Ante una nueva visión cultural y musical

Por el análisis de la Historia, sabemos que*, el Siglo XI sirvió como Incubadora de Culturas de la cual emergió la Civilización de Occidente. En él, se desarrollaron el Arte Románico en Francia e Inglaterra; los constructores aportaron un novedoso elemento arquitectónico: la Bóveda. Este siglo marca también, la aparición de la Filosofía Escolástica, los Cantares de Gesta, el Drama Litúrgico, el Arte de los Juglares, Trovadores y Troveros, la Poesía Provenzal y la Poesía del Norte de Francia, Italia, España y Portugal y muy especialmente, el conocimiento y difusión de las teorías y prácticas musicales recopiladas por Guido de Arezzo.

Comienzan a conocerse y difundirse de boca en boca, las leyendas de héroes:

1. En la Península Ibérica, las hazañas de Rodrigo Díaz de Vivar El Cid Campeador (c.1043-1099), que más tarde, serán recopiladas por escrito;

2. En el norte de Europa, los escandinavos crearon sus Eddas Poéticas (que describen la mitología escandinava) reunidas por el sacerdote islandés Saemundo;

3. Los anglosajones refundieron en sajón occidental los 3.183 versos de su Beowulf, con las leyendas que provenían del siglo VIII acerca de un Rey de Jutlandia (procedente de la Suecia meridional, Jylland, territorio ubicado hacia el oeste de Copenhague) el legendario Beowulf quien libera a los daneses del monstruo marino Grendel;

4. Los germanos del sur, hacia el 1200, difunden sus Nibelungenlieder (Canciones de los Nibelungos) donde se narraban las hazañas del caballero Sigfrido.

En la Música Litúrgica, se incorporaron definitivamente, los Tropos y Secuencias (clásica, rimada y estrófica); de la primera mitad de este siglo XI, procede el más antiguo e interesante manuscrito de Organa, se trata del Tropario de Winchester, Inglaterra (c.1050), el cual contiene Secuencias, Tropos, Cánticos de la Misa y más de doscientos Organa a dos voces. Con el nombre de Tropos (Troparion) la Iglesia Oriental definía desde el siglo IV, a los refranes, fórmulas o estribillos que se cantaban al inicio y al final de la Salmodia y cuyo texto no provenía del Salmo. En la Iglesia Occidental solían denominarse Salmo con Antífona, con texto en prosa; y al final solía incorporarse además, la fórmula doxológica: Glória Pátri et Fílio et Spirítui Sáncto…

En este siglo, se consolidó la separación entre las Iglesias de Occidente y Oriente (Con la excomunión en 1054 del patriarca Miguel Cerulario, 1000-1058) y florecieron también, las artes y letras bizantinas y árabes, que ejercieron importante influencia en la evolución intelectual occidental.

En la Música de manera especial, se definió el lenguaje y la escritura de nuestro Sistema Musical (Guido D´Arezzo) y se comenzó a desarrollar la nueva concepción occidental sistémica de la Polifonía (a partir del Tratado Enchirias* de Ogier u Otger, a finales de siglo IX).

Durante este siglo, el procedimiento de Armonización de la música litúrgica sufre una importante modificación gracias a la práctica de una mayor libertad expresiva. La Voz Organal pasa a ser Superius, y el Cantus Firmus a la categoría de voz inferior y evolucionando casi siempre con un movimiento contrario o Discanto.

Esta práctica parece haberse iniciado en la Abadía Benedictina de San Marcial de Limoges ubicada en la antigua región de Lemosín, Francia, al oeste del Macizo Central; en el lugar donde en 273 fuera enterrado San Marcial. Esta manera novedosa de realizar el canto litúrgico, ejerció gran  influencia y debió servir de modelo para la Escuela de Notre-Dame.

A partir del siglo XI prolifera la fundación de nuevas Órdenes y Reglas monacales que darán vida a un movimiento monástico totalmente renovado; pero al mismo tiempo,  aparecen nuevas sectas que molestan la vida de la Iglesia, entre las cuales podemos mencionar a los Albigenses o Cátaros (movimiento herético surgido en las cercanías de la ciudad francesa de Albi) y los Valdenses (de los Alpes, seguidores de Petrus Waldus), quienes negaban el valor de la jerarquía eclesiástica y de los sacramentos, profesaban creencias dualistas, una espiritualidad austera y justificaban el suicidio; también los Hermanos del Libre Espíritu, secta panteísta que, entre otras cosas, llegaron a predicar la absoluta libertad sexual.

El Siglo XII, por su parte, es la época de la rivalidad entre las cortes; de la institución en 1184 en Languedoc (al sur de Francia), de la Inquisitio Hæreticæ Pravitatis Sanctum Officium, la cual será conocida como la primera forma de Inquisición religiosa para combatir la herejía de los cátaros o albigenses.

Es también la época de la aparición de un estilo común de vida para la nobleza; de los Torneos de Caballería y los Juicios de Dios.

La arquitectura y la construcción tuvieron un auge sin precedentes. Se heredó toda la riqueza del siglo precedente; desarrolló el Arte Gótico que transformó la bóveda románica en la crucería, bóveda por cuatro compartimientos; apareció el uso de arbotantes ó arcos para contrarrestar el empuje de la bóveda y proliferaron los grandes rosetones con hermosa cristalería decorada de colores.

Además, se potenció el cultivo de las artes y las letras. En Francia, se produjo un gran florecimiento de las ciencias, las artes y en especial, de la Música.

Surgen así principalmente en Italia, los DRAMAS LITÚRGICOS ó LAUDI,  (Canciones de Alabanza) composiciones poetico-musicales religiosas en idioma vulgar, cuyo uso se debe a San Francisco de Asís (1182-1226), quien introdujo su Himno al Creador, primer documento importante de una naciente lírica popular-religiosa en idioma vulgar.

Estos Laudi del siglo XII, terminan siendo Dramatizados y más adelante en el tiempo,  darán origen al Oratorio.

Cuando los Laudi no eran litúrgicos se les denominaba JUEGOS (Jeux).

De este período es el drama semi-litúrgico Le Jeu d’Adam et Ève; y la mencionada Pastorella o Comedia con Música de Adam de la Halle (1237-1287), titulada: Jeu de Robin et de Marion.

También y dentro de la liturgia, se produjeron numerosos MISTERIOS; se llamaba con este nombre a la representación escénica de momentos o narraciones de las escrituras y Nuevo Testamento, con textos poético musicales para dar relevancia a las festividades o conmemoraciones religiosas.

Se desarrollaron además, múltiples formas de Danzas y Canciones populares profanas.

Aparecen los tratados de Filosofía Escolástica del benedictino Anselmo de Canterbury (1033-1109) y del francés Pierre Abelardo (1079-1142), fundador del método escolástico: sic et non, duda metódica.

El médico, jurista y filósofo árabe musulmán Abulvalid Mohamed ben Roxd, mas conocido como Averroes (1126-1198), impulsa la filosofía con su criticismo cambiante (Commentator); Las traducciones, tanto del árabe como del griego, de la filosofía arábiga y de Aristóteles, aparecen en Toledo, ciudad que se convierte en centro del estudio de lenguas.

De esta manera, la fortuna que se posee determina una nueva posición social que deberá ser tomada en cuenta a la hora de las inversiones y para los entronques matrimoniales; así mismo, influyen en la conformación de nuevas fórmulas de asociación asamblearia y comunal.

La debilitación del poder público feudal contribuye a la pujanza de la Asamblea Local o Municipal con el Concilium (autoridad municipal) que llenará los vacíos de poder y que trabajará en incrementar la actividad comercial y productiva para atraer población, ya que ello incidirá en el aumento de la capacidad general de ejercer presión e imponer a los señores modificaciones (mediante la promoción y creación de hermandades, ligas, etc.) en el dominio sobre sus campesinos.

El Siglo XIII permitió que el Arte Gótico alcanzara su máximo esplendor y estimuló el poder de abstracción con el desarrollo de la Escolástica y las Exposiciones teológicas y filosóficas, donde se retoman y actualizan los viejos criterios dogmáticos y ambivalentes de San Agustín: De reductione artium ad theologiam, Commentarii…, Quæstiones…, del Doctor Seráfico, Buenaventura (1221-1274); las Summa Theologica y Contra Gentiles de Tomás de Aquino (1225-1274); las obras de Alberto Magno (¿1200-1280), y en España, del Doctor Iluminado Ramón Llull o Raimundo Lulio (c.1233-1315).

                                                      LA PARROQUIA

Institución de carácter civil, que existía desde algo antes del Imperio Romano. Su nombre deriva del griego (paroikia) paroikía o vecino de la vivienda. Cobra connotación religiosa y mayor importancia a partir del siglo XIII; y los actos que en ella se realizan: misas, matrimonios, bautizos, etc., tienden a solemnizarse, a través de símbolos ornamentales y con la música.

Proliferan también, las Cofradías, o corporaciones que auxiliaban a los cofrades en el camino hacia Dios, incluso llegarán a sostener una red asistencial mediante los Hospitales.

En cuanto a la música: varios teóricos, entre ellos el monje y teórico musical Johannes de Garlandia, presenta en 1270 su famoso tratado De musica mensurabili.

Y hacia 1280, se conocen las obras de Adam de la Halle, entre las cuales, además de las ya nombradas, podemos destacar: Dieus soit en cheste maison *(Bibl. Nat. Fr. 255566); así como numerosas obras, muchas de ellas anónimas, entre las cuales mencionamos: varias Ductia, Stantipes ó canciones para celebrar (Drinking Songs), compuestas en estilo de primitivo motete con una serie de fragmentos que se repiten, con varios textos cantados simultáneamente, seguidos de una danza bipartita ejecutada por instrumentos de viento tales como la Corneta, el Shawm (chirimía o chalemie de doble lengüeta) e instrumentos de percusión y que finalizan con una semiconclusión (forma abierta) y una conclusión definitiva (forma cerrada); y también, varias danzas ó Dansse Real, composiciones instrumentales destinadas a las celebraciones y bailes de corte que solían ser interpretadas por la familia de instrumentos de los Recorders (o flautas de pico), Fiddle ó primitivo violín medieval y Tambourine ó pandero*.

A partir de entonces, los instrumentos de viento cobran mayor importancia, lo cual se convertirá en una característica de la música renacentista.

LAS HERMANDADES MUSICALES O BANDAS

De hecho, podemos encontrar Tres tipos de Bandas que corresponden a tres segmentos diferentes de la sociedad medieval, según afirma David Whitwell en su libro: A Concise History of the Wind Band, son ellas, a saber:

1.     Bandas de Iglesia

2.     Bandas de Corte  y

3.     Bandas de Ciudades o Bandas Municipales.

1.   La primera Banda de Iglesia  que nos  aparece  reseñada  corresponde  a la Iglesia Germana del Obispo de Passau en el año 1203. Las funciones de estas Bandas de Iglesia eran las de realzar la solemnidad del culto. 

2. Sobre las Bandas de Corte, cuyas funciones eran evidentemente, el protocolo ceremonial de palacio; por las crónicas,  tenemos  noticias  de  la existencia documentada, ya desde el año 1050, de los Spielmann o Grupos de Músicos de Viento en la corte germana del Conde de Kraiburg.

En 1212, el Conde de Chester promueve la Organización Corporativa (conocidos con diferentes nombres tales como: City Piper, Ratsmusikant, Stadtmusikant, Zinkenist o Stadtpfeiffer) de los músicos ejecutantes de instrumentos de viento, percusión, etc., en la región de Inglaterra.

La Corte germana del Kaiser Friedrich II, tenía en 1217 un cuerpo de Trompeteros Reales con funciones claramente definidas para el ceremonial y los usos militares, incluidos diferentes toques y señales musicales*.

Heinrich W. Schwab en su obra: Die Anfaenge des weltlichen Berufsmusikertums in der mittelalterlichen Stadt, afirma que: ...los primeros documentos sobre un Spielleute o grupo de músicos de viento, datan del 10 de octubre de 1265, cuando en Braunschweig, los Duques Albrecht y Johann, organizaron estos grupos y definieron la instrumentación que debían tener.

3.   En lo que se refiere a las Bandas de Ciudades (ó Bandas Municipales), sabemos que surgen y se desarrollan Bandas en Wismar (1272), en Luebeck (1280) y en Rostock (1285), para el esparcimiento y la diversión de la población y para las conmemoraciones y celebraciones importantes para la comunidad.

A fines de 1288, el Conde Pedro de Ebersdorff  instituye, en la ciudad de Viena (Austria), la famosa Nicolaibrüderschaft (Hermandad de San Nicolás), una de las primeras confraternidades o hermandades municipales de músicos profesionales (Stadtpfeiffer) conocidas, la cual estaba integrada por ejecutantes de pífanos, flautas, violas, tamburos, trompetas y un Director. La idea se difundió y poco tiempo después comenzaron a aparecer Bandas en varias ciudades de Europa. Surgen así, Bandas en Bruegge  hacia 1297 y en Regensburg  el año 1320.

LAS UNIVERSIDADES

Adicionalmente, y como una evolución de las antiguas Escuelas Episcopales aparecieron en los albores del siglo XIII, las primeras Universidades (Bologna en 1214, aunque se inician sus antecedentes desde 1088; París en 1215, con maestros como, Pedro Lombardo, Abelardo y Hugo de Saint-Victor; Palencia, Castilla la Vieja, en 1216; Toulouse en 1229; Salamanca en 1230)*, denominadas por Alfonso X El Sabio (1121-1284) en Las Partidas como Estudios Generales, las cuales vinieron a jugar un importante papel en los asuntos públicos y cobijaron en su seno una verdadera Teocracia Intelectual.

Surgen como una suerte de prolongación ó amalgama de las Escuelas Catedralicias y de los Centros Monásticos de aprendizaje*; sometidas, en el comienzo, a la jurisdicción eclesiástica o a las intromisiones del poder laico, lo cual, las convierte en la esencia de lo que llamaremos el Renacimiento del siglo XII.

Estos centros, poco a poco fueron adquiriendo una mayor autonomía, gracias a la intervención de los humanistas (s.XIV) a partir de Francisco Petrarca*, quienes reaccionaron frente a la estructura y los métodos educativos aplicados en ellos; desaprobaron los programas de estudios y la dependencia del formalismo académico de los debates públicos y de la aplicación sistemática de las preguntas y respuestas para impartir el conocimiento; lo cual, según ellos, desdeñaba al individuo y a la innovación.

Progresivamente, estas Universidades pasaron a ser comunidades de personas eruditas y de saberes, con un objetivo crítico y modelador del ser humano.

En sus inicios, las facultades que las constituían eran, la omnipotente Facultad de Teología (la “reina de las ciencias”) a la cual seguían la Facultad de Artes, la de Derecho y la de Medicina, fundada algunos años más tarde.

Los estudios universitarios comprendían además, el famoso Trivio (integrado por gramática, dialéctica y retórica) y el Cuadrivio (aritmética, geometría, música y astronomía).

Paralelamente, la complejidad del arte gótico arquitectónico exige y se corresponde con la aparición de una música más compleja; una Polifonía cada vez más desarrollada es la mejor muestra.

La Iglesia Cristiana de Roma, ahora sólida y establecida como religión oficial: …dio cabida a la música sólo como arte específicamente devocional y proscribió toda aquella que se practicaba fuera de sus muros. La Polifonía es el equivalente musical de la arquitectura gótica vigente; responde y se corresponde con las grandes catedrales. Representa un misticismo religioso que crea un vínculo más directo y más humano entre el hombre y su Dios…; pero a pesar de ello, fue imposible contener la intrusión del elemento seglar en su música, sobre todo en las regiones del norte de Europa.

No obstante, durante los siglos XII y XIII se desarrollaron dos tipos fundamentales de música sistémica: las Canciones monofónicas y la elaborada polifonía de la Escuela de París ó Escuela de Notre-Dame.

Las canciones monofónicas presentaban la poesía como si fuera música, es decir, los acompañamientos están concebidos por los ejecutantes de acuerdo con el espíritu y contenido del poema; además, era frecuente en este tipo de canciones el uso de las nuevas lenguas vernáculas, ya que estaban dirigidas a oyentes locales.

En la elaborada polifonía francesa de la Escuela de Notre-Dame, en cambio, la melodía se expandía de manera vertical, completándose con partes de igual; la preservación del latín en los textos, constituyó un esfuerzo para lograr comunicar el mensaje universal a toda Europa.

También es importante destacar que la cultura arábiga asentada en España por tantos siglos, influyó notablemente en muchos aspectos de la vida y la música europea durante la Edad Media. El empleo de instrumentos tales como el rabel ó rebab, el laúd ó allud y la fídula* ó kimancha de tres, cuatro y hasta cinco cuerdas; entre otros, constituyen una evidencia de dicha influencia.

EL ORGANUM. LA DIAFONÍA

Si desde el comienzo de este trabajo, hemos afirmado que nuestro Sistema Musical Occidental tiene su origen inmediato en la tradición musical de la primitiva Iglesia cristiana; ahora, podemos concluir sin equivocarnos, que el desarrollo del arte polifónico sistémico escrito le corresponde totalmente, hasta que, adquirida su madurez, la música profana se avoque también, a participar en su desarrollo.

Después del Canto Llano (Gregoriano), la Edad Media, hacia finales del siglo IX, acepta y desarrolla de manera sistémica el Organum paralelo a dos partes (Organa, en plural), como canto a dos voces, cuya melodía fundamental llamada Vox Principalis o Ténor, era tomada del canto gregoriano; y la otra voz ó melodía, llamada Vox Organalis solía ser una reproducción de la principal pero realizada en intervalos de cuartas, quintas u octavas paralelas y manteniendo el texto latino en forma de verso, en la voz superior libre (organum duplum) de la cláusula o parte de discanto (voz divergente o contracanto).

Por su parte, la Diafonía, o canto a dos partes, constituyó una manera más libre de realizar el Organum, es decir, de mover las voces, las cuales comenzaban y terminaban al unísono.

Varios compositores, entre ellos, Guido d’Arezzo, desarrollaron también un Organum libre, realizado con cuartas y quintas, utilizando además, intervalos de terceras como notas de paso. 

Ambos procedimientos como Arte de asociar o combinar líneas melódicas distintas y simultáneas, vocales o instrumentales, constituye una de las grandes realizaciones musicales de la civilización occidental y dará origen a la nueva visión y forma polifónica de expresión musical sistémica de la civilización occidental.

Los oficios religiosos constituían una parte esencial en la ocupación del tiempo. La longitud o duración de los actos religiosos dependía en mucho de la importancia de la fiesta o conmemoración: cuanto más importante era la fiesta, más largo debía ser el oficio; por lo tanto, los cantos debían superar en longitud a los utilizados cotidianamente.*

Se termina pues, permitiendo el uso de cualquier otra música diferente al Canto llano o Gregoriano, siempre y cuando se mantuviera la melodía tradicional ya consagrada y a esta se le agregaran otras voces.

Es muy difícil personificar en quién o dónde se inicia esta práctica musical; se sabe que los habitantes del norte de Gran Bretaña practicaban un arte polifónico transmitido por los daneses y noruegos (Descritio Cambrias, s.XII), existen también otros documentos que nos hablan de su uso, De Divisione Naturaæ de Juan Escoto Erígena (¿830-880?) y varios manuscritos de Oxford (siglo X) y escritos franceses de misma fecha.

Aunque, como señalamos, los documentos más antiguos conocidos de música plurivocal son los llamados Organa, melodías litúrgicas acompañadas por otra línea melódica que en los primeros tiempos (funciones religiosas de la iglesia carolingia) le sigue nota a nota, los cuales están contenidos en el ya citado tratado Enchirias* escrito por Ogier u Otger (y que para algunos es un tratado anónimo. Es importante advertir, que no debemos confundirlo con el Tratado De Música Enchiriadis -Manual de Música- c.900, escrito por Hucbaldo en la misma época) cuando ya finalizaba el siglo IX.

Los ejemplos de polifonía descritos en este Tratado, demuestran un primitivo y rígido paralelismo entre las dos voces, el Cantus firmus o Vox Principalis y la melodía de acompañamiento o Vox Organalis (Diaphonías: Diapasón con 8as. paralelas inferiores; Diapente, con 5as.inferiores; Diatessaron, con 4as.inf., etc).

En el Organum del siglo XI el Cantus firmus cede su lugar predominante de voz superior a la nueva contravoz, y al reemplazar el movimiento paralelo por el uso de movimientos contrarios y oblicuos, la vox organalis adquiere una mayor independencia.

Este Organum del siglo XI, utilizado en los Troparios de Winchester, lo vemos transformarse durante los dos siglos siguientes en el DISCANTO (Canto a 2 partes), canto divergente o contracanto, en el cual, el sentido melódico se diferencia perfectamente; la voz inferior llamada Cantus firmus, era una melodía gregoriana y la superior, llamada Discantus, la acompañaba a intervalos de cuartas, quintas u octavas y utilizaba en ocasiones, intervalos de segundas e incluso algunas séptimas, alternando consonancias y disonancias, casi siempre por movimiento contrario.

El Discanto representa así, una etapa muy avanzada en la conquista de una polifonía sistémica auténtica y puede ser considerado como el precursor inmediato del Motete Gótico y origen del Contrapunto (Punto contra punto, nota contra nota).

El Organum florido del Siglo XII, desarrollado en la Escuela de la Abadía de San Marcial de Limoges, representa una etapa de mayores avances en la conquista de una verdadera polifonía.

La vox principalis cede definitivamente la supremacía a la vox organalis al enfrentar cada nota largamente mantenida en el cantus firmus con extensos melismas o adornos de la vox organalis. Otra modalidad es el Organum Florido a tres partes o voces, usado en el Codex Calixtinus (s. XII).

Fueron centros de cultivo y desarrollo del Organum y la Diafonía, la gran Abadía de San Martial de Limoges, conocida  como ESCUELA DE LIMOGES en Francia, foco de la cultura musical medieval, antecesora de la Escuela de Notre-Dame de París, y el Monasterio de Santiago de Compostela al norte de España.

Es importante resaltar que dichas escuelas mantenían contacto, entre otras causas, por la relación familiar que unía al rey Luis IX (San Luis, rey de Francia desde 1226 a 1270) y Fernando III El Santo de Castilla y León*, (rey desde 1217 a 1252). Muchas de las producciones musicales de este período se pudieron conservar, gracias al trabajo de recopilación y copiado realizado, entre otros, por los posteriores maestros de la Escuela de Notre-Dame.

LA ESCUELA DE NOTRE-DAME

Es en la Escuela de la Catedral de Notre-Dame*, en la cual se recopila y escribe toda la producción musical a pluma y en pergaminos; de allí su importancia. Esta Escuela desarrolla el Organum a tres y cuatro voces y la Música Modal con base en los siguientes Modos Rítmicos, derivados del Pie o acentuación métrica poética de ascendencia griega:

• Troqueo (longa-breve)
• Yambo (breve-longa)
• Dáctilo (longa-breve-breve)
• Anapesto (breve-longa-breve-longa)
• Tribraco (breve-breve-breve)

Desde el punto de vista histórico, Francia ocupa un importante sitial e inicia un proceso de afirmación monárquica con el reinado de Louis VII El Joven (rey de 1137 a 1180), y de su hijo y sucesor Felipe II Augusto (rey de 1180 a 1223), quien anexa a Francia las tierras normandas y se proclama Rex Franciæ, consolidando su condición de monarca y soberano de un espacio territorial delimitado y de todos y cada uno de sus habitantes: …al margen de cualquier otra autoridad señorial o vasallática interpuesta*.

Felipe II Augusto además, brinda todo su apoyo al desarrollo intelectual y a pesar de la oposición del episcopado parisino, concede los estatutos a la nueva Universidad de París (1200-1215). La monarquía capeta alcanza así un importante grado de prestigio.

Todo esto explica el ambiente y las condiciones favorables para el auge cultural y musical de la Escuela de Notre-Dame. En ella además, se desempeñan varios maestros que dan su aporte al desarrollo sistémico inicial de la tradición polifónica occidental, entre ellos destacan:

ADAM DE SAINT-VÍCTOR (c.1112-c.1146), importante poeta e himnógrafo quien fue además, un alto dignatario de la Iglesia y se desempeñó como Chantre de la Iglesia de la Beatæ Mariæ Virginis (más tarde, Notre-Dame) de  París, desde principios del siglo XII hasta su muerte ocurrida cerca de 1146. Dentro de sus funciones y privilegios como músico, le correspondió supervisar y seleccionar la música que se cantaba durante las funciones litúrgicas de la Catedral. Compuso varias obras, entre ellas se conservan In Natale y Templum cordis; fue sucedido por:

ALBERT (c.1146-1177), clérigo y cantor francés llamado Magíster Albertus Parisiensis quien, a la muerte de Adam de Saint-Víctor, le sustituyó como Chantre de la misma Catedral.   Autor de varias composiciones, como Congaudeant catholici, obra que contribuyó a realzar la famosa liturgia tradicional de la Peregrinación de Santiago a la Catedral de Compostela, desde el medioevo, uno de las más famosos lugares de peregrinaje en Europa.

PHILIP (1165-1236), natural de París; conocido como Philip LE CHANCELIER ó Philippus Cancellarius, se desempeñó como Canciller de Notre-Dame entre 1218 y 1236. Se destacó como administrador o Deán de la Catedral pero también, como teólogo y moralista medieval en Francia, aspectos que resaltan en su obra musical Ve mundo.

GUILLAUME D’ AUVERGNE (1190-1249), conocido también como Guillaume de París; teólogo, consejero confesor del rey capeto San Luis IX de Francia (1214-1270) y también músico compositor. Pero entre todos estos:

LEONINO Y PEROTINO

Dos grandes compositores resaltan durante el fin del siglo XII y primera mitad del siglo XIII, ambos Maestros de Capilla u Organistas (vocablo que aparece en Chartres antes de 1150, y se refiere al Clericus Cantor o Chantre, compositor de Organa) de la Catedral de Lutecia Parisinorum, ahora París (cuyo nombre inicial era Iglesia de la Beatæ Mariæ Virginis, más tarde, a partir de 1163 cuando comenzó su construcción: Notre-Dame de París) y coinciden en su desempeño del cargo con el proceso de construcción de dicha Catedral (1163 a 1235), son ellos:

LEONINO (c.1163-1200), Leonin ó Leoninus, quien se desempeña como Maestro de Capilla en Notre-Dame de París entre 1160 y hasta su muerte ocurrida hacia 1201; autor del Magnus Liber Organi de Graduali et Antiphonarii pro Servitio Divino Multiplicando, o Gran libro de polifonía, para solemnizar el servicio divino de todo el año (ejm. Propter veritatem). Este maestro desarrolla el Organum o Diafonía, canto a dos voces, entroncado con la técnica del Organum Melismático, las notas del Cantus Firmus tradicional gregoriano sufren una dilatación aún mayor y son enfrentadas con melismas cada vez más amplios de la Vox Organalis. El coral se denomina Cantus o Tenor, la voz superior Discantus o Duplum. El coral se divide en palabras o unidades separadas, llamadas Cláusulas, cuyo Cantus firmus conserva una cierta organización rítmica generalmente, a base de valores de idéntica duración.

PEROTINO, Pérotin Le Grand ó Perotinus Magnus, alumno de Leonino; trabajó con el obispo de París, Endes de Sully a finales del mismo siglo XII, hacia 1180: …para reformar la liturgia y eliminar los excesos que se hicieron comunes… en la música litúrgica. Llamado Magnus, vel Optimus Discantor, Perotino revisó la obra de su maestro y predecesor, mejoró la Notación Musical y desarrolló el arte del Discantus. Su actividad musical se desarrolla durante los primeros treinta años del siglo XIII. Es el representante más destacado de la Escuela de Notre Dame de París, en la segunda mitad del siglo XIII (ejm. Mors; Beata viscera). Sus obras se caracterizan por una organización rítmica más desarrollada del Cantus Firmus. Abandona el flujo rítmico de la melodía del coral en beneficio de una división racional en la búsqueda de una composición autónoma, la cual a su vez, dará origen al Contrapunto (desarrollo melódico independiente de una voz en relación con otra o varias voces igualmente melódicas). Su música, logra un gran equilibrio entre orden, construcción y expresión, evidenciadas en su obra Organa a dos, tres y cuatro voces; además abrió nuevos horizontes expresivos al canto para varias voces. Con su obra, aparece el primer tipo de Motete. Es autor de obras como Virgo flagellatur, Salvatoris Hodie, Mors, Beata viscera, Posui adjutorium y otras. Junto a Magister Albert ó Albertus Parisiensis, Leonino y Perotino constituyeron las figuras más importantes del llamado período del Ars Antiqua o Escuela de Notre-Dame del Siglo XIII.

Entre los años de 1240 y 1325, Leonino y Perotino fueron los autores de un magnífico repertorio de Organa que condujo a definir el Motete como característico del arte medieval y cuya influencia fue determinante para el posterior desarrollo de la rítmica y el contrapunto. Las composiciones, que paulatinamente fueron sustituyendo al Canto Llano y Gregoriano, abarcaron desde obras concebidas para ser cantadas con toda solemnidad, al final de las Misas y ceremonias litúrgicas; otras, para cantarse durante los servicios litúrgicos en aquellos momentos en que la liturgia lo permitía; hasta obras con carácter de sermones o admoniciones para cantar los misterios religiosos o denunciar y advertir sobre corrupciones y desviaciones religiosas, destinadas a cantarse en diversas actividades de la vida religiosa, o en actos, celebraciones y devociones particulares y privadas. 

PRINCIPALES INSTRUMENTOS Y GENEROS MUSICALES DEL SIGLO XIII

Instrumentos Musicales

Don Juan Ruíz, Arcipreste de Hita, (c.1283-1350), en su obra enciclopédica maestra del mester de clerecía, El Libro del Buen Amor, nos ofrece una muy abundante e interesante relación de los instrumentos musicales comúnmente, utilizados durante este período que precede al Renacimiento. Menciona y se refiere a: ...Salterios, sonajas, estormentos tocar (cap. XXVIII), estormentos bien tanner o templar (cap. XXXIV), tanner el caramillo, ...faser el altibajo (cap.XLVI); y luego en los capítulos LI y LII, aporta una lista de varios instrumentos nombrados dentro del contexto del poema, entre otros: ... atambores o tambores; guitarra morisca o guitarra; guitarra latina en forma de lira; corpudo laúd; rabé gritador o rebec; rot o antiguo instrumento de cuerdas de forma redondeada derivado de la lira; vihuela de penhola o plectro; vihuela de arco o fídula de arco;  canon[1]entero; medio canon; harpa; rabé morisco; axabela o flauta traversa; albogue, pequeño caramillo o flauta pastoril; galipa francisca o pequeña flauta francesa; tamborete o tambor de costado; panderete; sonajas de azofrar o golpeadores de metal; albogón o flauta grande; odreçillo o gaita; bandurria; atabales o timbales; baldosa o cítara pulsada con plectro; zamponnas*; annafiles*...

GÉNEROS MUSICALES

En lo referente a los géneros musicales, hacia finales del siglo XIII, nos encontramos principalmente, con:

El MOTETE: Composición para voces generalmente, con argumentos y textos sacros o profanos tomados de melodías litúrgicas de los Organa (aunque también suelen encontrarse Motetes Politextuales,  en los cuales una voz canta un tema profano y aún amoroso, unido a temas religiosos), escrita a una o varias voces con o sin acompañamiento instrumental, sobre texto básico latino y de extensión relativamente corta. Aparece a finales del siglo XII y comienzos del XIII.

A la melodía del tema dado (o vox tenor) que puede ser sacado del gregoriano o canto llano (cantus firmus) e incluso de otras fuentes, se superpone una segunda voz o Motetus con texto propio (mot), con variantes y diversos desarrollos; después se añade una tercera voz (triplum), también con su texto correspondiente. Solía usarse el latín para la Vox Tenor y las otras voces podían escribirse en francés.

Más adelante hacia la mitad del siglo XIII, se usó el francés también para la voz tenor. Los temas podían variar desde alabanzas y elogios al vino o referidos a diversas actividades de la vida social francesa. 

El llamado Ars Antiqua, marca el apogeo del cultivo de Motetes a dos, tres y cuatro voces, cada vez más independientes melódica y rítmicamente.

En ellos, se encontraba frecuentemente, el uso de unísonos, cuartas, quintas y octavas, por regla general.

Los intervalos de terceras y sextas entre las voces eran muy poco usuales y casi nunca se utilizaba, la tríada o acorde completo de tres sonidos.

El Motete del Ars Antiqua surgió de esa aplicación de textos a la voz superior y era su condición esencial, que sus voces cantaran simultáneamente, al menos dos letras.

Pronto la voz superior predomina y se hace más rica en vocalizaciones. En el canto coral desarrollado por estos maestros, sobre el Canto Llano tomado como voz de apoyo o Tenor, se situaba una voz libre llamada Organum Duplum (todo el segundo fragmento se denomina Parte de Discanto –Dos cantos, o doble canto- o Cláusula). El Duplum provisto de texto propio, como hemos visto, se llamó Motetus y el nuevo género formado de esta manera se comenzó a denominar Motete, de gran importancia en la historia de la música porque dio lugar a otras formas, tales como el Responsorio, el Canon, la Imitación y la Fuga.

El Motete pues, se constituyó en el principal género profano del Ars Antiqua (S. XIII) y evolucionado a partir de los trabajos de los compositores, Philippe de Vitry hacia 1230; Francone de Colonia, entre 1250 y 1280; Petrus de Cruce ó Pierre de la Croix (c.1270-c.1300), destacado músico, compositor y musicólogo; Hieronymus de Moravia (c.1272-1304) y Walter Odington (c.1298-1316), se convirtió en una de las formas de composición más representativa del Ars Nova (siglo XIV) para luego, a partir del siglo XV, convertirse en una composición a cuatro o más voces, volverse Sacro y alcanzar su mayor florecimiento con Palestrina, Guerrero, Victoria, Orlando de Lassus y Manuel Mendes. Es conveniente recordar que los Motetes religiosos no formaban parte esencial del Ordinario de la Misa o Liturgia.

El RONDEAU, Rondeaux ó Rondó: antecesor del Canon; de carácter monódico en una primera etapa y muy apreciado a comienzos del siglo XIII, el Rondet de Carole fue escrito por primera vez a varias voces por el Trovero Adam de la Halle. Era una especie de Discanto con repeticiones (refrain) de la misma melodía. Llamado también Rondellus y compuesto en el esquema formal: A-B-a1-A-a2-b-A-B. Donde A ó a y B ó b simbolizan cortos motivos, representando A y B el estribillo y a1, a2 y b las coplas o melodía del estribillo con texto distinto. Era pues, una especie de Discantus con repeticiones de la misma melodía. Se desarrolló sobre todo en Francia (rondeau) y pasó a convertirse en una de las más importantes formas musicales.

El CONDUCTUS: Se trataba de una composición religiosa libre, de género monódico, sin tema impuesto y donde, a diferencia del motete, todas las voces seguían el mismo ritmo y las sílabas de las palabras en todas las voces, se cantaban simultáneamente; se utilizaba generalmente, en las procesiones para Conducir o acompañar la marcha o desplazamiento del celebrante o de los fieles durante los oficios litúrgicos y en el ritual de la Eucaristía.

Era una Forma de lírica religiosa en un principio y más tarde también, profana aún cuando se cantaba en lengua latina.

Surgió en la segunda mitad del siglo XII; no empleaba temas tomados del Canto Gregoriano, la melodía que figuraba en el Ténor del Conductus, no provenía del repertorio gregoriano, era de libre invención del compositor, y solía alternar partes exclusivamente instrumentales con partes cantadas. Representa así, la introducción y aceptación de la música instrumental dentro de las ceremonias litúrgicas cristianas.

El HOQUETUS: Forma musical muy usada desde fines del siglo XII, como recurso vocal en la música medieval. Consistía en un trozo musical de adorno constituido por frases cortadas por medio de silencios. Al interrumpir la línea melódica de las frases musicales con silencios alternados y compulsivos entre las voces, sin tener en cuenta las palabras las cuales podían ser cortadas en la mitad, repartiendo así, la melodía entre dos o más voces, se creaba la ilusión de la existencia de una sola línea melódica. Algunos han considerado este recurso como precursor de la síncopa y el contratiempo.

Se le llama también hiccup, hocket y hochetus, deriva del francés hoquet: hipo. Esta manera de hacer música posee antecedentes muy antiguos, los cuales encontramos, tanto en pueblos primitivos africanos como en las primeras civilizaciones europeas.

El CANON: o imitación por una voz o instrumento del tema melódico iniciado por otro. Puede ser retrógrado, cuando la respuesta comienza con el fin del principio; enigmático, muy usual en los compositores flamencos del siglo XV; cuando no existe indicación alguna para la respuesta.

Existen también otras formas de realizar los cánones, las cuales fueron desarrollándose progresivamente con el correr del tiempo, entre ellas podemos reseñar:

·         Cánones circulares, cuya línea melódica finaliza en un modo ubicado un semitono superior al del inicio de modo que va cambiando de tonalidades;

·         Cánones en aumento (o Aumentación de valores o duraciones),

·         Cánones en disminución, (o Disminución de valores o duraciones);

·         Cánones dobles;

·         Cánones finitos, cantados o tocados de continuo sin repetición de sus frases;

·         Cánones infinitos, cuando el final de la línea melódica se sobrepone a la parte inicial de forma tal que puede repetirse ilimitado número de veces;

·         Cánones perpetuos, en los que cada parte o instrumento comienza nuevamente tan pronto finaliza, mientras las otras partes o instrumentos continúan su ejecución;

·         Cánones reflejados, cuando dos o más voces aparecen invertidas de modo que sus intervalos aparecen simultáneamente los de arriba abajo, dando una impresión de reflejo en el agua…  

Vale la pena acotar, que de todas estas formas, el único Canon circular a seis voces (six voices perpetual canon) o Rota que conocemos, procedente de los inicios del siglo XIII, lo encontramos en Inglaterra; se trata de Sumer is icumen in, y es atribuido al monje John of Forsete ó Forncett (¿?-1239), Abad del Monasterio de Reading.

Este procedimiento de la Rota ó Rueda, como Canon a tres y cuatro voces sobre un fundamento o Pes,  parece haber sido una práctica polifónica de origen popular*.

El DISCANTO, muy pronto, se fue haciendo más complejo e interesante; se comenzaron a superponer dos, tres y hasta cuatro melodías distintas. Más aún, estas melodías, a veces, eran de carácter tan opuesto ya que, en ocasiones, se superponía a un tema de canto llano una melodía de canción profana, alterando los valores y entonaciones para que se cuando se escucharan unidos, formaran un conjunto tolerable en sus coincidencias.

Pronto los compositores no se resignaron a utilizar dos cantos conocidos y se aventuraron a innovar y crear el canto acompañante, e inclusive, a superponer varias melodías de acompañamiento.

De esta manera, se iniciaba el camino hacia el Ars Nova francés, en el cual, y aún cuando su primera fuente de inspiración la constituye el Motete, se crearán además, varias de las primeras composiciones esencialmente instrumentales tales como diversos tipos de Danzas o Estampidas Instrumentales e Interludios.