este monarca, que dio inicio a la Guerra de los Cien Años, hacía uso en sus campañas de los tambores y timbales para producir efectos de pánico y horror en el enemigo durante las batallas, como lo describe perfectamente, una crónica en verso de la época, alusiva a la batalla de Hallidown Hill contra los escoceses, citada por Hugh Barty-King[1] en su obra The Drum:

With pipes, trumpets and tabers there to,

            And loud clariones thei blew also.

Y otra crónica en prosa refiere los mismos hechos:

Then the Englische mynstrelles beaten their tabers and blewen their trumpets, and pipers pipedene loude, and made a great chowte upon the Skottes.

A partir del siglo XIV, el uso del Tambor Sarraceno se generaliza en las diferentes Cortes europeas para sus usos y necesidades protocolares, ceremoniales y militares.

Por esta época, en la ciudad de Lucca, surgió la Compañía de Trompeteros.

Se caracteriza este período, por el desarrollo del Estilo Contrapuntístico y se identifica con el ya mencionado movimiento musical llamado Ars Nova que, como hemos apuntado, marca un cambio repentino de técnicas en la escritura musical. Las voces superiores e inferiores aparecen con una análoga estructura rítmica y alcanzan un brillo y colorido penetrantes.

LAS CARACTERÍSTICAS DEL ARS NOVA FUERON:

1.                      La renovación y perfeccionamiento de la notación y el lenguaje musical.

2.                      La emancipación de la escritura musical con la aplicación consecuente de valores rítmicos fijos.

3.                      La introducción paulatina de los semitonos, fortalecimiento del concepto tonal.

4.                      La preparación de una música instrumental independiente, (Liberación del estilo) liberada de los elementos puramente vocales. 

        La música de los siglos siguientes (XV y XVI), aunque significó la aparición de nuevas ideas y actitudes artísticas, ni supuso una ruptura con la tradición musical anterior, ni significó un intento de hacer renacer formas procedentes de la antigüedad clásica.

        En ese tiempo se produjeron novedades importantes y el espíritu culto, e interesado por las artes, del Humanismo fomentó el desarrollo de la música, pero no puede hablarse de un Renacimiento musical propiamente dicho.

             Cobraron importancia los instrumentos de teclado y de cuerdas pulsadas, como el Órgano y el Clavicémbalo o el Laúd y la Vihuela (de origen español); se compuso mucha música para estos  instrumentos pero siguió predominando la música vocal, la cual se tornó cada vez más compleja y complicada.

La actividad musical durante este siglo XIV aporta una renovación total del espíritu musical, tanto en la técnica sonora como en la imaginación rítmica y el desarrollo de los ya nombrados nuevos instrumentos, como el laúd, la vihuela y la novedosa y mecánica viola, ya nombrada, llamada Zanfonía ó zanfoña, la giga, la viella o viola, el órgano grande y el portative o portátil, el bajón, los orlos y chirimías; además de mejorados instrumentos de bronce (trompas, trombas, sacabuches) y de viento en general (cornetto, pífano, chalumeau, flautas).

Durante este siglo se incrementan los cargos de Cantores, Chantres o Maestros de Capilla en numerosas Catedrales e iglesias de importancia.

Podemos reseñar la presencia de organistas; por ejemplo, Mestre Afonso hacia 1326 en la Sé (Catedral) de Braga (Bracara Augusta), Estevão Domingues en la Sé de Coimbra en 1337, Mestre Garcia en la Igreja (Iglesia) de S. Nicolau de Lisboa en 1374, por citar tan solo algunos ejemplos.

También, era usual la ceremonia de iniciar los Torneos de Caballería con floreos y fanfarrias de trompetas y al final, al vencedor también se le aclamaba con música y festejos.

Dentro del marco de las artes musicales en el siglo XIV, tanto la presencia del papado en Avignon durante más de setenta (70) años, como el desarrollo industrial y comercial; influyeron notablemente, en los cambios que se produjeron en la creación, así como también, en lograr nuevos y mejores medios instrumentales para su producción.

Surgió pues, como hemos visto, una actitud novedosa y diferente desde el punto de vista estético y funcional; se produjo un intenso movimiento de apertura hacia la renovación y ampliación del panorama armónico, rítmico e inclusive, melódico. Se dejaban atrás, viejos parámetros medievales y se asumían nuevas maneras de hacer y expresar las ideas musicales.

PRINCIPALES FIGURAS DEL ARS NOVA FRANCÉS

Las figuras más importantes de la novedosa creación musical en este período del siglo XIV, del llamado Nuevo Arte ó ARS NOVA FRANCÉS, son:

PHILIPPE DE VITRY (1291-1361), natural de Champagne donde nació el 31 de octubre de 1291; además de diplomático, poeta, compositor y teórico musical, se desempeñó como secretario de los reyes franceses, el último Capeto, Carlos IV el Hermoso (rey de 1294 a 1328) y el primer Valois, Felipe VI (rey de 1328 a 1350) y fue encargado en 1350, de organizar un encuentro entre el rey y el Papa de Avignon. Luego fue nombrado obispo de Meaux. Philippe de Vitry es quien da el nombre a este movimiento musical, con su TRATADO DE ARS NOVA (1320) o De la aplicación de un sistema reformado para la música; en él se refiere al cambio del antiguo sistema modal (Ars antiqua) a la nueva notación mensural (Ars nova). Sus motetes demuestran su visión renovadora y su poesía fue muy apreciada por el poeta Francisco Petrarca (1304-74). Murió el 9 de junio de 1361.

JOHANNES DE MURIS (1291-¿1351), teórico musical de reconocido prestigio también como matemático y astrónomo del Siglo XIV. Vivió algún tiempo en París y es autor de varios tratados; entre ellos, el de Música especulativa (Speculum Musices) en siete tomos, considerado como la suma del saber musical de su tiempo.

Así como también, JACOBUS DE LIEJA (c.1323), quien escribió otro importante tratado llamado Speculum Musicæ; y los importantes trabajos teóricos y obras musicales de JOHANNES DE GARLANDIA (c.1195-c.1272) y JOHANN DE CROCHEO, quienes desde el siglo XIII, habían establecido normas para la música modal con el empleo de ritmos de la antigua métrica griega.

Pero sin lugar a dudas y de manera especial, debemos mencionar al sacerdote francés nacido en Ardennes: GUILLAUME DE MACHAUT* o Machault (1300-1377), como la figura de mayor relieve del Ars Nova Francesa y una de las grandes en la historia musical. Canónigo de la Catedral de Reims, desarrolla la escritura contrapuntística y aporta una mayor riqueza a la combinación de las voces.

Su producción musical es abundante en música profana, debido a que en 1322, como sabemos, el Papa Juan XXII (Jacques d'Euse, Papa de 1316-34), residenciado en Avignon, había excluído de la Misa todas las formas polifónicas –el para entonces Papa Urbano V, Guillaume de Grimoard, pontífice de 1362-1370, estuvo muy complicado para ocuparse del asunto y aunque trató de retornar a Roma, debió volver a Francia e instalarse de nuevo en Avignón)-.

Es famosa su frase: …Qui de sentement ne fait, son dit et son chant contrefait (Quien no se expresa con sentimiento destruye sus dichos y sus cantos).

Machaut es uno de los primeros compositores que innova un recurso llamado ISORRITMIA, el cual consiste en el uso de un patrón diferente de ritmo para las distintas voces, dentro de la misma métrica, haciendo que estas no siempre coincidan y produciendo un efecto de desigualdades aparentes como recurso estético buscado por el compositor (p.e. Chríste Eléison de dicha  Misa). Su obra es la de un verdadero renovador del arte musical decididamente expresivo, con inclinaciones hacia el juego contrapuntístico meramente especulativo.

La BALADE escrita a dos, tres o cuatro voces y sin fundamentarse en el Cantus firmus, es el género que Machaut trata con mayor refinamiento. Cultiva así mismo, una Balada a tres voces, en la cual sólo una de ellas es cantada; y también la Doble Balada, donde una aparente disparidad se resuelve en la conclusión conjunta de las voces.

Las formas más frecuentes de Danzas de este período son: el Rondeau o rondet de carole (Conviene aclarar que la palabra RONDET designaba toda canción versificada que fuera el soporte rítmico de la danza, y la CAROLE era una danza que se bailaba de lado, oscilando primero a la izquierda la igual que en la Bransle del siglo XV), esta danza solía ser de carácter alegre; el virelai y la balade, todas ellas muy simples compuestas por dos y a veces, tres fragmentos melódicos llamados puncta, repetidos numerosas veces y con diversos estilos de interpretación. También existía la ductia o danza que tenía tres o cuatro puncta.

Durante el reinado de Carlos V el Sabio, París alcanzó la máxima preponderancia en el ámbito musical y este hecho abrirá el camino a las Escuelas Franco Flamencas del Siglo XV, las cuales aportarán la más importante contribución al desarrollo musical occidental en ese siglo: el uso de la Imitación (arte de pasar alternativamente, una frase melódica o armónica de una voz o instrumento a otro; antecesor del estilo fugado), como fórmula contrapuntística.

Sabemos además, que en la Catedral de Notre-Dame de París se instaló un gran órgano, a finales del siglo XIV y este instrumento muy posiblemente, se usó para acompañar los cantos polifónicos, reforzando o sustituyendo las voces inferiores.

Las dos Escuelas Franco-flamencas, entran en gran actividad a partir del Siglo XV y a ellas nos referiremos con detalles, más adelante.

Su Precursor es el maestro de origen inglés JOHN DUNSTABLE (1370-1453), matemático, astrólogo, compositor y profesor de música y composición.

Gracias a los nexos que se establecen entre el Ducado de Borgoña y el rey Enrique V de Inglaterra, este compositor visita Flandes y luego, viajó por Francia, España e Italia donde alcanzó mucha fama. Es autor de motetes, himnos, música sacra y numerosas canciones. Su polifonía (O Rosa bella) se caracteriza por la inicial tendencia a la organización Armónico Vertical de las voces mediante el uso frecuente del acorde perfecto.

El Ars Nova se extendió desde Francia y los Países Bajos a Venecia y especialmente, a Florencia donde, gracias al mecenazgo de muchos nobles y Condotieri, como los d’Medici*, y a la obra poética de autores como Francesco Petrarca (1304-1374) y Giovanni Boccaccio (1313-1375), adquiere mayor importancia el virtuosismo vocal y la melodía fácil.

EL ARS NOVA FLORENTINO

Como vimos, los cambios en el arte musical se hicieron sentir en los principales centros poblados que lograban un importante desarrollo industrial y comercial. Así, hacia finales del siglo XIV, vemos florecer el Arte Nuevo ó Ars Nova en la región de Florencia que progresivamente, se convertía en la ciudad más rica de Italia, donde residían importantes Condotieri con gran sensibilidad y quienes gustaban de ostentar sus riquezas, convertidos en mecenas de las artes.

Fue allí, donde se radicaron muchos artistas, escultores, pintores, arquitectos, orfebres y músicos; y donde se difundieron las grandes obras poéticas de Petrarca y Boccaccio, que inspiraron a muchos compositores de canciones y madrigales.

Tres géneros caracterizan el Ars Nova Florentino:

1.                      La BALADA y el Motete Isorrítmico, cuyos antecedentes los encontramos en la canción trovadoresca y el Motete; ahora con aire de danza a tres voces, una de ellas cantada y las otras instrumentales.

2.                      El MADRIGAL, con características vocales muy definidas de canción pastoril y amatoria. Consiste en una composición de forma poética con varias estrofas, por lo general no mas de cuatro, seguidas por un ritornello. Las estrofas se entonan con la misma melodía, mientras que el ritornello que aparece sólo al final de la última estrofa, se destaca y diferencia de las partes anteriores*.

3.                      Y la CACCIA, poemas-canciones referidas a las aventuras y placeres de las cacerías con textos basados en toda clase de temas que se prestan a descripciones vivaces; desarrolladas en forma poética más libre, con partes musicales sostenidas por un tenor uniforme y abundantes cánones e imitaciones contrapuntísticas con voces onomatopéyicas que convirtieron a este género, en precursor inmediato de la Fuga. A semejanza del Madrigal termina a veces con un ritornello que puede ser canónico, homófono y hasta a una sola voz*. 

Uno de los famosos cultores de esta forma musical es MAGISTER PIERO (c.1300-c.1350), cuyas caccias, solían ser una estricto canon a dos voces al unísono, frecuentemente con el agregado de una tercera voz instrumental en función de Bajo, que no participaba de la trama contrapuntística.  

Destacó como uno de los principales exponentes del Ars Nova italiano en Florencia, el compositor organista en la Iglesia de San Lorenzo, ejecutante del laúd y de otros instrumentos, ciego de nacimiento, FRANCESCO LANDINI o Landino (c.1325-1397), virtuoso organista, poeta y compositor coronado en 1364 como Rey de Poetas y Músicos en Venecia, autor de numerosos madrigales: p.e. Echo la Primavera, con textos en italiano del poeta Francisco Petrarca (1304-1374), baladas, madrigales, canzoni y hermosas obras profanas; se destacó además, como ejecutante de guitarra, laúd, flauta, y escribió obras para estos instrumentos.

Se cultiva en este período una variedad de canción italiana que podía acompañarse en ocasiones con algún instrumento o instrumentos; se les llamó FROTTOLA (pequeña fruta) y solían ser composiciones de contenido semihumorístico y estróficas.

Uno de los principales cultores de esta manera de hacer música que anticipaba lo que sería el Madrigal, fue el compositor italiano contemporáneo y amigo  de Dante Alighieri (1265-1321), PIETRO CASELLA (n. ¿?-m.1300?), mencionado en la Divina Comedia, y a quien suele considerarse como el Precursor del Madrigal.

También en el Siglo XIV, el Madrigal Florentino  de carácter poético pastoril, amoroso, alegórico o satírico es cultivado y desarrollado en la Corte de Verona magistralmente, por GIOVANNI DA CASCIA (¿?-c.1351) y JACOPO DA BOLOGNA (c.1310-1386), entre 1329 y 1360; autores de varias obras, algunas de ellas, p.e. Non al suo amante, incluidas en el hermoso Codex publicado a principios del siglo XV por el compositor y organista florentino ANTONIO SQUARCIALUPI (¿?-1475).

Otros Madrigales de compositores florentinos del siglo XIV, como LORENZO DA FIRENZE (¿?-1372) y GHERALDELLO DA FIRENZE (¿?-c.1370), aparecen incluidos en el Codex Faenza del siglo XV. 

Como nota importante, debemos recordar que hacia el último cuarto del siglo XIV, y luego de siete decenios, en Enero de 1377, con Gregorio XI (Pierre Roger de Beaufort, Papa de 1370-78) se produce el regreso del Papado a Roma no sin tener que enfrentar serias dificultades y obstáculos.