El JAZZ, producto musical heterogéneo de la fusión de varios elementos muy singulares, surgió gracias a un conjunto de circunstancias sociales y musicales que concurrieron en una misma forma y momento para dar origen a un género musical que refleja, con mayor fidelidad que cualquier otro elemento, la vida norteamericana, la diversidad de tradiciones y formas de sentir de índole técnica o nacional que han sido entretejidas por la gente que integra la población de los Estados Unidos de Norteamérica.

Un factor fundamental en la creación del Jazz, fueron los negros que trabajaban en las poblaciones del sur de los Estados Unidos y estaban librándose de la esclavitud durante la segunda mitad del Siglo XIX. Ellos habían sido arrancados de su África natal, uno o dos siglos antes pero seguían conservando y enriqueciendo sus tradiciones y el legado melódico y rítmico de sus antepasados.

Este legado pasó de una generación a otra por medio de las canciones y cantos de trabajo y oración (Negro Songs), las cuales utilizaban y entonaban para comunicarse mientras trabajaban en los campos y también, durante el medio día de asueto que se les concedía los Domingos, para que se reunieran y compartieran en el campo abierto llamado Plaza Congo de New Orleans; allí cantaban y danzaban al ritmo de música producida con la ayuda de troncos o tallos de bambú, llamados Bambulas, con tambores construidos con troncos recubiertos por cueros de vaca y con algunos instrumentos de cuerdas construidos de manera artesanal.

Estos Cantos de Trabajo entonados durante la esclavitud, dieron lugar a dos géneros musicales: las canciones rituales y religiosas, llamadas Negro Spirituals y las canciones profanas denominadas Blues, muchas de ellas inspiradas en la música religiosa, adaptada a sus propios fines: funerales y otros acontecimientos.

Cuando la Esclavitud fue abolida en 1863 por el Manifiesto de Emancipación del presidente Abraham Lincoln, los negros que vivían en New Orleans o sus alrededores, se encontraron ubicados en una maravillosa encrucijada cultural. La ciudad era extremadamente cosmopolita; tenía población francesa, inglesa, española y africana. Consecuentemente, se celebraban ritos religiosos católicos, protestantes y vudús. Había música variada y por doquier.

En el Teatro Francés de la Opera, se podía escuchar música clásica europea, óperas, ballets y bailes de música europea: cuadrillas, valses, polkas, etc. Las Bandas realizaban vistosos y frecuentes desfiles y se escuchaba música variada en los bares y calles. Toda esta música influyó inevitablemente en los cantos y géneros musicales cultivados por los negros.

En los años que siguieron a la Guerra Civil Norteamericana la cual terminó en 1865, se abrió un nuevo mundo musical para los negros libertos. Ya desde antes contaban con instrumentos pero la mayoría eran de cuerdas. Ahora podían utilizar instrumentos de viento de tipo profesional, pues los soldados-músicos de los ejércitos contendientes habían abandonado buena cantidad de trompetas y tambores en los campos de batalla.

Los negros aprendieron a tocar por sí mismos, ya que se les prohibía, impedía o dificultaba la asistencia a escuelas y conservatorios. Con tenacidad y creatividad lograron sus propios métodos heterodoxos para relacionar los sonidos de las cornetas y trompetas con sus inclinaciones vocales y sus necesidades musicales.

Empezaron a interpretar himnos y marchas religiosas, cantos de funerales y aires conocidos; pronto, trataron de emular la letra de sus canciones las cuales cantaban en sus mentes y las intentaban reproducir con la corneta.

Este estilo de Cornetas Cantarinas dio a las marchas, himnos y cantos una sinuosidad o característica ondulatoria melódica que nunca habían poseído.

También le aportaron un acento melancólico muy especial que se convirtió en un estilo de interpretación peculiar, introduciendo nuevos intervalos.

Años más tarde, se agregó otro elemento importante para la formación del Jazz; se trata del RAGTIME (ritmo sincopado). Este era un ritmo pianístico derivado de las marchas y de un género llamado Cakewald en el cual se combinaba el toque sincopado en la mano derecha y un golpeteo continuo con la izquierda.

Esta forma de hacer música se popularizó gracias a Los Pianistas de la Legua, que eran pianistas, negros casi todos, itinerantes, que iban de pueblo en pueblo haciendo actuaciones; ellos solían componer y tocar Rags para Piano entre estos, fue muy famoso el ragtime Maple Leaf Rag de SCOTT JOPLIN.

A fines del siglo XIX, muy pronto, se organizaron las principales orquestas o conjuntos de baile que tocaron este ritmo, etapa conocida como del Jazz Incipiente.

La primera Banda de Jazz importante, fue un conjunto dirigido por BUDDY BOLDEN, trompetista y barbero al que se conoció entre 1885 y 1896 como El Rey de los Músicos de New Orleans, sucedido luego por JOE “KING” OLIVER.

Tanto estas Bandas como otras que surgieron inmediatamente tales como, la Banda Olympia, la Creole Band de Kid Ory y la Eagle Band, acostumbraban tocar improvisando.

Cada instrumento desempeñaba un papel definido:

No se utilizaba el piano porque no se adecuaba a las actuaciones en bailes abiertos, marchas, funerales y desfiles.

Las dos primeras etapas del Jazz van desde 1900 hasta 1917, sus orígenes, y desde 1917 hasta 1922, lo que conocemos como el Jazz Antiguo.

Luego sigue la etapa llamada Middle Jazz, época de los solistas y las nuevas bandas de blancos. Muy pronto los jóvenes músicos blancos también sintieron la fascinación de esta música y comenzaron a organizar orquestas. Pero tocaban en forma más apurada y espasmódica que los negros.

Surgió así el Jazz de Dixieland, el cual desde sus orígenes y hasta la Segunda Guerra Mundial fue la versión blanca de la música de los negros; a partir de esa época empezó a establecerse firmemente como un Estilo Interpretativo, tocado al igual por negros y blancos.

Hasta 1923 las Bandas de Jazz muy raras veces constaban de más de siete músicos; los grupos mayores exigían la escritura de la música y esto se consideraba que destruiría la espontaneidad que era parte esencial del Jazz.

Fue el músico negro DON REDMAN, formado en Conservatorio, quien comenzó a poner en práctica una manera peculiar de escribir la música de jazz, la cual permitía las improvisaciones y actuaciones de solistas.

FLETCHER HENDERSON y DON REDMAN con la ayuda del trompetista LOUIS ARMSTRONG pudieron demostrar en 1924 que sí era posible interpretar jazz con orquestas grandes. A partir de allí, otros músicos se interesaron en la experiencia, de manera especial el pianista y director DUKE ELLINGTON y su trompetista BUBBER MILEY.

En 1934 el trombonista TOMMY DORSEY y su hermano, el clarinetista y saxofonista JIMMY, formaron una orquesta que llego a lograr fama con la interpretación del Dixieland.

Les siguió la Orquesta del Clarinetista y director BENNY GOODMAN. Y en 1935 COUNT BASIE contrató varios músicos para hacer su propia orquesta.

Más tarde les siguió GLENN MILLER. Conocemos esta época como la Era del Swing. A partir de 1945, se inicia la época del Modern Jazz, la cual se divide en dos períodos: de 1945 hasta la muerte de CHARLIE PARKER en 1955; y de allí hasta nuestros días…

A partir de allí sigue una larga y hermosa historia que, con multitud de variantes, se extiende a muchos países y se prolonga en nuestros días.

Se puede decir que ES LA VOZ DE LA JUVENTUD DE NUESTRA ÉPOCA. Surge a partir de los Turbulentos años 50´ de la posguerra, cuando los jóvenes se dedican a demoler el repertorio meloso de los cantantes de moda de los 40´, para construir en su lugar un admirable mundo sonoro nuevo que volvía a descubrir el filón rico y vivo de la música folklórica y de los Blues negros, transformándolo con la tecnología sofisticada de los instrumentos electrónicos y proyectando el lamento rural al escenario de la neurosis urbana.

En el nuevo Rock…Se sustituye la letra banal donde se enaltecía el amor vago e impalpable, por la letra que plantea y enfrenta la realidad física: calles pobladas de carros, gente, zapatos, hoteles, moteles, viaductos, bombas de gasolina, etc. En el amor entre dos almas entrarán también dos cuerpos y los amigos, las fiestas y otros temas que recibirán un trato más franco, directo y abierto...

BOB DYLAN lo plantea e inmediatamente los cuatro de Liverpool THE BEATLES, lo amplifican. Los Beatles con su productor musical: el maestro George Martin, conciben el primer grupo donde lo importante es el grupo, el todo; ya no son la Banda de Paul o la Banda de John, o la de George o Ringo… son ellos juntos Los Beatles.

La sociedad adulta no podía imaginar que aquellos ruidos formaban parte de la música.

Pero aún más, que en menos de diez años lograron crear una nueva cultura, trayendo consigo una visión social totalmente renovada y hasta traumática. La música ha sido el motor que impulsó tales transformaciones. Con Dylan y Lennon, el escocés Donovan ocupa el trono de los poetas del Rock. Además, la década de 1970 vió llegar la Opera Rock, un argumento llevado a la escena con música rock: Tommy (The Who), Jesus Christ Superstar (Andrew Lloyd Weber) y otras.

Son muchos los creadores, artistas y grupos que a partir de entonces y hasta nuestros días, con distintas modalidades, variantes, nombres e idiomas, han cultivado y cultivan la música derivada del Rock en el mundo: Elvis Presley, Tiny Tim, Joe Cocker, Sly y la Familia Stone, Alvin Lee y Ten Years After, Los Rolling Stones, The Who, Gentle Giant, Janis Joplin la blanca que cantaba como una negra, Génesis, Jefferson Airplane, Mick Jagger, Jethro Tull, Iron Butterfly, Johnny Mayall, Jimmy Hendrix, Cliff Richard, Eddy Mitchell, Dick Rivers, Johny Hallyday, Pink Floyd, Phish, Miguel Rios, SodaStereo, Tool, A perfect Circle, U2, The Police, The Doors, Metallica... y una grande y extensa cantidad de individualidades y agrupaciones, algunas desaparecidas, otras aún existentes y muchas apenas nacientes en nuestros días.

El Folklorismo es iniciado por el destacado sinfonista Roy Harris (1898-1979), Douglas Moore (18931969) y Henry Cowell (1897-1965), seguidos más discretamente por Virgil Thompson (1896-1989), quien inspira su obra en la historia y hechos de la vida contemporánea de los Estados Unidos.

El Dodecafonismo, sin dudas, ha tenido seguidores importantes influenciados por Arnold Schönberg durante su permanencia en los Estados Unidos, así encontramos la obra de Adolf Weiss (1891-2003), Milton Babbit (1916), George Perle (1915) Wallingford Riegger (1885-1961) y Harrison Kerr (1899-1978) entre otros.

Destacan también, como importantes creadores: Arthur Pryor (1870-1942), Ernest Bloch (1880-1959), William Schuman (1910), Randall Thompson (1899-1984), Leonard Bernstein (1918-1990), quien además de una importante obra sinfónica que incluye la ópera y la opereta, incorpora los ritmos y músicas populares entre la juventud norteamericana a la música académica, haciendo uso de ellos en varias de sus obras; Norman Dello Joio (1913), David Diamond (1915), Gian Carlo Menotti (1911), italiano nacionalizado americano.

Karel Husa (1921), nacido en Praga y nacionalizado americano; Morton Gould (1913-1996), Warren Benson (1924), Howard Akers (1913).