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Jesus Ignacio Pérez-Perazzo

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La Música desde el Renacimiento hasta el surgimiento de la Opera

El Ideal Renacentista

Hacia finales del Siglo XV, el Humanismo hace su entrada en el plano filosófico y estético, mejorando el concepto del papel e importancia del Texto en la composición vocal.

La difusión de la Música y de la Teoría Musical reciben un impulso vital con la Invención de la Imprenta (En 1440 por el alemán nacido en Maguncia, Juan Gensfleischy, llamado Gutenberg) y de la posterior Invención de la Imprenta Musical (Por Ulrich Hahn en Roma el año 1476; perfeccionada por Jörg Reyser, Octavio Escoto ambos en 1481 y finalmente, Ottaviano dei Petrucci –1466,1539- primero en su pueblo Fossombrone y luego en Venecia). Petrucci, adapta los nuevos procedimientos y publica la primera música impresa en Venecia en el año 1501.

La música religiosa sigue dominando; sin embargo, las composiciones musicales del Renacimiento reflejan el mismo espíritu del Arte narrativo pictórico de la época, en la cual las escenas idílicas alternan con la vida caballeresca de las cortes; y las cacerías aristocráticas y las canciones amatorias, con las toscas danzas de los recios paisanos aldeanos. Todo lo cual, lejos de representar el futuro, se volvía y pertenecía al pasado. La nueva visión Armónico Vertical y la ESCRITURA MUSICAL SIMULTÁNEA de las partes individuales adquieren un significado enteramente diferente. La simultaneidad en el enfoque visual fue el concepto último y el problema candente de la pintura occidental durante el Renacimiento; y la Música, así como las artes hermanas, incluso la Literatura, se unieron a la pintura en busca de la solución de este problema fundamental. En la base de este nuevo estilo, descansa el desarrollo de una nueva manera de escuchar y oír, comparable con la nueva manera de mirar alcanzada en pintura. El compositor oye ahora primariamente lo simultáneo-armónico, y no lo lineal-melódico según ocurría a los compositores de períodos anteriores; a partir de ahora, planeará y escribirá en una Manera Vertical más bien que Horizontal y, en consecuencia, abarcará todo el conglomerado sonoro de las partes, más bien que las partes en forma individual y sucesiva.

La Música Profana. La expansión geográfica e intelectual influye en el nuevo concepto del ideal de la época: el Uomo Universale, que a tono con la tradición clásica, también debía ser un ejemplar físico perfecto. Para la formación de este hombre se consideraba indispensable su educación musical. Es notable el extraordinario favor que la música gozaba en los reinos, principados y ducados durante el Renacimiento.

No había monarca de cierta categoría que no cultivase la música, y muchos de ellos eran buenos ejecutantes, cantantes y hasta compositores. Por citar algunos ejemplos: La Corte de Borgoña poseía un espléndido conjunto de músicos; Enrique V de Inglaterra, se destaca también como excelente músico; Isabel de Portugal, hija del rey João I de Avis, se casa con Felipe El Bueno, Tercer Duque de Borgoña, hecho que incrementa el intercambio cultural y musical del reino portugués con las cortes de Dijón y los Países Bajos y el propio rey portugués da testimonio de sus gustos y conocimientos musicales en su obra Livro da Montaria. Años más tarde, el rey João II (rey 1481-95), pone en práctica la reorganización de la Capilla Real. Maximiliano, emperador de Alemania, forma también su Capilla Real, integrada por músicos y coristas de primera importancia.

También, los reyes de la Dinastía Tudor y las Cortes italianas de los Médicis, Gonzaga, Sforza, Este, Bardi y Corsi, se convirtieron en grandes mecenas y dieron mucha importancia al desarrollo de la actividad musical.

Debemos recordar que es en 1537 cuando se crea el primer Conservatorio de Música, en Nápoles (Conservatorio de Santa María di Loreto).

Un ejemplo vivo de hombre de saber universal renacentista es el polifacético pintor, inventor, hombre de ciencia y músico italiano Leonardo da Vinci (1452-1519) quien fue destacado cantante, ejecutante del laúd, compositor de algunas obras y luthier fabricante de violones y realizador de mejoras en dichos instrumentos, además de inventor de una nueva variedad de laúd.

Fue en este ambiente donde, hacia 1530 y en Italia, se desarrollaron Los Madrigales, (en Francia la Chanson y en Alemnia el Lied) que en reacción contra los hábitos medievales, estas cortas piezas de forma libre muy diferentes a las obras anteriores del mismo nombre, vienen a reflejar lo más exactamente posible, la relación entre la música y el contenido del texto para ...faire chanter les voix le plus plaisamment...

Durante el Siglo XVI floreció pues la Música Polifónica, tanto Religiosa como Profana, esta última se desarrolla también, en Francia, Inglaterra y Alemania. Italia toma la vanguardia después de la Escuela Flamenca, especialmente en Florencia, alcanza así mucho prestigio la:

Escuela Polifónica Italiana. Surge, como hemos dicho, en Florencia, y su desarrollo coincide con los Tres (3) períodos de evolución del Madrigal (ya hemos señalado –Cfr.pág.97- que en Florencia se venía cultivando el Madrigal desde los comienzos del Ars Nova, es decir a principios del Siglo XIV, como forma de expresión musical). Esta escuela ejercerá una profunda influencia en el desarrollo musical occidental. En su origen, el Madrigal simple o primitivo, solía ser (durante los siglos XIII y XIV) una composición musical basada en poesías campestres y pastoriles italianas (mandriale: pastor) generalmente construidas con dos o tres estrofas de tres versos y dos versos finales; cantada por una voz con acompañamiento instrumental, por lo general a cargo del Laúd. Aunque nace en el Ars Nova, llega a su perfección en el Renacimiento (siglo XV). Más tarde (en el siglo XVI), tuvo una gran difusión y aceptación por parte de los compositores polifonistas Italianos, Franceses, Flamencos, Ingleses, Alemanes, Españoles y Portugueses, para convertirse en una composición a cinco o más voces sin acompañamiento, es decir, A Capella, de forma estrófica y de variados temarios; y en una última etapa (finales del siglo XVI y Siglo XVII) se transforma en una composición argumental a voces con dúos, tríos y recitativos, acompañadas por instrumentos y Bajo Continuo, a los cuales se les confiaban también interludios y postludios, se le llama Madrigal Dramático o Acompañado …a voci et istromenti, o también Madrigale Concertato su l’istrumento.

La mayoría de las composiciones reflejan un sentimiento religioso y reverente. El Renacimiento fue el triunfo del espíritu románico. La música ocupaba un sitio importante en el hombre del Renacimiento y contribuía a formar su acervo intelectual y atractivo social. Se desarrolla la música instrumental y a los grupos de instrumentos de una misma familia, pero de tamaños diferentes, se les denomina consort; por ejemplo el consort o familia de flautas de pico comprendía inicialmente seis (6) instrumentos.

Podemos señalar Tres (3) Períodos en la Evolución del Madrigal

El Primer Período del Madrigal, como dijimos, es conocido con el nombre de período de los Madrigalistas Simples o Primitivos, cuyo aporte principal es el uso y desarrollo de la Imitación y de las Variaciones como fórmulas contrapuntísticas. Comprende el final del siglo XV y buena parte del siglo XVI y tiene su principal y más destacado maestro en:

ADRIÁN WILLAERT (¿1480-1562), se formó en París con Josquin des Prés y con el compositor Jean Mouton (c.1475-1522), luego recorrió varias cortes en Venecia, Roma, Bohemia, Hungría y Ferrara. Fue Maestro de Capilla en San Marcos de Venecia en 1527 y allí fundó una Escuela de Canto. Es autor de una extensa obra y es el iniciador de la Escuela Veneciana, al prestigio de la cual contribuyó con sus novedosas obras, junto a

Niccolò Gombert (¿1505-¿?), también discípulo de Josquin des Prés. Prestó servicios al Emperador Carlos V en Flandes desde 1520; diez años más tarde fue nombrado Maestro de Capilla y luego se desempeñó como Canónigo en Tournai, desde donde se trasladó a Madrid con 20 cantantes para servir a la capilla imperial. Es autor de varios motetes, misas, salmos, madrigales, etc.

Philippe Verdelot (m.1567), se desempeñó como músico y cantor en Roma, Venecia y Maestro de la Iglesia de San Giovanni de Florencia. Dentro de su obra se cuenta una centena de Madrigales.

Jacob Arcadelt (1514?-1575), cantante en la Corte de los Médici en Florencia y maestro de la Escolanía de San Pedro en Roma. Autor de varias misas, motetes y madrigales, muchos de los cuales le fueron publicados en vida.

Jachet Buus (m.1565), organista de San Marcos de Venecia en 1541. En 1550 se trasladó a Viena. Autor de madrigales, motetes, chansons francesas, ricercari para órgano.

Constanzo Festa (1490-1545), miembro del coro papal en Roma desde 1517 y luego Maestro de Capilla del Vaticano. Su obra comprende misas, madrigales, letanías, motetes y un Te Deum.

Marchetto Cara (¿?-1527), Ejecutante del Laúd y composior al servicio de la Corte de Mantua (1495-1525). Autor de canciones y madrigales.

Nicola Vicentino (1511-1572) compositor, ejecutante de instrumentos de teclado y teórico que trató de restaurar los modos griegos. Fue discípulo de A. Willaert en Venecia y es autor del tratado: L’ Antica musica ridotta alla moderna prattica. Esta obra lo enfrento a Vicente Lusitano en una polémica de la cual salió derrotado.

Cyprien de Rore (1516-1565), sucedió a Willaert como maestro de capilla de San Marcos de Venecia en 1563. Es célebre por sus madrigales cromáticos y autor de ricercari, fantasías, misas, madrigales, etc.

El Segundo Período del Madrigal, se le ubica a mediados del siglo XVI e inicios del siglo XVII; es conocido también como Período del Madrigal Clásico, ya que en él se alcanza su mayor grado de perfección. Se caracteriza por la proliferación de la Polifonía A Capella, lleno de amplios floreos y que provenía de los himnos, secuencias y canciones de los trovadores, motetes del siglo XIII, caccias del siglo XIV, declamadas con melismas demasiado sencillos; así como de la música figurada instrumental, posteriormente imitada, como se ha señalado, por la vocal. Este estilo, estrictamente imitativo, se desarrolló no sólo en el campo religioso, sino también en la música profana. Coincide con, el período llamado Barroco Temprano, que se inicia hacia 1570-80 y se prolongará hasta 1630 ó 40 (Debemos recordar que en 1542, el papa Pablo III -1534-1549-, reorganiza la Inquisición con el nombre de Santo Oficio y el Concilio de Trento reunido entre 1545-63, consideró profano el uso de instrumentos en la liturgia y, ante la proliferación e impacto de los corales y cantos comunitarios protestantes, se trató de desterrar cualquier clase de música de la Iglesia si no se le daba mayor dignidad y se adaptaba mejor al significado de los textos).

Se destacan en este período:

Roland u Orlande de Lassus (1520-1594), nacido en Mons (Bélgica), fue maestro de Coro en San Juan de Letrán; luego regresó a su país. Compositor de una variada y excelente obra de más de 1500 piezas religiosas y cerca de 800 profanas que incluyen distintos géneros. En 1574 entregó al Papa Gregorio XIII (1572-85), un famoso libro de Misas. Pero también escribió magníficas Chansons francesas, italianas y madrigales. Se le considera el último representante de la Escuela Franco-Flamenca.

GIOSEFFE ZARLINO (1517-1590), gran teórico y pedagogo autor de dos importantes tratados: Institutioni armoniche y Dimostrationi Armoniche, muy objetadas por Vincenzo Galilei; luego otro llamado Sopplimenti musicali. Fue primer maestro de capilla de San Marcos de Venecia (1565). Compuso la pieza dramática Orfeo; además de misas y otras obras religiosas.

Joachim du Bellay (1522-1560), Giovanni Giacomo Gastoldi (1556-1622) y el famoso organista y compositor flamenco Jan Pieterszoon Sweelinck (1562-1621); autor de numerosas obras, Cantiones Sacrae para varias voces, fugas, Chansons para cinco voces, Rimes françaises et italiennes (p.e. Marchans qui traversez, 1612), toccatas para espineta, obras para clave, órgano y otras, las cuales ejercieron importante influencia en compositores posteriores. También mencionamos a los alemanes:

Hans Leo Hassler (1564-1612), nacido en Nuremberg, estudió en Venecia con Andrea Gabrieli; sirvió al Emperador Rodolfo II de Habsburgo en Praga y al Elector de Sajonia en Dresde. Se le considera como uno de los más grandes organistas y compositores de su tiempo. Autor de numerosas obras, Sacræ Cantiones y Sacri concentus, y

MICHAEL PRÆTORIUS, Schultz o Schulze (1571-1621), quien además de excelente músico y compositor de numerosas obras, se destaca fundamentalmente, por sus importantes investigaciones y aportes al desarrollo de la teoría musical y la Organología: (Syntagma Musicum, 1615, Tratado de los Instrumentos Musicales), de hecho, cuando plantea en su Tratado, que los violines y los cornettos deben escribirse en clave de sol y que para los tenores y bajos deben usarse las claves de do y fa, Prætorius se adelantaba en el tiempo, con una de las recomendaciones que le han trascendido. Pero sin dudas, al maestro de mayor importancia en este segundo período, es el italiano:

GIOVANNI PIERLUIGI DA PALESTRINA (1526-1594), quien consagra toda su vida a la composición de música litúrgica. Es una figura de especial importancia dentro de la Escuela Italiana. Pasa a ser el gran abanderado de la Nueva Polifonía Litúrgica y Religiosa de la Iglesia Católica Romana. Palestrina no creó nuevas formas, ni estilos o maneras; su grandeza proviene del impulso interno de su espíritu y de la extraordinaria riqueza de sentimientos que le permitieron el dominio absoluto de los medios artísticos de su tiempo. Con un sentido moderno de la armonía, desarrolla su música coral sin acompañamiento (A Cappella), la cual condensa la filosofía del Concilio de Trento, además, simboliza y resume toda su época de esplendor polifónico. Además de noventa y tres Misas, ciento setenta y nueve Motetes, Himnos, y obras religiosas, compuso 61 Madrigales Espirituales a cuatro voces y 95 Madrigales Profanos, verdaderos paradigmas y modelos del género. En 1555 el Papa Julio III (papa de 1550-55) a pesar del resentimiento de algunos por el hecho de no haberlo sometido a examen previo, lo hizo miembro del Coro Pontificio; ese mismo año el Papa Marcelo II (papa 21 días del 1555), a quien Palestrina dedicó su famosa Missa Papæ Marcelli, le designa maestro del Coro de la Capilla Papal. Los principales discípulos de Palestrina son:

Giovanni Maria Nanino (c.1545-1607), Giovanni Bernardino Nanino (c.1560-1623), Marc Antonio Ingegneri (1545-1592), Francesco Soriano (1549-1621), Giovanni Annimuccia (1500-1571), Felice Anerio (1560-1614), quien a la muerte de Palestrina le sustituyó al frente de la Capilla Papal; y Gregorio Allegri (1582-1652), alumno de los hermanos Nanini y luego cantor en la Capilla Papal desde 1629. Autor del famoso Miserere a nueve partes, obra que durante mucho tiempo fue para el uso exclusivo del papa en la Capilla Sixtina y que, se dice, fue copiado de memoria por W. A. Mozart, cuando tenía catorce años, después de haberlo escuchado en Roma. Además se destacan en este período los compositores de Madrigales: Baldassare Donati (m.1603) quien llegó a sustituir a Zarlino en 1590 como maestro de capilla en San Marcos de Venecia y Claudio Merulo ó Merlotti (1533-1604) llamado también Claudio da Corregio; organista en Brescia y en 1557 segundo organista en San Marcos de Venecia. En 1584 marchó a Mantua y pasó a ser organista de la capilla ducal de Parma. Compuso muchas piezas instrumentales, toccatas, ricercari para órgano, así como misas, letanías, motetes, Sacrae Cantiones y madrigales.