Las investigaciones folklóricas del compositor Béla Bartók (1881-1945) en Hungría, Rumania y Bulgaria en 1905, le habían mostrado la existencia de ritmos que divergían de las normas simétricas de la música centroeuropea.

Encontró formas métricas a base de números primos, tales como 7/8, 5/8, 11/8 y así sucesivamente; y también acentos asimétricos en las formas métricas tradicionales.

Así, un compás de 8/8 puede descomponerse en corcheas en diversas combinaciones: 3+3+2; 3+2+3; ó 2+3+3, creando efectos distintos del compás clásico de 4/4, de la misma longitud. Aparte de estos nuevos esquemas métricos, las investigaciones desenterraron combinaciones polimétricas que eran la antítesis del sencillo ritmo tradicional.

Tendencia moderna a componer música escrita sin definir una tonalidad, se suele llamar también Pantonalismo. Su objetivo es una nueva ordenación y leyes que puedan sustituir las fuerzas formativas de la armonía tonal. Entre sus iniciadores figuran los austriacos Josef Matthias Hauer (1883-1959) y Arnold Schönberg (1874-1951), quien en su Cuarteto de Cuerdas N° 2 en Fa sostenido menor, escrito entre 1907 y 1908, avanza en el camino hacia el Atonalismo, en los dos últimos movimientos, en los cuales se agrega a los cuatro instrumentos de cuerda un solo de Soprano, el compositor suprime las armaduras de clave que hasta entonces habían sido usuales.

Además, la música no se centra alrededor de una Tónica y por lo tanto no está en ninguna tonalidad. Sin embargo, será en su Canción, compuesta en septiembre de 1908, titulada Du lehnest wider eine Silberweide (Te apoyas en un sauce plateado), cuando Schönberg escribe una obra que no está en ninguna tonalidad determinada. A partir de allí, la música europea había entrado en una nueva etapa.

Serialismo

A partir del pensamiento serialista de Anton Webern (1883-1954) y Alban Berg (1885-1935) las composiciones se basan en series de 12 semitonos cromáticos con los cuales se construyeron series de 12 grados o menos. También para las duraciones, dinámica y timbre se construyeron cuatro series elementales.

Dodecafonismo

Los autores de comienzos del siglo XX, Schönberg, Berg y otros, se aferran también al concepto de una Escala temperada de SOLO 12 sonidos, a diferencia de lo sostenido por Guido D´Arezzo en el Siglo XI, quien había decretado que sólo ha habido siete sonidos. Los acordes de diez u once notas hacen desaparecer los rasgos de consonancia tradicional.

Esta técnica de composición se inicia en el año 1924, cuando se abandona la actitud extremista en el empleo de los timbres. La vaguedad, lo inmaterial se convierte en esencia; desaparece la plasticidad de los contornos determinados. El concepto de melodía ampliamente desarrollada y de armonía funcional cede ante la fragmentación temática y la sonoridad evocativa.

Luigi Dallapiccola (1904-1975) es el primer compositor italiano que utiliza la técnica dodecafónica en una ópera, Il Prigionero (1950). También, se destacan los italianos, Luigi Nono (1924-1990) y Luciano Berio (1925), quien además emplea métodos de composición hablada para extender el teatro de lo absurdo a la música (similar a la poesía concreta pero en dirección contraria).

Música Aleatoria

Surge en el Estudio Electrónico de la Radio Colonia, Alemania, puesto es marcha el 18 de octubre de 1951 bajo la dirección del Dr. Herbert Eimert y luego por el compositor alemán Karlheinz Stockhausen (1928), quien es el compositor de la primera obra basada en sonidos sinusoidales, es decir sonidos musicales puros carentes de armónicos, logrados mediante filtración electrónica. Sus obras incluyen: Studie II (1954), Klavierstück XI (1956), Gruppen (1957), Refrain y Ziklus (1959), Kontakte (1960), Originale (1961), Momente (1962), Telemúsica (1966); y otras.

Junto a él trabajan otros destacados compositores:

György Ligeti (1923), austriaco de origen húngaro, quien incursiona en varios campos y nuevas tendencias, incluida el área de la electroacústica. Entre sus obras se cuentan, desde Six Bagatelles pour quintette à vent (1951-3), Artikulation (1958), Requiem y Deuxième Quatuor à cordes (1968), hasta Passaglia ungherese y Hungarian Rock (1978), y muchas otras.

Tendencia que incluye toda la música que funcione a partir de materiales limitados o mínimos; obras que utilizan solamente algunas notas, palabras, o bien obras escritas y concebidas para instrumentos de recursos limitados; obras que mantienen algún efecto electrónico durante un prolongado período u obras que consisten en grabaciones exclusivamente de ríos o cursos de agua; obras que evolucionan en ciclos sin fin; obras de lenta evolución de un tipo de música a otro; es decir obras que implican un reductivismo. Erróneamente se suele citar al norteamericano John Cage (1912-92) autor de una larga y extensa producción musical que incluye Music for Piano (1953-56), Concerto pour Piano et Orchestre (1957-58), Variations I-IV (1958-63), como el iniciador de esta tendencia con su controvertida creación: 4´33´´, obra que no posee sonido alguno durante esa duración; lo cual lo aproxima más al Anarquismo musical. El minimalismo se basa en la repetición del material básico o fundamental de una obra, sea este rítmico, melódico…junto a otras características como vuelta a la tonalidad, simplificación de las formas, empleo preferente de instrumentos de percusión y otras variables.

Son los principales minimalistas, los norteamericanos: Terry Riley (1935) con su obra In C (1966); Philipp Glass (1937) con su 1+1 y también con Music in 12 Parts (1971-74); Steve Reich (1936) con It’ s Gonna Rain (1965), Come Out (1966), Melodica (1966), Piano Phase (1967) para dos pianos, Violin Phase (1967) para cuatro violines y banda magnetofónica, Octuor (1979), y otras; La Monte Young (1935) con su famosa The Tortoise, his Dreams and Journeys (1964) y John Adams (1947), compositor de Nixon in China (1987) y Harmonielehre (1985).

Podemos citar también las obras de compositores británicos como Michael Nyman (1944) con El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante (1989), Gavin Bryars (1943) autor de Jesus blood never failed me yet (1974); así como al belga Wim Mertens, autor del libro American Minimal Music y compositor de la obra para su propia voz y piano Jérémiades (1995); y al maestro catalán Carles Santos (1940) con su obra L’ adeu.

…La psicología moderna ha demostrado, como Pascal previó, que las reacciones humanas son, en parte, automáticas. La cibernética va aún más lejos y dice que el hombre mismo es un mensaje complicado o un sistema de información… aunque está claro, que la persona humana es mucho más que eso.

En la música ha habido recientemente evidentes intentos de excluir al ser humano, no solamente del acto de interpretación, sino aun del de composición. Una máquina compositora llamada Datatrón ha sido construida en América y analizada en la Revista Radio Electronics (1957). Es el famoso Computador Programado especialmente para producir melodías. En una hora este Computador ha logrado producir más de cuatro mil canciones completamente nuevas a partir de informaciones básicas suministradas.

Es importante mencionar algunos Hitos de la Creación Musical Latinoamericana de los nuevos tiempos, que han logrado ocupar un sitial de importancia e insertarse dentro del repertorio europeo y mundial.

Debemos referirnos pues a la obra del compositor argentino Alberto Ginastera (1916-1983) cuya personalidad se logró imponer por la solidez de su técnica.

Los brasileros Heitor Villa-lobos (1887-1959) profundo y prolífico compositor; Oscar Lorenzo Fernández (1897-1948) también, autor de una importante obra musical.

Los mexicanos Silvestre Revueltas (1899-1940), quien opinaba sobre sí mismo: …nací en Durango, México. Empecé a estuidiar en unos ranchos y después en Ciudad de México y Chicago pero nunca aprendí mucho…en la mayor parte de mis obras he procurado expresar el carácter, algo indiferente, sentimental tal vez, pero siempre enérgico, alegre y muy definitivamente sarcástico del pueblo de mi país…nunca he usado temas populares o folklóricos pero la mayor parte de los temas, o más bien “motivos” que he usado, tienen un carácter popular…

Carlos Chávez (1899-1978) autor de conocidas obras y fundador de la Orquesta Sinfónica Nacional de México; y el Grupo de Los Cuatro, son ellos: Daniel Ayala Pérez (1908-1975), Blas Galindo (1910-1993), Salvador Contreras (1912-1982) y José Pablo Moncayo (1912-1958). Los cubanos Ernesto Lecuona (1896-1964), cuya música ha recorrido el mundo; Amadeo Roldán (1900-1939), pionero de los ensambles de percusión y genio musical muerto prematuramente; Alejandro García Caturla (1906-1940) y Julián Orbón (1925-1991). Debemos recordar también, al compositor paraguayo Agustín Barrios Mangoré (1884-1943).

Los venezolanos Raúl Borges (1882-1967) y Antonio Lauro (1917-1986), sin lugar a dudas, han dado un importante aporte al desarrollo del repertorio mundial para la guitarra de concierto. Destacan también las obras de Joaquín Silva Díaz (1885-1977) importante compositor quien se radicó en Francia y se desempeñó como Maestro de Capilla y organista en Notre-Dame de Nice; así como también, varios compositores formados inicialmente, por el maestro Vicente Emilio Sojo (1887-1974), autor de una extensa obra musical y pedagógica; entre ellos destacan, Evencio Castellanos (1915-1984), compositor del oratorio profano El Tirano Aguirre (1962) y de la Suite Avileña (1947), Suite Santa Cruz de Pacairigua (1954), además del poema sinfónico El río de las siete estrellas (1946), entre otras obras; Antonio Estéves (1916-1988), compositor de una importante cantidad de obras que incluyen, desde las instrumentaciones tradicionales y las voces hasta el campo de la música electrónica, y cuya Cantata Criolla ha trascendido los límites del país. Carlos Figueredo (1909-1986), autor de varias sinfonías y una extensa lista de obras para piano y música de cámara. Blanca Estrella de Méscoli (1910-86). Inocente Carreño (1919), autor de la famosa Suite Margariteña, además de un extenso repertorio coral, orquestal y de cámara. Y Gonzalo Castellanos Yumar (1926), ganador en varias ocasiones de Premios de Música y autor de Antelación e Imitación Fugaz (1954), Fantasía Cromática para órgano, Suite Caraqueña y un interesante Concierto para viola (1990), además de otras obras sinfónicas, de cámara, coral, vocal y un Preámbulo para Banda Sinfónica (1983). Entre los compositores venezolanos de las nuevas generaciones de vanguardia se destacan, entre muchos otros: Alfredo Del Mónaco (1938), con experiencia práctica en el Columbia-Princenton Electronic Music Center, autor de una interesante y extensa obra; Federico Ruiz (1948), Alfredo Rugeles (1949), Beatriz Bilbao (1951), Miguel Astor (1958), Ricardo Teruel (1959), Alfonso Tenreiro-Vidal (1965), Roberto Cedeño Laya (1965) y el reconocido pianista y compositor fallecido prematuramente, Carlos Duarte (1957-2003).

Es indudable, que la transformación más importante ocurrida en el desarrollo musical venezolano se produce, gracias a los proyectos y acciones llevadas a cabo por el maestro José Antonio Abreu (1939), compositor venezolano y destacado economista y planificador egresado de las filas de alumnos del maestro Vicente Emilio Sojo; autor además, de dos Sinfonías, Concerto Grosso para piano y cuerdas, Sinfonieta neoclásica para pequeña orquesta, Suites, música de cámara, coral y otras obras orquestales. En el año 1975, Abreu logra concretar su gran proyecto y crea la Sociedad Civil Orquesta Nacional Juvenil Juan José Landaeta. En tan sólo cuatro años de árduo trabajo, en 1979, promueve la creación por parte del gobierno venezolano de la Fundación del Estado para la Orquesta Nacional Juvenil de Venezuela y en ese mismo, la UNESCO acuerda brindarle su apoyo técnico y docente. En 1982 obtiene también el respaldo de la Organización de Estados Americanos (OEA) para los programas de consolidación, desarrollo y extensión. En la actualidad, existe más de un centenar de Módulos y Núcleos dependientes de la Fundación del Estado para el Sistema Nacional de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela, FESNOJIV, a todo lo largo y ancho del territorio nacional. La cantidad de niños y jóvenes que participan en estos centros de capacitación se multiplica impetuosamente; el programa adquiere no sólo una gran importancia desde el punto de vista artístico y musical sino que al mismo tiempo, cumple un papel de primer orden en el desarrollo social de la infancia y la juventud de Venezuela y de otros países de la región. Los niveles de capacitación adquieren un nivel asombroso, gracias a los programas permanentes de seminarios, talleres y clases magistrales impartidas por especialistas de gran prestigio mundial, a través de los planes de intercambio y cooperación con nuestro Sistema de Orquestas; como uno de los resultados concretos, la Orquesta Nacional Infantil y Juvenil de Venezuela ha sido invitada a presentarse en los escenarios más calificados del mundo, ha cautivado por su calidad a los profesionales, a los críticos y a los públicos más exigentes en Berlín, Munich, Viena, Salzburgo, Milán, Roma, Venecia, Münster, Magdeburg, Leipzig, Dresden, New York, Washington, Buenos Aires, Bogotá, Lima, Quito, Montevideo, La Paz…por tan solo nombrar algunas ciudades.

Los niños venezolanos además, están aportando una novedosa visión de la actitud frente al hecho musical; estremecen a los públicos con su manera de hacer y presentar la música en concierto. Para ellos hacer música representa una actitud vital, una expresión fresca y natural de afinidad sentimental conjugada y respaldada con alto grado de base técnica. El proyecto ahora es realidad viva y presente en Venezuela, en América y también en el Viejo Continente. Junto a José Antonio Abreu en esta tarea, trabaja un enorme y calificado equipo del más alto nivel; así como un grande y extenso grupo de maestros, profesores, instrumentistas y colaboradores, de las más variadas disciplinas y especialidades musicales.

En el desarrollo de la Música Coral, cuyas simientes las encontramos en antecedentes como el Orfeon Lamas, fundado por Vicente Emilio Sojo en 1929; el Orfeon Universitario de la Universidad Central de Venezuela, fundado por Antonio Estévez en 1942 y luego, hasta la infausta tragedia de Las Azores, bajo la dirección de Vinicio Adames (1927-1976); la Coral Venezuela fundada por el maestro y destacado compositor Angel Sauce (1911-1995) en 1943; la Coral Creole fundada bajo la dirección del maestro, compositor y musicólogo José Antonio Calcaño (1900-1978 ) en el año 1952; la Coral de la Universidad Católica Andrés Bello fundada en 1964; la Schola Cantorum de Caracas en 1967; la Coral Filarmónica de Caracas en 1968. Se destacan los maestros Alberto Grau (1938) quien además de fundar la Schola Cantorum inicia la Cátedra de Dirección Coral en 1973 y María Guinand (1953). Ambos maestros se han avocado a la tarea de desarrollar un movimiento coral coherente y cada vez más pujante y calificado, cuyos resultados hemos visto concretarse en las celebradas actuaciones internacionales en las cuales, nuestro movimiento coral venezolano ha participado.