Histomusica.com
Jesus Ignacio Pérez-Perazzo

Menú Principal | Quiénes somos? | Qué ofrecemos? | Contenido | Enlaces | Foro

El Barroco Tardío

Su rasgo característico es el desrrollo de la música instrumental y las nuevas Formas Musicales que predominan y se perfeccionan en el Barroco Tardío (c. 1680- 1759), a saber:

1. En la Música Vocal: consolidación y perfeccionamiento de la Opera, el Recitativo, el Aria, la Cantata, el Oratorio y auge del Bel Canto.

2. Desarrollo y apogeo de la Música Instrumental: El Concerto Grosso, el Concerto da Camera, la Suite (Preludio u Obertura, Allemande, Courante, Sarabande), la Sonata da Camera y da Chiesa, la Toccata y la Fuga. (El primer concierto de piano lo realiza Henry Walsh en Dublín, 1762)

El Concerto da Camera, composición para uno o varios instrumentos solistas con acompañamiento de orquesta, desarrollado en Italia, será el género instrumental típicamente Barroco, a partir de mediados del siglo XVII. Nace a partir del Concerto da Chiesa y sirve para el lucimiento de los nuevos violines, violas, violoncelos y bajos en las Salas y Cortes.

En Italia, los compositores más relevantes en este período son:

Arcangelo Corelli, músico, profesor de violín y compositor italiano nacido en Fusignano (1653-1713), verdadero genio del violín a finales del siglo XVII y comienzos del XVIII. Estableció en Roma la Escuela Romana de Violín, hizo que empezara a dejarse a un lado la vieja viola (vale la pena acotar que la interpretación del violín se había deslindado de la de la viola hacia 1600) y dio grandes aportes para el perfeccionamiento de la forma Concerto. Utilizó para sus Concerti Grossi publicados en 1712, una masa de veinte violines, violas y bajos más los Solistas, y a veces, algunos Vientos. Escribió también, Sonatas a tres y Sonatas para violín y bajo continuo. A partir del Concerto Grosso de Corelli y paralelamente al mismo, se desarrolla en el último tercio del mismo siglo el Concierto a Solo. Además, entre los años 1681 y 1700, compuso 5 colecciones de sonatas para iglesia y cámara y una importante colección de Concerti Grossi. Amigo y colaborador del compositor Bernardo Pasquini (1637-1710), quien fue autor de óperas, oratorios y obras para clave, integraron la Academia de los Arcades de Roma

Antonio Vivaldi (1680-1741), nacido en Venecia, después de Corelli la figura más notable entre los violinistas italianos del siglo XVIII, en sus Conciertos, se sirvió de una orquesta integrada por la masa de veinte violines, y también de variadas combinaciones instrumentales. Vivaldi, quien fue ordenado sacerdote en 1703 y luego renunció al ejercicio de su ministerio, fue profesor de violín en el Hospital de la Piedad en Venecia y allí fundó y dirigió una orquesta. Intérprete virtuoso, creó el esquema del Concierto en tres movimientos o tempi. Compuso más de cuatrocientos conciertos, cerca de cuarenta y cinco óperas, sonatas, etc. Sus conciertos llamados Las Cuatro Estaciones, están incluidos en los 12 conciertos de El Fundamento de la Armonía y la Invención de 1725 (Il cimento dell’armonia e dell´invencione, Op.8). Vivaldi, además del esquema de tres movimientos o tempi para el Concerto, innovó técnicas interpretativas en los 12 conciertos para violín de L’ estro armonico, Op.3. Un poco más tarde, Bach profundiza en el contenido musical, su música resulta menos clara que la italiana pero muy llena de ingenio, fantasía y emoción.

Tommaso Albinoni (1671-1751), violinista y compositor italiano, autor de más de cincuenta óperas y numerosas piezas y obras instrumentales. Varios de sus temas fueron utilizados por J.S. Bach.

Francesco Geminiani (1687-1762), natural de Lucca; discípulo de Corelli, más tarde se trasladó a Inglaterra y murió en Dublín. Es autor de numerosos Concerti Grossi, Sonatas para violín y clave, además de varias obras teóricas y sobre técnica violinística (El Arte de Tocar Violín, 1731) en las cuales expone, entre otros conceptos, la técnica de las siete posiciones para la mano izquierda, con lo cual se facilita la obtención de los sonidos agudos y también se logra diversificar el timbre o color del instrumento utilizando para una misma nota, cuerdas y digitación diferentes.

Domenico Scarlatti (1685-1757), napolitano de origen; estudió con su padre y se destacó como organista y clavecinista, instrumento para el cual compuso más de quinientas obras de gran virtuosismo. Scarlatti, presenta sus primeras Sonatas en 1737.

Giuseppe Tartini (1692-1770) alumno de Bohuslav Černohorský (1684-1742) y fundador en 1728, de la Escuela de las Naciones en la cual se formaron generaciones de violinistas. Fue también teórico destacado, escribió Trattato de Música (1754) y Principi dell’ armonia (1767). Es autor de la conocida sonata para violín El Trino del Diablo, entre otras obras publicadas en 1734.

En Alemania se destacan:

Johann Pachelbel (1653-1706), Organista y compositor nacido en Nuremberg, alumno de Heinrich Schwemmer (1621-96). Es autor de una extensa obra para órgano (más de 90 fugas), variaciones, preludios y corales; obras para violín y para clave. Ha sido considerado como precursor de Bach.

Jan Dismas Zelenka (1679-1745) músico checo nacido en Louňovice pod Blaníkem y formado musicalmente en Praga, destacó como contrabajista en la Corte de Dresde. Autor de numerosas obras religiosas, cantatas, etc. Su talento y capacidades han sido comparadas con la de J. S. Bach.

Johann Sebastian Bach, nacido en Eisenach, Sajonia, Alemania el 21 de marzo de 1685 y muerto en 1750. Se desempeña como violinista en Weimar y como organista en Arnstadt desde los dieciocho años y luego en 1723 organista en Leipzig, en sustitución de Johann Kuhnau (1660-1722, compositor que adapta la Sonata al clavecín: 7Frische Clavier-Früchte, etc.), como Organista Chantre y Director del coro de 54 cantores de la Iglesia de Santo Tomás, cargo que conservó hasta su muerte.

Fecundo compositor de música instrumental y vocal (cerca de 60 volúmenes); numerosas obras para órgano, clavecín, música de cámara, sonatas para diversos instrumentos y más de doscientas Cantatas, además de Oratorios, Misas, Magníficat, The Well-tempered Clavier (48 preludios y fugas en todos los tonos) y otras obras. Para sus Conciertos usó una orquesta con masa de violines además de maderas y cobres. J. S. Bach ordenó sus 48 Preludios y Fugas según sus tonalidades, en las veinticuatro tonalidades mayores y menores de la Octava Temperada, en sucesión cromática.

Simultáneamente, cada Preludio y su Fuga, marcan la característica de su tonalidad. Compone su Arte de la Fuga en 1749 y en sus obras, Bach resume toda la ciencia y el poder de expresión de la era polifónico-contrapuntística y al mismo tiempo, profetisa el nuevo estilo armónico.

Georg Friedrich Haendel, nacido en Halle, Alemania un mes antes que J. S. Bach, el 23 de febrero de 1685, murió en Londres el 14 de abril de 1759.

Compuso gran cantidad de obras vocales y música instrumental, treinta y tres Oratorios (El Festín de Alejandro; Salomón; y El Mesías, en 1741), más de cuarenta Operas, Anthems (especie de Motetes con texto traducido al inglés tomados de la Sagrada Escritura para ser usados al final de los oficios religiosos), más de setenta Cantatas italianas, Suites Orquestales y Concerti Grossi, en los cuales usó, además de la masa de violines, otros instrumentos principalmente, maderas (oboes y flautas) y cobres; muchas obras para Clave y para Órgano que enriquecieron notablemente, la literatura para estos instrumentos.

Con su música y la de sus contemporáneos, algunas obras de Bach y Purcell, culmina la grandiosa, pomposa, bellísima música barroca, reflejo de esplendoroso absolutismo político y noble feudalismo (K. Pahlen).

Georg Philipp Telemann (1681-1767), nacido en Magdeburg. Autor de óperas, cuarenta y tres Pasiones, motetes, música religiosa y gran cantidad de piezas instrumentales, suites y conciertos para varios instrumentos. Su obra representa una síntesis entre la escuela contrapuntística y el estilo armónico, razón por la cual, suele marcarse con su muerte el verdadero comienzo del clasicismo musical.

Sylvius Leopold Weiss (1686-1750), natural de Breslau y muerto en Dresde; es el principal compositor para Laúd del Barroco Tardío. Su obra constituye un pilar importante para los guitarristas posteriores.

El Barroco Francés

En Francia, podemos diferenciar tres (3) etapas del Barroco que están definidas por el reinado de Tres Luises:

Primera etapa: Es en el Barroco Pleno y poseedora de un estilo más decorativo, aristocrático y solemne que coincide con el advenimiento y reinado de Luis XIV (el Grand Siècle), El Rey Sol (1643-1715), hijo de Luis XIII y Ana de Austria, y se caracteriza por el formalismo y majestuosidad. En esta etapa la figura musical predominante es, como vimos, J. B. Lully.

Segunda etapa: El reinado de Luis XV (1715-1774), bisnieto del anterior, comienza con la Regencia del príncipe Felipe III de Orleáns y termina con los últimos años del rey. Etapa de guerras y conflictos sociales, políticos y espirituales que tratan de ser maquillados con una especie de decoración externa, se le conoce como Rococó. En esta etapa se sustituye el formalismo por la Sensibilité, que crea su propia e intrincada etiqueta; se caracteriza por una música cargada de adornos que ahogan la melodía, las cuales se repiten y el uso de temas diminutos con acordes muy pobres.

Se destacan André Campra (1660-1744), Michel de Lalande (1657-1726), y los exponentes virtuosos del violín y de la Sonata violinística francesa Jean Ferry Rebel (1661-1747), Jean Baptiste Senaillé (1687-1730), Jacques Aubert (1678-1753), Jean Marie Leclair (1697-1764), Pierre Gaviniés (1728-1800) uno de los más famosos violinistas franceses del siglo XVIII; y Giovanni Battista Viotti (1753-1824) nacido en Italia, desarrolló su carrera en Francia y murió en Londres.

El compositor más destacado del período de la Regencia es François Couperin (1668-1733), llamado El Grande, quien junto a Domenico Scarlatti y a José A. Carlos Seixas, es uno de los grandes clavecinistas de la historia. Tanto Bach como Hændel vieron y estudiaron con asombro, la obra de este maestro. Autor de numerosas obras y de un método didáctico para el aprendizaje de dicho instrumento: Arte de Tocar el Clavecín, 1716.

De manera especial, debemos volvera mencionar a Jean-Philippe Rameau (1683-1764), natural de Dijón, quien en los comienzos del siglo XVIII publica una importante cantidad de óperas y Óperas-Ballets; destacan entre ellas Hippolyte et Aricie, Les Indes galantes (1735), obra considerada como la partitura musical más importante en el campo de la Ópera Ballet; Cástor et Póllux, Les Fêtes de Polyhymnie, Le Temple de la Gloire y otras. Ya con algunos años, asume Rameau, el liderazgo de la música francesa, que había quedado vacante a la muerte de Lully. Es autor de importantes obras para clave, cantatas y Pièces en concert para violín o flauta y clave. Rameau, con sus obras, contribuye a devolverle la unidad dramática que se había perdido a la Ópera Francesa, por los excesos de la ópera-ballet. Imposibilitado de vencer la presión del Rococó en la escena lírica, sus últimas obras militan dentro del Style Galant con sus célebres Divertissement.

Tercera etapa: Coincide con la llegada al reino de Luis XVI (1774-1793), nieto de Luis XV, y se prolonga en el período de la Revolución hasta los albores del Clasicismo. Estuvo esta etapa a merced de la evolución cultural y de las corrientes literarias, filosóficas y políticas del momento. Musicalmente es más pobre que las anteriores.

Ya desde el año 1752 en cuanto a la ópera francesa, se producía un enfrentamiento de tendencias en el gusto por la ópera. Los que seguían la corriente del italiano Pergolesi o Bufonistas, género italiano que prefería lo cómico o humorístico y satírico; por otra parte, los que adversaban esta tendencia, los Antibufonistas (defensores del absolutismo real) estos consiguieron en 1754, la expulsión de la compañía lírica italiana de Francia. Sin embargo, fueron muchos los compositores franceses que continuaron la tradición cómica, entre ellos J. J. Rousseau, y así nació la Opéra Comique, como resultado de la presión ejercida por el medio de la Comédie Française que no permitía a otros la puesta en escena de dramas hablados y la Académie Royale de Musique, que monopolizaba la presentación de trabajos cantados de principio a fin. Los principales cultores de la Opéra Comique, fueron:

Jean-Jacques Rousseau (1712-1778) filósofo, político y músico suizo nacido en Ginebra. Se radicó en París en 1742 y al año siguiente publicó un famoso trabajo Dissertation sur la musique moderne, y años más tarde, otro que produjo gran indignación a los antibufonistas, titulado Lettre sur la musique francaise (1753), compuso varias óperas, entre ellas Les Muses galantes (1745). Planteaba su famosa consigna de que la música volviera a la naturaleza: Il faut que la musique se rapproche de la nature… Compuso varias óperas: Iphis et Anaxarète, La Découverte du nouveau monde, Le Devin du village; además, de una centena de canciones y otras piezas.

Egidio Romoaldo Duni (1709-1775), compositor de origen napolitano establecido en Francia a partir de 1757. Su primera ópera fue presentada en Roma en 1735. Es autor de las óperas y comedias líricas Nerone, Le Caprice amoureux, La Clochette, y otras.

André François Philidor (1726-1795), compositor y destacado jugador de ajedrez; a instancias del filósofo enciclopedista DenisDiderot (1713-1784), se dedicó a partir de 1754 a la composición de sus primeros motetes y óperas a la manera de Händel y se estableció en París. En 1792 se retiró definitivamente a Londres hasta su muerte. Es autor de las óperas Blaise le savetier, L´Huître et les plaideurs, etc.

Pierre-Alexandre Monsigny (1729-1817), uno de los más destacados autores de este género; luego de perder su fortuna por la Revolución, la Opera Comique le concedió una pensión.

François Joseph Gossec (1734-1829), autor de varias óperas es más estimado como compositor de música orquestal y coral. Compuso más de trescientas Sinfonías, la primera en 1754. En 1795 fue llamado a formar parte del Conservatorio junto a Cherubini, Lesueur y Méhul. Es autor de una docena de cuartetos de cuerda, trío y muchas otras obras.

André-Ernest Grétry (1742-1813), el teórico del grupo, publicó en 1795 sus tres volúmenes de Mémoires ou Essais sur la Musique. Precursor temprano del Leitmotiv; es autor de las óperas Le Huron (1768), La Tableau Parlant (1769), Les Deux Avares (1770), Richard Coeur de Lion, Raoul Barbe-Bleue y otras, en las cuales logra infundir la vivacidad natural y el sesgo característico de la ópera bufa italiana, por lo cual se le conoció como El Pergolesi francés.

La Península Ibérica

El Barroco español y peninsular coincide con la muerte de Felipe II. Hay una tendencia a continuar los parámetros renacentistas o se imita la producción italiana y francesa. Nacen formas típicas como la Zarzuela y la Tonadilla. Cobran especial importancia las formas religiosas y la producción organística, de clave e instrumentos de cuerdas pulsadas (la guitarra). En Portugal, el rey João IV (rey 1640-56), además arpista y compositor; consolida la independencia portuguesa frente a España (victoria de Montijo en 1644), expulsa a los holandeses del Brasil (1654); da un gran impulso a las artes y la cultura, estimulará pero simultáneamente, controlará la producción musical. El rey escribe el tratado teórico Defensa de la Música moderna contra la errada opinión del Obispo Cyrilo Franco (1649), obra publicada en portugués, español e italiano. Fue alumno de Fray Manuel Cardoso (Escuela de Evora).

Se produce una extensa lista de obras de estilo Manierista (maneirismo) expresando las ideas artísticas de una manera rebuscada, llegando, en ocasiones, al formulismo exagerado. La Península Ibérica tiene un interesante movimiento musical a pesar de que poco se escribe en tal sentido. En España, como señalamos, surgen pues, la Zarzuela en uno o dos actos (1629) y la Tonadilla, destacan en esta modalidad de homofonía, José de Nebra (1702-68), autor de un Requiem (1758), mucha música sacra y para órgano, así como varias Zarzuelas: No todo indicio es verdad, Alexandro en Asia y Viento es la dicha de Amor (1743); Juan Hidalgo (¿?) autor de Celos aún del aire matan, con libreto de Pedro Calderón de la Barca y Los Celos hacen estrellas; y Sebastián Durón (¿?-c.1776), autor de varias óperas, La muerte en amor es la ausencia, La selva encantada del amor, etc. Adquieren especial importancia, los guitarristas entre los cuales destaca Gaspar Sánz (1640-1710) y los organistas; entre ellos, el compositor, organista y fabricante de órganos Juan Bautista Cabanilles (1644-1712), autor de numerosos Ricercares; en la música vocal religiosa merece especial mención el catalán Pere Rabassa (1683-1767), autor de más de ochenta obras conservadas en el archivo de la Catedral de Valencia. Matías Navarro (c.1668-1727), compuso un centenar de obras religiosas y cerca de 200 con texto romance. Es autor de dos Misas a 19 voces en cinco coros y muchas obras para cuatro voces. José Pradas (1689-1757), el más fiel exponente de la música vocal valenciana del siglo XVIII; su producción supera las cuatrocientas obras. Francisco Valls (1665-1747), maestro de coros de la Catedral de Barcelona y compositor de varios Oratorios. Mencionamos también, a Pascual Fuentes Alcazer (1721-1768), Francisco Morera Cots (1731-1793), Antonio Ripa (c.1720-1795) y José Pons (1768-1818). Uno de los más destacados compositores de ópera española del siglo XVIII, fue el valenciano Vicente Martín i Soler (1754-1806) cuya fama se extendió por toda Italia. En la música instrumental destacaron José Pradas Gallén (1689-1757); Francisco Vives (1712-1799) y José Herrando (1720-1763), destacado como violinista y compositor en Madrid. Una de las figuras más importantes de este período en la música española será el padre Antonio Soler (1729-1783), alumno de Nebra y autor de numerosas Sonatas para Clave y una extensa obra musical.

En Portugal, por su parte, destacan Fr. Filipe de Madre de Deus, Gaspar dos Reis (m.1679), Antonio Marques Lesbio (1639-1709) llamado O mestre da mais rara harmonia; Estevão de Faria, Filipe da Cruz, maestro de capilla del rey João IV, Diogo Dias Melgaço ó Melgás (16381700) último representante de los polifonistas portugueses del siglo XVII, João Soares Rebello (1609-61) y su hermano Marcos Soares Pereira (1588-1655). Y años más tarde, el organista y clavecinista J. A. Carlos Seixas (1704-1742), quien es autor de numerosas obras instrumentales para cámara, Toccatas y Minuetos para clave; y los compositores de óperas João de Sousa Carvalho (1745-1798), Jerónimo Francisco De Lima (c.1741-1822); Luciano Xavier Dos Santos (1734-1808); Pedro Antonio Avondano (1714-1782); João Cordeiro da Silva (¿?-1785); Marcos Portugal (1762-1830); y Antonio Leal Moreira (1768-1819) compositor de las primeras óperas con libreto en idioma portugués: A Sabia Enamorada (1793) y A Vingança da Cigana (1794) con libreto de Domingos Caldas Barbosa. Merece especial mención el destacado compositor, teórico y ejecutante de la guitarra portuguesa, Antonio Da Silva Leite (1759-1833), entre otros.