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Jesus Ignacio Pérez-Perazzo

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La Teoría Musical y desarrollo de la Música Instrumental en el S.XVI

Como señalamos antes, el invento de la Imprenta y su posterior aplicación a la escritura musical (1476) permitió el desarrollo y difusión primero, de la Teoría Musical y luego, de las Obras Musicales durante el siglo XVI. También despertó las polémicas y proliferaron las discusiones sobre la teoría, ciencia y estética de la Música, lo cual favoreció su progreso considerable. Así mismo, la música para Órgano y para Laúd, Vihuela y Guitarra, adquirió un desarrollo notable.

El Laúd, la Vihuela (tipo de Laúd español construído en forma de primitiva guitarra) y la Guitarra, se convierten en instrumentos de gran tradición tanto dentro de la nobleza como en el pueblo, que expresarán a través de ellos, un magnífico repertorio de música profana y popular. Surgen cantidades de Tientos, Diferencias, Pavanas (solemne danza que luego se convierte en el movimiento introductorio de la Suite alemana del comienzos siglo XVII) y otras obras de compositores de repertorio para estos instrumentos, como los españoles: Miguel de Fuenllana (¿?), Luis de Narvaez, Alonso Mudarra (c.1520-80) y Luis de Milán (m.1561), autor de El Maestro, primer libro español para vihuela (1535), dedicado al rey de Portugal, D. João III.

Los más importantes teóricos de este Período, algunos ya nombrados, fueron: el flamenco Joannes de Tinctoris (c.1436-1511); Bartolomé Ramos de Pareja (1440-1521?); G.M. Lanfranco (¿?-1545), autor de Scintille di Musica; el alemán Martín Agrícola, llamado Sohr o Sore (1486-1556), autor de Musica Instrumentalis; el ejecutante de violon, laúd y teórico Hans Gerle (¿?-1570); P. Jambe de Fer (c.1501-1566) con su L’Epitome musical; Juan Bermudo, autor de Declaración de Instrumentos Musicales, obra dedicada a D. João III de Portugal; Francisco Salinas (1513-1590); Ludovico Zacconi (1556-1627) con la obra en cuatro volúmenes La Prattica di musica; Manuel Rodrigues Coelho (1583-1659), autor de Flores de Música para o Instrumento de Tecla e harpa, primer libro de música impreso en Portugal; Niccola Vicentino (1511-1572) y Vicente Lusitano o Vicente de Olivença (m.1553?), ambos protagonistas de unas famosas Controversias Públicas sobre Música; Gioseffe Zarlino (1517-1590); Michael Praetorius (1571-1621) autor del Tratado Syntagma Musicum; Marin Mersenne (1588-1641) con su obra Harmonie Universelle.

Debemos resaltar la obra de Vicenzo Galilei (1533-1591), teórico y compositor de numerosos madrigales, piezas para dos violones, y un libro de obras para Laúd; quien en 1581, publicó por primera vez unos fragmentos conservados de la música perteneciente a la antigua Grecia (tres Himnos escritos por Mesomedes de Creta hacia el 130 d.C: al Sol, a la Musa y a Némesis) y tratando de emular la tragedia griega, puso música al pasaje de Il Conte Ugolino de la Divina Comedia de Dante; en cuya presentación, cantó el mismo y se acompañó con la viola, convirtiéndose en impulsor de un nuevo arte del recitativo y en una suerte de precursor del género operístico.

Villancicos y Pasiones

También, durante el siglo XVI se hizo frecuente la utilización del término Villancico, derivado de villano o campesino, para denominar a cualquier canción inspirada en temas variados en relación con la vida de la villa, que no fuera un Romance, es decir aquellas composiciones de forma poético-musical estrófica en la cual, cada verso obedece a una frase musical y el texto suele estar musicado silábicamente. En muchas catedrales, monaterios y capillas de corte solían hacerse presentaciones teatro-musicales, al estilo de los Laudi italianos y de los Madrigales Sacros, en los cuales alternaban el canto y el recitativo de moda, y cuyos textos se referían a los misterios y principales festividades religiosas del año. En la Navidad se hacían con mayor despliegue de pompa y solemnidad, se presentaban músicos vestidos de pastores, niños en coro de ángeles y otros atractivos; se cantaban textos y coplas alusivas al nacimiento del Niño Dios. Estas tenían la estructura formal del Villancico y se les denominaba de varias maneras: villancetes, villanescas, villanellas, villanetas y villotas, casi todas equivalentes. Su estructura llegó a obedecer a principios de esquema poético-musical como AB+refrán, AB+refrán, AB+refrán, CC+refrán; y en este caso, CC musicalmente equivalía a AB. Sus textos eran simples y predominantemente verticales. Casi siempre, a un Estribillo de cuatro versos le seguían estrofas, que solían presentar mudanzas, es decir, variantes sobre melodías nuevas.

Durante la Semana Santa o Semana Mayor e inspiradas en las narraciones de la Pasión de Cristo de los cuatro evangelistas (Mateo, Marcos, Lucas y Juan) se hizo costrumbre y uso litúrgico regular, la dramatización con música de dichos textos. Una voz, generalmente la de un Diácono solía representar al narrador o evangelista; el Subdiácono, hacía lo mismo con los soliloquistas, es decir otros personajes como Pedro, Pilatos y los diferentes personajes, incluyendo las exclamaciones del pueblo o turbæ, soldados, etc. Por su parte, el celebrante o sacerdote, representaba a Cristo. Solían entonar con sonidos de alturas diferentes, correspondiendo la voz más grave a Cristo, la intermedia al narrador y la más aguda a los soliloquistas y pueblo. Luego se complementó con la participación de la Schola en los parlamentos que correspondían a la turba y grupos humanos. De allí se pasó a desarrollar el texto de la Pasión en forma de Motete. Surgió así la Pasión Motetística. Otra modalidad alternaba el canto del Chantre con los Coros o Schola, dando lugar a la Pasión Responsorial, que tuvo su esplendor en este siglo XVI y sirvió de antesala a la Pasión Oratorial del siglo XVII.

En cuanto a la Música Instrumental, las Danzas francesas estaban de moda en todas las cortes de Europa especialmente, la Pavana de tiempo lento, pasos majestuosos y solemnes, con ritmo binario y en ocasiones, basada en una melodía vocal que podía ser cantada por solista o por los danzantes; y la Gallarda, Galharda o Galliarde, danza alegre de saltos con carácter muy vivo. Se mencionan también en la época otras danzas como las Folías y las Chaconas o chacotas, de origen italiano escritas en compás ternario y sobre un tema de bajo obstinado, es decir, uniforme y repetido durante la pieza y los Pasacalles, danzas de origen español, basadas en una tonada, parecidas a las chaconas.

Con el desarrollo de los instrumentos aparecieron las primeras Danzas y Suites de Danzas instrumentales o conjunto de danzas contrastantes, inspiradas en las danzas cortesanas y populares, las cuales en un comienzo solían consistir en una danza lenta seguida de una danza rápida y se repetía el esquema inspirado en la tradición germana de Tanz und Nachtanz (Dance & After-dance). Algo más tarde se agregaron a las Pavanas, Galliards y Branles otras danzas y se ampliaron con el esquema francés de Allemande, Courante, Sarabande y Gigue. En Italia se les empezó a llamar a las suites: Sonatas da Camera.

Es el momento estelar del Laúd, cuyo repertorio se enriquece con las obras de los ingleses John Dowland (1563-1626), Philip Rosseter (1575-1623) y Thomas Campion (1567-1620), este último, uno de los iniciadores de las Masques, con su Mask of Flowers; como vimos, la Vihuela, especie de guitarra punteada con aros y fondo curvo, tiene gran acogida y difusión y a comienzos del siglo XVI, el Órgano se presentaba por lo general, con un solo teclado y sin pedalera; pero hacia el último tercio del siglo lo encontramos ya, dotado de un teclado partido y con conjuntos de variados registros, lo cual influye en la producción de una literatura organística cada vez más interesante y abundante. Para el Órgano se escriben importantes Variaciones y Toccatas, escritas de manera libre, compuestas por escalas, figuraciones y acordes. Preludios, o preámbulos libres, también construídos con escalas puntos de órgano y fermatas o calderones. Ricercari (precursor de la fuga), escritos al comienzo en forma libre y luego, asumen la construcción formal de motete con estructura seccionada, imitación desarrollada con temas nuevos (sujetos o soggetto), convirtiéndose así, en precursores de la fuga. Fantasías, composiciones a la manera de los ricercari, de carácter imitativo. Canzonas, o Chauson cifrada, bien en su elaboración o en so imitación y Corales, en los cuales los organistas solían alternar, a veces en forma ornamentada, con el canto de la comunidad o de la Schola.

El Clavicémbalo (Harpsichord), será también, un instrumento preferido desde fines del Siglo XVI y proliferarán obras para dicho instrumento. Las partituras para instrumentos de tecla adquirirán gran brillo y permitirán lucir pasajes de mucho virtuosismo. La aparición constante de nuevos y mejores instrumentos hace que otros instrumentos se desechen u olviden.

Gracias a los tratados y estudios de organología y organografía mencionados, se estructuran y ensamblan grupos instrumentales cada vez más coherentes en timbre y sonoridad; surgen los ensambles, Consort o familias instrumentales de Sonido Suave (Soft Instruments) tales como, chirimías (shawm), flautas de pico (recorder), orlos (crumhorn), bajones, (dulcian), gaitas (bagpipes) y zanfoña mecanizada (hurdy-gurdy); y las de Sonido Ruidoso (Loud Instruments) como cornetos (cornetts), sacabuches (sackbuts), tambores (drums), tamboriles (tabor) y otros.

Se populariza el uso del regal, pequeño órgano portátil el cual se cree que fue inventado hacia 1460 por Heinrich Traxdorff en Nuremberg, aunque existía desde mucho antes como órgano positivo que se colgaba mediante un correaje. Se perfeccionan el violino piccolo (Do1,Sol1,Re2,La2), la pequeña viola, o sea el actual violín, la viola contralto, la viola da braccia, la viola tenore (Do, Sol, Re1, La1), el violonchelo, el violone (Bajo) y el pochette o kit, los cuales se tocan con un arco.

El siglo XVI es también, el momento en el cual comienzan a desarrollarse los primeros esbozos de la familia de los actuales Violines en Brescia, con Gasparo da Salò (¿1542-1609), cuyo verdadero apellido era Di Bertoletti y con Giovanni Maggini (1580-1623); y en Alemania con Magno Tieffenbrucker. En Francia el violín tiene gran aceptación desde sus primeros diseños; ya en 1556, Philippe Jambe de Fer nos describe con lujo de detalles, las características físicas y sonoras de dicho instrumento, al cual se refiere en su Epitome Musicale. A España llegan los primeros violines cerca de 1559, traídos por los músicos que acompañan al cortejo de Doña Isabel de Valois, segunda esposa de Felipe II; aunque desde muchos años antes se contaba en la Península (España y Portugal) con ejecutantes de rabec, rabel, rabbab o rabeca de procedencia musulmana.

Adquieren gran importancia el repertorio para el Órgano, la Espineta, el Clave (Clavicímbalo, Cémbalo, Clavicémbalo, Cravo o Harpsichord), el Virginal (Tipo de Clave más pequeño), la Vihuela y el Laúd (destacan ejecutantes de laúd como: Ennemond Gaultier, quien fue maestro de la Reina Madre y de Richelieu; su hijo Jacques Gaultier, François Dufaut, L’ Enclos, Blancrocher, Merville, Le Vignon, etc.). Estos dos últimos instrumentos introducen la música bailable en el ámbito de la música artística o académica permitiendo así, que las danzas tradicionales de los pueblos neolatinos pasaran a desempeñar un destacado papel en la formación del estilo instrumental y las nuevas formas de composición musical. Encontramos aquí, las bases para la futura integración de un conjunto instrumental de características y sonoridades más definidas: la primitiva Orquesta del siglo XVII, en la cual el instrumental variaba ya que se inventaban contínuamente, nuevos instrumentos; unos se olvidaban o desechaban y otros sufrían modificaciones o recibían perfeccionamientos y mejoras.

A partir de la última veintena de los 500´, podemos hablar del surgimiento de una etapa nueva en el desarrollo musical; Vincenzo Galilei (1520-91), como hemos visto, da a conocer en 1581 los fragmentos de los Himnos (*) al Sol, a la Musa y a Némesis (s.II d.C.) escritos por Mesomedes de Creta hacia el 130 d.C., en modo frigio y notación antigua; se hace moda estudiar el drama y la música del mundo antiguo y se tiende a cultivar y desarrollar, además, el drama pastoril. Estamos ya definitivamente, y desde el último tercio del siglo XVI, en el Barroco Temprano, cuyas características apuntaremos más adelante.

(* Cfr. Para ilustración puede escucharse la grabación de estos himnos griegos realizada por Atrium Musicæ de Madrid bajo la dirección del investigador y músico Gregorio Paniagua).